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11 novembre et Poppy Day
Tinguely@Tinguely
Un nouveau regard sur l’oeuvre de Jean Tinguely
au Musée Tinguely, Bâle: 07 novembre 2012 – 30 septembre 2013
En seize ans, depuis son ouverture en octobre 1996, le Musée Tinguely a accueilli plus de cinquante expositions. Si l’on se souvient de Jean Tinguely comme du « Jeannot national » suisse, et d’une personnalité publique jadis très présente dans nos esprits, son oeuvre, avec le temps, reprend une place centrale dans le monde artistique actuel. Tinguely peut aujourd’hui être perçu comme l’un des principaux précurseurs sur la scène artistique internationale autour de 1960. C’est là l’occasion de placer cet artiste sous une lumière nouvelle et de donner une vue d’ensemble de son oeuvre. Parallèlement à la nouvelle présentation « Tinguely@Tinguely » sur plus de 3000 m2 sort un nouveau catalogue complet des oeuvres, qui présente les ajouts à la collection et le travail du Musée depuis 1996, et qui servira aussi bien d’ouvrage de référence pour les études futures sur Tinguely que de livre à feuilleter pour les amateurs de son art.
Jean Tinguely, Méta-Matic No. 6, 1959 51 x 85 x 48 cm Museum Tinguely, Basel
Cette exposition propose un survol complet de l’oeuvre de Tinguely et le présente comme novateur et découvreur majeur de l’art cinétique de la seconde moitié du XXe siècle. C’est au cours d’un élan créatif autour des années 1954-1955 que Tinguely inventa en peu de temps les ensembles d’oeuvres Méta-Herbins, Méta-Malevitch, Blancs sur blancs, ses premières Machines à dessiner et ses Volumes virtuels, révélant par leur mouvement, leur côté aléatoire et leur aspect actif des nouvelles formes dans l’art abstrait européen de l’après-guerre.Les Méta-Malevich, en tant que reliefs, semblent symboliser la représentation qu’avait Kasimir Malevitch de l’animation aéronautique et de l’abstraction du paysage à l’aide du cinétisme. Les Méta-Matics, ses machines à dessiner, sont une des réponses les plus subtiles et à la fois complexes au précepte de Walter Benjamin définissant « l’oeuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique ».
Le travail artistique de Tinguely a pris plusieurs tournures décisives. Elles témoignent de l’ouverture d’esprit avec laquelle il vivait sa créativité, participait au monde de l’art tout en contribuant à le former.
À partir de 1960, il commença à organiser des représentations et des happenings caractérisés par une esthétique « ferrailleuse » radicale, faite d’objets trouvés, redonnant une vie singulière et absurde, quoique souvent brève, aux déchets produits par la société de consommation.
Ses oeuvres d’art et activités autodestructrices, qui ont eu lieu à Paris, Londres, New York, Humlebæk, dans le désert du Nevada et autres lieux d’exposition, révèlent Tinguely comme appartenant à une jeune génération d’artistes performers néodadaïstes. Homage to New York (1960) constitue la toute première oeuvre autodestructrice : elle exprime de manière dramatique et spectaculaire le potentiel de destruction qui se ressentait, politiquement et socialement, pendant la Guerre froide. Study for an end of the World No. 2 (1962) renferme le principe de la mise en scène du paysage, que développera plus tard le Land Art.
Les sculptures noires, apparues à partir de 1963, ont une nouvelle dynamique qui leur est propre. L’apparence de ces sculptures s’est voulue plus compacte et plus uniforme du fait de la peinture noire matte. Heureka, créée pour l’« Expo 1964 » à Lausanne, constitue une apogée de cette évolution. Les sculptures Eos, Bascule, Char, Santana et Hannibal sont autant de variations dans cette série d’oeuvres.
Les travaux collectifs apparus dans les années 1960 ont eu une signification essentielle pour les oeuvres de Tinguely. Le Cyclope, créé entre 1971 et 1991 à Milly-la-Forêt (au sud de Paris), était le porte-étendard de ce que recoupe une oeuvre collective : il s’agit d’une réalisation commune de plus de 22 mètres de haut, placée sous le signe de l’amitié, et à laquelle ont participé plusieurs artistes amis de Tinguely, notamment Niki de Saint Phalle, Bernhard Luginbühl, Daniel Spoerri et Eva Aeppli.
