Catégorie : France

Jusqu’au 14 janvier 2018 au
Musée du Luxembourg
Cette exposition rassemble environ soixante-cinq peintures
parmi lesquelles des prêts exceptionnels tels Marie de Médicis
(Musée du Prado) et Louis XIII (Melbourne), seul portrait de
souverain conservé peint devant le modèle.

Cette exposition a deux héros : une reine et un peintre.
La première, Marie de Médicis (1573-1642), veuve
d’Henri IV et mère de Louis XIII, est un personnage
majeur de l’histoire politique et diplomatique du premier
tiers du XVIIe siècle.