Avec le fer, Tinguely a trouvé un matériau d’une très grande longévité et stabilité, même si ses réalisations thématisent la fugacité, ou du moins la fugacité de l’utilisation, de ce matériau dans les appareils productifs. L’antinomie entre les éléments stables et éphémères est soulignée de manière particulièrement poétique par les sculptures des fontaines. Le Fasnachtsbrunnen (1977) témoigne avec maestria de la capacité de Tinguely à soustraire momentanément à la pesanteur les jets d’eau et les fontaines, et de les utiliser pour dessiner des formes dans l’air. Chaque sculpture aquatique a sa propre identité, un rythme et une signature graphique propres. Ensemble, elles donnent lieu à une
« Wassermusik » teintée de théâtre et de parodie, qui se cristallise en hiver pour donner de grandioses sculptures de glace.
Les sculptures de Tinguely s’adressent à l’observateur à de multiples niveaux. Elles sollicitent simultanément plusieurs sens : la vue, l’ouïe, le toucher et parfois même aussi l’odorat. Les quatre machines sonores (1978-1985) constituent l’une des séries d’oeuvres d’art les plus protéiformes et emblématiques ; deux de ces gigantesques sculptures complexes sont exposées au Musée Tinguely : Méta-Harmonie II (1979), prêt de la Fondation Emanuel Hoffmann, et Fatamorgana Méta-Harmonie IV (1985), qui fait partie de la collection du Musée. La Grosse Méta-Maxi-Maxi-Utopia (1987) est également assimilée à la série des grandes sculptures aux effets acoustiques.
Elle est par ailleurs la seule de ces imposantes installations à être accessible au visiteur. Comme dans le film Les temps modernes de Charlie Chaplin, l’homme y devient partie ou produit de la machine et s’égare dans un labyrinthe mécanique composé d’engrenages. Grosse Méta-Maxi-Maxi-Utopia est une oeuvre théâtrale complexe qui met en lumière le penchant de Tinguely pour la performance artistique.
Tinguely avait de nombreuses passions et en vouait une particulière aux sports automobiles. Toute sa vie, il s’est passionné pour la fascination et la peur que ces sports suscitent, la relation marquée du sceau de la perfection entre l’homme et la machine, mais également le danger sous-jacent lié aux accidents, au chaos et à la mort pouvant survenir au prochain tournant. Son amitié avec le coureur automobile Jo Siffert lui a permis de se rapprocher de cet objet de fascination. Des années durant, son agenda personnel était programmé en fonction des courses de Formule-1, qui l’ont amené jusqu’au Japon ou en Afrique du Sud. Il était donc évident qu’il essaierait de restituer ces émotions dans son art. Le vaste engrenage de Klamauk (1979), qui dégage de la fumée en se traînant lentement, est à l’opposé du dynamisme de la voiture de course.
Tinguely est l’un des artistes les plus radicaux et les plus subversifs du XXe siècle. Nombreuses sont les questions existentielles que soulèvent ses oeuvres : la relation homme-machine, le travail collectif, la beauté et l’inutilité du mouvement, la sonorité, le bruit et la musique, les ombres chinoises, la légèreté et la lourdeur, la dissolution et le vide, les éléments et la remise en question du rôle de l’auteur, de l’observateur et de l’oeuvre d’art elle-même. C’est dans cette combinaison de légèreté, d’humour, d’ironie et de parodie que résident les principales qualités des oeuvres de Tinguely, lesquelles vont du dadaïsme inspiré par Duchamp à l’exubérance baroque, en passant par les abstractions géométriques et le cinétisme.
Catalogue
Le catalogue »Tinguely@Tinguely« présente l’intégralité des sculptures, ainsi qu’un choix important de dessins et lettres-dessins. Il comprend également une biographie détaillée, un texte sur les actions et performances auxquelles Tinguely a participé, une étude sur les travaux de restauration des sculptures machines menés au Musée et un répertoire précis de documents et publications. Ce catalogue sera désormais l’ouvrage de référence pour tous les amateurs de Tinguely et de l’avant-garde européenne des années 1950–1960. Edition Kehrer, 552 pages, plus de 900 images, 58 CHF
Edition française (en janvier 2013) ISBN 978-3-9523990-3-3 / Edition anglaise ISBN 978-3-9523990-4-0 /Edition allemande ISBN 978-3-9523990-2-6
Pour petits et adultes à voir absolument
Images et texte courtoisie musée Tinguely
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Paul Durand-Ruel et le terrible Edgar Degas
Dans le cadre de l’exposition « Edgar Degas », la Fondation Beyeler propose une conférence en français de Caroline Durand-Ruel sur
« Paul Durand-Ruel et le terrible Edgar Degas ».
Pastel sur papier transparent rapporté, 122 x 92 cm
Collection privée
L’arrière-petite-fille du célèbre marchand d’art parisien, énergique défenseur de Degas, parle des relations de l’artiste avec la maison Durand-Ruel et évoque quelques figures de grands collectionneurs de travaux de Degas ainsi que plusieurs œuvres majeures découvertes dans l’atelier de l’artiste après sa mort, et vendues par la suite.
Le premier contact entre Edgar Degas et Paul Durand-Ruel remonte à 1872. Malgré le caractère parfois ombrageux de l’artiste, le marchand d’art et ses fils réussissent à préserver cette relation pendant de nombreuses années. La galerie organise en 1892 la première exposition individuelle d’œuvres de Degas à Paris, où le public peut découvrir, avec des réactions mêlées, une sélection de ses monotypes en couleurs de paysages réalisés à partir de 1890. L’exposition « Edgard Degas » de la Fondation Beyeler réserve toute une salle au motif des paysages de l’œuvre tardive de Degas, présentant ainsi une douzaine de monotypes provenant de collections particulières et de musées internationaux.
Caroline Durand-Ruel a travaillé aux côtés de son père, après la mort duquel elle a dirigé la galerie pendant 20 ans. Dans le cadre d’un colloque, elle a publié des lettres de Degas conservées dans les archives de la galerie. Elle a également rédigé plusieurs articles à l’occasion d’expositions internationales, dont celles consacrées à Sisley au Musée d’Orsay et à la Collection Havemeyer également au Musée d’Orsay, à Théo van Gogh au Van Gogh Museum d’Amsterdam ainsi qu’à Monet à la Fondation Gianadda.
Il est possible de visiter l’exposition « Edgar Degas », en place jusqu’au 27 janvier 2013, avant la conférence. Après avoir tourné le dos à l’impressionnisme vers 1880, Edgar Degas a atteint le sommet incontesté de sa création dans son œuvre tardive pleine d’audace et d’originalité. La vaste exposition de la Fondation Beyeler présente ses célèbres représentations de danseuses, ainsi que des nus féminins, des cavaliers et des paysages. On peut y voir environ 150 peintures, pastels, sculptures, dessins, gravures et photographies provenant de collections publiques et privées du monde entier.
Programme :
Cette manifestation se déroule le 7 novembre 2012 de 18h30 à 20h00 à la Fondation Beyeler.
Tarif :
Manifestation gratuite pour les visiteurs du musée.
Cette conférence est organisée en collaboration avec l’Alliance Française de Bâle.
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Sommaire d'octobre 2012
01 octobre 2012 : Frantisek Zvardon au Lézard à Colmar
02 octobre 2012 : Edgar Degas l’œuvre Tardive
03 octobre 2012 : Photographes en Alsace 2012
08 octobre 2012 : Philippe Pasqua à la Fondation Fernet Branca
10 octobre 2012 : Camille Corot – La nature et le rêve
15 octobre 2012 : Annette Messager – Continents Noirs au MAMCS
19 octobre 2012 : « L’Art, c’est quoi ? 27 questions, 27 réponses »
26 octobre 2012 : Balade d’automne
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Balade d'automne
« L’Art, c’est quoi ? 27 questions, 27 réponses »
«L’Art, c’est quoi ? »: une nouvelle publication de la Fondation Beyeler donne, par le mot et par l’image, des réponses accessibles à tous.
En 216 pages, « L’Art, c’est quoi ? 27 questions, 27 réponses » propose une introduction divertissante au monde de l’art. 27 questions directes, surprenantes et pleines d’humour trouvent des réponses claires et aisément compréhensibles. À travers des clichés exceptionnels, le célèbre photographe Andri Pol a visualisé la rencontre entre l’homme et l’art en différents lieux artistiques. Cet ouvrage a pour objectif de faciliter l’accès à l’art des jeunes et des adultes intéressés.
Des jeunes dessinent le Porte-bouteilles de Marcel Duchamp au Philadelphia Museum
of Art © Photo: Andri Pol
Qu’est-ce qui fait de quelque chose une oeuvre d’art? Quand une oeuvre ne lui plaît pas, que fait l’artiste ? Est-ce qu’Andy Warhol aimait la soupe à la tomate? Pourquoi l’art est-il si intéressant ? Les graffitis est-ce que c’est de l’art? Pourquoi la plupart des artistes célèbres sont-ils des hommes ? À quoi ressemblerait la vie si l’art n’existait pas ? L’équipe de Médiation artistique de la Fondation Beyeler a préparé cette publication en collaboration avec des jeunes et a rassemblé leurs questions personnelles sur le thème de l’art. Ce livre offre des réponses facilement intelligibles aux 27 questions les plus fréquentes, et les plus captivantes.
Jeune homme devant Le lion, ayant faim, se jette sur l’antilope (1898/1905) d’Henri Rousseau à la Fondation Beyeler, Riehen / Bâle
© Photo: Andri Pol
«L’Art, c’est quoi? 27 questions, 27 réponses» amène le lecteur à l’art par les voies les plus diverses. On a également interrogé sur leur rapport personnel à l’art des artistes connus, un restaurateur, une organisatrice d’expositions, un directeur de musée, un galeriste, un assureur d’art, une enseignante d’art, un commissaire-priseur et le principal responsable culturel de Suisse. Parmi ces spécialistes figurent des personnalités comme John Armleder, le conseiller fédéral Alain Berset, Bice Curiger, Sam Keller, Elodie Pong, Simon de Pury ou Ivan Wirth. Ce livre donne également la parole à des jeunes qui posent un regard sans préjugé sur la question-titre «L’Art, c’est quoi?»
Visiteuse devant Untitled (Red, Orange) (1968) de Mark Rothko
© Photo: Andri Pol
39 photographies d’Andri Pol immortalisent des instants de rencontre entre l’homme et l’art. Elles montrent les effets qu’exerce l’art, ainsi que ses incidences sur notre vie. La maquette très esthétique de ce livre, parfaitement en harmonie avec son contenu, a été conçue par Müller + Hess. En plus du soutien généreux qu’elle a accordé à ce projet, l’UBS encourage t sa diffusion en tant que Partenaire de la Médiation artistique pour les familles et les jeunes.
Des visiteuses regardent la sculpture de Jeff Koons Michael Jackson and Bubbles (1988) à la Fondation Beyeler, Riehen / Bâle
© Photo: Andri Pol
Cette publication est éditée en allemand, en français, en italien et en anglais. Elle est disponible à partir de la mi-octobre 2012 en librairie ainsi qu’à la boutique de la Fondation Beyeler Riehen / Bâle.
La présentation du livre a lieu le dimanche 21 octobre 2012 de 16 à 18 heures dans le cadre de la Journée familles à la Fondation Beyeler.
Références
Titre : « L’Art, c’est quoi ? 27 questions, 27 réponses »
Format : 170 x 130 mm, 216 pages, 39 illustrations
Date de parution : disponible à partir de la mi-octobre 2012 en allemand, français, italien, anglais.
Editeur scientifique : Fondation Beyeler, Riehen/Bâle
Auteurs : Stefanie Bringezu, Daniel Kramer, Janine Schmutz Photos: Andri Pol
Maquette : Müller + Hess
Editeur : Hatje Cantz
ISBN Fondation Beyeler: 000-3-905632-96-9 (D) / 000-3-905632-97-7 (F) / 000-3-905632-99-3 (E) / 000-3-905632-98-5 (I)
ISBN Editeur: 978-3-7757-3526-1 (D), 978-3-7757-3528-5 (F), 978-3-7757-3527-8 (E)
Renseignements :
Fondation Beyeler, Beyeler Museum AG, Baselstrasse 77, CH-4125 Riehen
Heures d’ouverture de la Fondation Beyeler : tous les jours de 10h00 à 18h00, le mercredi jusqu’à 20h00.
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Annette Messager – Continents Noirs au MAMCS
Annette Messager, Continents Noirs au MAMCS
commissaire : Joëlle Pijaudier-Cabot, conservatrice du patrimoine, Directrice des Musées de la Ville de Strasbourg
Un artiste doit-il être humain ?
Telle est la question en tête de la préface du livre d’artiste (éditions Xavier Barral) qui accompagne cette exposition et édité pour l’occasion. Norman Spinrad, auteur de science fiction, choisi par Annette Messager parle de « neotoma et l’oiseau jardinier »
Pour des raisons qui ne semblent pas motivées par le besoin de se nourrir, le neotoma accumule des petits bouts de détritus pris au hasard, capsules de bouteilles, paquets de cigarettes vides, morceaux de verre brisé, fragments de journaux, il les entrepose tel un « trésor » dans son terrier. Les oiseaux jardiniers, comme le rongeur, rassemblent eux aussi des objets sur le sol des forêts. Cailloux colorés, plumes, fruits, fleurs, ne sont pas considérés, comme, par l’œil humain, comme des détritus.
L’oiseau dispose dans une esthétique pensée et consacre son temps à arranger ses acquisitions, dans quelques assemblages différents, dont chacun sera une création unique. Son œuvre achevée il entame sa parade nuptial pour attirer la femelle.
Annette Messager, femme procède ainsi, picore dans la sphère de la grande culture et de la culture populaire, même pornographique, les comtes, les comics, les dessins d’enfants, les photographies, les animaux et les oiseaux empaillés, les mots, dans l’environnement humain.
Elle déploie dans sa palette artistique, tout ce qui a attiré son œil, qui est resté dans sa mémoire, son subconscient et le restitue en un schéma délibéré, afin de produire des effets et des réflexions sur la conscience de l’observateur.
C’est un hôte étrange, un pantin géant, blanc, gonflé par l’action d’une soufflerie, qui accueille le visiteur à l’abord du musée, ballotté, animé de mouvements convulsifs et déstructurés, il se cogne aux murs, comme emprisonné. A l’étonnement amusé de sa découverte, succède bientôt un sentiments diffus de malaise, au spectacle des combats dérisoires de cet avatar d’un héros kafkaïen. Le ton est donné.
Le parcours de l’exposition s’organise en plusieurs séquences, à la manière d’un récit dont la tension dramatique s’intensifie au fil de la progression du spectateur. Il s’ouvre sur
Motion-Emotion, 2011-2012, grande installation animée présentée lors de la Triennale de Paris. Elle est composée pour l’essentiel d’un ensemble de vêtements, ainsi que de déchets de plastique et de pantins suspendus, gonflés et animés par le souffle d’une batterie de ventilateurs. Ce modeste dispositif donne vie à une étrange sarabande chamarrée, joyeuse et grinçante à la fois, où il est question de sensibilité féminine désorientée, d’insoutenable légèreté de l’être ; l’inquiétude dégagée par l’œuvre est allégée par l’envoûtement de la chorégraphie et par quelques clins d’œil à la robe soulevée de Marilyn, dans
« 7 ans de réflexion » ou à la farce ubuesque de Jarry.
Depuis une dizaine d’années déjà, l’œuvre d’Annette Messager est envahie d’obsessions de plus en plus inquiétantes et de tensions existentielles qui cèdent progressivement le pas à l’humour léger et joueur avec lequel elle touchait depuis ses débuts aux réalités les plus graves. Avec l’exposition Continents noirs, cette tendance s’affirme plus encore, et l’on se trouve entraîné dans un étrange voyage, à la découverte d’un univers de science-fiction, un monde entièrement noir, où l’on découvre deux grandes installations fortement théâtralisées, ponctuées d’œuvres de format plus modeste : des mots écrits en filets, tels Chance, Désir, ou Jalousie, dont la puissance des sentiments qu’ils suggèrent résonnent dans leur texture matérielle qu’elle met en regard avec le Miroir aux Alouettes; un ensemble de dessins animés de mots, coulures et silhouettes noires évoquent un grouillement fantasmagorique ; quelques objets sculpturaux qui travestissent dans un esprit de jeu et de dérision le quotidien le plus banal, pour mieux l’épingler, l’Opération des peluches et son mètre ruban, Les 7 balais, recouverts de loups noirs, masques qui se trouvent en face de la Mariée, (Just Married) faite d’une robe en voile et d’un balai.
« Du balai » dit-elle en riant, puis elle continue, le continent noir n’est-il désigné par Freud, comme le sexe de la femme ?
La Petite Ballerine, même le tutu de son passé de danseuse est noir, c’est le pantin du ventiloque qui y git sous son masque rouge. Plus loin avec le même tutu noir, il est accroché dans le dos de sa mère noire, heureux sans son masque rouge.
Il y a aussi Mickey chevauché par une souris, (Mickey chevauche une souris) lardé par des instruments, comme si les picadors lui avaient fait un sort. On fait on ne sait pas qui chevauche l’autre.
L’œuvre éponyme, Continents noirs, nous fait pénétrer dans un monde pétrifié et carbonisé, un univers urbain d’après la catastrophe, éruption volcanique ou explosion nucléaire, dont les résidus miniaturisés flottent au dessus de nos têtes, agglutinés en des sortes d’îlots volants, lointainement inspirée de Swift dans les Voyages de Gulliver. Au sein de ce monde à l’envers, trois ampoules, en un balancement régulier, rythment l’inéluctable du temps ; elles dessinent sur les murs des ombres menaçantes, dont les contours indécis, transformant ces conglomérats volants en monstres dont les silhouettes évoquent le monde animal ou minéral, suscitent stupeur et effroi.
La vaste installation Sans légende nous projette à nouveau dans un monde carbonisé de vestiges miniaturisés, disposés cette fois au sol : réalisés dans un matériau noir et mat, des formes géométriques simples et énigmatiques, des fragments architecturaux, des objets ordinaires, des jouets à l’abandon viennent envahir, étouffer des fragments de globe terrestre en textile, qui peinent à se gonfler, en un mouvement de respiration entravé.
Dans une ambiance évoquant celle de Metropolis, l’ombre projetée d’une grande horloge égrène dérisoirement le temps sur cet univers figé. Mais la gravité de ce spectacle et les terreurs qu’il suggère sont mises à distance, comme exorcisées par l’humour dont l’artiste anime ces gros jouets échoués du monde de l’enfance avec l’esprit de jeu et la poésie tendre et grinçante qui lui sont familières.
L’exposition se clôt sur une image mélancolique, le mouvement d’une vague faite d’un film plastique transparent qui vient recouvrir, comme un voile léger, les résidus d’un monde disparu, évoquant la plage de Berck de sa jeunesse.
Les grandes installations conceptuelles occupent quelques salles du rez de chaussée du MAMCS jusqu’au 3 février 2013
visites commentées en français les jeudis à 12 h 30 les dimanches à 11 h
visites commentées en allemand les samedis à 11 h ( 20/10-24/11-8/12-26/1/13)
Une heure une oeuvre le 7 décembre
Chance, 2011 ou la place des mots dans l’oeuvre d’Annette Messager
Le temps d’une rencontre
Le vendredi 18 janvier 12 h 30
Parcours de l’exposition en compagnie d’Annette Messager
photos et vidéo de l’auteur courtesy MAMCS
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Camille Corot – La nature et le rêve
« Grande exposition du Land de Bade-Wurtemberg »
Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe / Bâtiment principal
29 septembre 2012 – 6 janvier 2013
Dans l’esprit de la superbe exposition consacrée à Eugène Delacroix en 2003, la Kunsthalle de Karlsruhe continue à rendre hommage aux artistes français avec l’un des plus célèbres d’entre eux : Camille Corot (1796-1875). Avec quelque 180 tableaux, dessins et estampes, cette grande exposition de l’automne offre un panorama complet de l’oeuvre de l’artiste : des esquisses lumineuses réalisées en plein air aux paysages lyriques et aux oeuvres décoratives de grand format, des portraits subtils aux figures de fantaisie énigmatiques. Tous les aspects de la production de l’un des plus grands peintres français du XIXe siècle sont évoqués et les plus belles oeuvres du « père Corot » se sont ainsi donné rendez-vous à 80 km de Strasbourg. Le fond de la Kunsthalle est complété par de nombreux prêts prestigieux effectués notamment par les musées français, dont le Louvre, mais aussi et surtout par des musées et collections privées américaines et internationales, dont le Metropolitan de New York, la National Gallery de Londres ou les Offices de
Florence.
L’exposition de la Kunsthalle entend souligner la personnalité exceptionnelle de Corot, oscillant entre tradition et avant-gardisme. En constant décalage par rapport aux courants traditionnels, très indépendant et puissamment influent sur ses contemporains, son apport à l’art du XIXe siècle est fondamental. D’abord réaliste avant les autres, mais dans la tradition des paysages classiques à la française du XVIIe siècle, il se dirige ensuite vers un style imprégné, petit à petit, d’une nostalgie toute personnelle baignée de séduction lyrique.
Outre les paysages peints à l’occasion de ses nombreux voyages dans l’Hexagone et en Italie, Corot fit de nombreux portraits d’amis et de membres de sa famille, ainsi que des représentations de figures de fantaisie inspirées d’oeuvres de la Renaissance ou du XVIIe siècle. L’un des points forts de l’exposition consiste en la présentation de tableaux rarement visibles : les oeuvres décoratives de grand format réalisées par Corot pour agrémenter des intérieurs, ainsi que divers dessins et estampes qui mettent en évidence la modernité et l’originalité de cet artiste aux multiples facettes.
Pour mieux inscrire Camille Corot dans l’histoire de l’art et souligner l’apport essentiel et
incontournable de sa création, l’exposition présente également des tableaux de maîtres de la grande tradition française (Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Antoine Watteau), des contemporains et prédécesseurs immédiats (Pierre-Henri de Valenciennes, Achille-Etna Michallon, Jean-Victor Bertin), ainsi que des artistes de la génération suivante (Camille Pissarro, Paul Cézanne, Odilon Redon).
Corot a sans cesse renouvelé ses sources d’inspiration : son oeuvre est exceptionnelle en ce
qu’elle est indissociable du goût de l’artiste pour la musique et la littérature. L’exposition rendra compte de l’intérêt de Corot pour le théâtre et les concerts durant ses séjours parisiens, ainsi que de sa profonde affinité pour les variations et paraphrases picturales inspirées de thèmes musicaux.
Cet aspect sera abordé plus particulièrement par un essai du catalogue et diverses manifestations annexes de l’exposition (écoutes musicales dans les salles et concerts). De même, l’exposition revient sur les rapports du peintre avec la littérature : on sait aujourd’hui que Corot lisait beaucoup et entretenait des relations personnelles avec plusieurs poètes et écrivains de son temps, notamment avec son grand admirateur Charles Baudelaire, poète et merveilleux critique d’art qui disait, à juste titre :
« À la tête de l’école moderne du paysage, se place M. Corot »…
Commissariat
Le commissariat de l’exposition est placé sous la direction de Dorit Schäfer, directrice du Cabinet des estampes de la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe, et de Margret Stuffmann, ancienne directrice des collections graphiques du Städel Museum, Francfort. Assistance : Maike Hohn.
Catalogue
Un catalogue en allemand avec des textes rédigés par les meilleurs spécialistes de Corot, dont Arlette Sérullaz, Michael Clarke et Margret Stuffmann, est publié à l’occasion de l’exposition.
Exposition pour le jeune public à la « Junge Kunsthalle »
Une exposition parallèle intitulée Bonjour, Monsieur Corot ! En visite chez un grand peintre, est présentée au « musée des jeunes » afin de souligner les rapports entre l’oeuvre et la vie de Corot.
Plusieurs salles spécialement aménagées recréent l’atmosphère des intérieurs du XIXe siècle et de l’atelier de l’artiste. Les jeunes visiteurs ont d’autre part la possibilité de se livrer à diverses activités pratiques, notamment en rapport avec le monde du théâtre.
PASS TGV + Exposition Camille Corot à Karlsruhe
A l’occasion de cette manifestation exceptionnelle, la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe, l’Office de Tourisme de Karlsruhe et Alleo GmbH (une entreprise commune DB-SNCF), se sont associés pour proposer une offre exclusive réservée aux visiteurs de l’exposition : un
PASS TGV + Expo Corot.
Ce Pass permet aux visiteurs de bénéficier d’une réduction de 50% sur leur voyage pour Karlsruhe avec relation directe TGV à partir de nombreuses gares françaises (Paris, Strasbourg, Mulhouse, Lyon Part-Dieu, Avignon, Belfort – Montbéliard, Aix-en Provence et Marseille), une entrée au musée
à tarif réduit et de nombreux avantages partenaires. L’offre est disponible dans les gares et boutiques SNCF ou par téléphone au 36.35.
tram devant la gare
S1 et S11 direction Neureut
arrêt Herrenstrasse
visites guidées en français publiques les samedis et dimanches à 14h30
Tarif : 2 €
Heures d’ouverture
Mardi, mercredi et vendredi 10h à 18h
Jeudi 10h à 21h
Samedi, dimanche et jours fériés 11h à 18h
photos courtesy Kunsthalle Karlsruhe
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Philippe Pasqua à la Fondation Fernet Branca
C’est 15 ans de production artistique, de Philippe Pasqua (le neveu) dont on peut mesurer la cohérence que nous présente la Fondation Fernet Branca, pour inaugurer la création de la Fondation et ceci jusqu’au 9 décembre 2012.
Pour ressentir une véritable émotion, il faut être confronté à son travail, une cinquantaine de pièces organisées dans un parcours chronologique et thématique à la fois, PP travaille sur des séries, il peint des modèles récurrents, qu’il accompagne sur pratiquement 10 ans et sur lesquels il va revenir, il ne reprend pas forcément des motifs, mais reprend des thématiques.
Dans l’univers « Pasqualien » la vie, la mort, la vanité sont partie prenante dans sa peinture.
La commissaire invitée, Florence Guinneau-Joie, nous montre la force d’une œuvre singulière d’une rare intensité, dans la lecture de cette œuvre chronologique et thématique, où l’artiste use de parti pris esthétique efficace. Dès le départ il peint sur des grands formats, le traitement de la chair qui est très particulier, qu’il fait vibrer, il créé d’énormes tensions entre l’ombre, la lumière et la couleur, C’est un grand coloriste, qui donne vie à ses personnages à travers la couleur..
Une musique spéciale a été créée par Jean Claude André et jouée en guise de l’ouverture du vernissage dont le titre est tout simplement : improvisation « Ombres sombres, ombres claires et Métamorphe »,
Sa peinture est à son image, puissante, colorée, appuyée, nerveuve et expressive naviguant entre Bacon et Freud.
Il peint la chair sans complaisance, avec ses griffures et ses blessures. Des visages en gros plan à l’aspect torturé, des femmes nues ou en petite tenue, mais aussi son autoportrait.
Le peintre est obsédé par la représentation du corps humain, en particulier d’êtres « hors normes » ou « marginaux » soit des aveugles, des travestis, des trisomiques, mais aussi des enfants, des nouveaux nés, des femmes enceintes, des rituels vaudous, des oeuvres qui montrent des opérations dans des blocs opératoires. Ces cris du corps, transcendé, traumatisé, vivant, contrefait, métamorphosé.
Une quête profonde vers la présence vitale, avec tous les accidents que l’on peut rencontrer dans la vie d’un individu, le but étant de rendre compte de la force et de la vitalité de l’être, la vulnérabilité de l’être dans toute sa fugacité. C’est une oeuvre singulière, dans laquelle, il désigne le singulier, l’enfoui, montrant une quête obsessionnelle
de la vie.
Le fondateur du mouvement les nouveaux réalistes, Pierre Restany, (2002)disait de la peinture de Philippe Pasqua, qu’
« elle était belle, non comme des Madones, dignes des canons de la Renaissance, mais parce qu’elle retranscrivait la vie, avec ses imprévus, ses contrastes, ses contradictions, et aussi l’affirmation de soi dans son contraire, qu’est la mort, la décadence, le mal par rapport au meilleur. »
Dans les années quatre vingt dix, c’est un survivant de la peinture en France, en compagnie d’une dizaine d’artistes. Il n’a jamais arrêté et continue aujourd’hui, alors que la peinture reprend toute sa force dans la création actuelle. Il est dans les collections nationales et internationales, seul les institutionnels font encore défaut, et n’est que rarement montré au grand public. Enfin on peut voir et se pénétrer de son œuvre sur les cimaises de la Fondation Fernet Branca de St Louis.
Visites guidées sur demande.
Photos courtésie de l’artiste.
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Photographes en Alsace 2012
La Filature de Mulhouse, dans sa Galerie, présente « Paysages Intimes », une sélection de photographes, travail de photographes sélectionnés et choisis par
Paul Kanitzer, pour la 6e édition.
Ce concept ne présente pas forcément des photos prises en Alsace, mais leurs auteurs sont issus de la région, du moins proche. Ils explorent la notion d’intimité dans un sens très large, famille, portraits d’artistes, paysages, politique, religieux.
Christian Lutz venu en voisin, grand reporter de renommée internationale, se base sur une observation sociologique de groupes humains. Dans « Protopkoll » il épingle le pouvoir politique, avec un regard acerbe pour l’artifice du protocole, mais aussi du pouvoir religieux qui se développe en Suisse.
Marion Pedemon, dans « Georges et Clotilde », 64 années de mariage, respectivement 97 et 94 ans, observe et photographie ses grands parents avec tendresse et subtilité, dans leur marche lente vers la vieillesse, dans la dépendance, les rituels quotidiens, l’affection qui les unit, mais pour un œil extérieur, cela peut paraître cruel, cette projection vers l’irréparable outrage des ans.
Jean Luc Boetsch, « 66°N Islande » nous montre des photographies en noir et blanc de l’Islande, qu’il parcourt depuis des années. C’est un travail néoclassique, au format carré et panoramique qui donne lieu à de vrais chefs d’œuvre, des paysages, des étendues de montagnes, de lacs, de cascades, de glaciers, devant lesquels on se sent solitaire et l’on devient contemplatif.
Pascal Bichain, « Portraits » dans une série de portraits nous donne à découvrir les artistes travaillant en Alsace. Chaque personnage est dans un lieu qui lui est propre, mais par l’effet d’étirement il est mis au même niveau de lecture. Chaque portrait, pris dans son cadre intime, par le jeu des images multiples et par le décrochage du cadre, dévoile l’image que le photographié désire nous renvoyer, dévoilant ainsi sa personnalité et son activité artistique.
François Nussbaumer « Remblais », il réalise depuis 25 ans de nombreuses campagne de publicité, des photographies d’architecture, des portraits, de la photo de mode, d’illustration et de reportage. Remblai est un travail de recherche personnelle, des strates, des couches de sédiments donnant lieu à des images abstraites.
Louis Clavis, « Vu au téléphone » à écouter sur France culture ici.
Clarinettiste et compositeur de jazz. Sensible et intéressé depuis toujours par la photographie, son père l’ayant précédé dans cet exercice, réalise depuis quelques années des prises de vue avec son téléphone. Il avait crée un blog, où il les postait assorties d’un moot ou d’une petite phrase, à l’image d’un carnet visuel intime.
« Ces images ou cadrages toujours prises avec le téléphone, me servent de repères, de balises, j’y puise des idées pour mon travail musical. En affinant mon œil, j’essaie d’aiguiser
mon oreille, ou l’inverse. Depuis peu, j’ai acheté un appareil photo de la taille d’un téléphone. Saurai-je devenir photographe ? » Il suffit de regarder la diversité et la qualité de ses prises de vues, pour répondre par l’affirmative.
Aglaé Bory « Corrélations » dans une belle série d’autoportraits nous montre la vie d’une famille monoparentale, la mère et son enfant. Le déclencheur à distance est visible, révélant la mise en scène, l’instant décisif. Ce sont des prises de vue sur plusieurs années, plusieurs saisons. Le lien entre les 2 êtres, les petites choses du quotidien, intimes, anodines, qui font les tableaux d’une vie, les traces de la marche du temps, pour emmener un enfant vers le monde, ailleurs, sans en être exclus, les tableaux d’une exposition,
Entrée libre, jusqu’au 28 octobre 2012
Il est toujours délicat de photographier des photos, aussi je vous incite à aller les voir.
😉
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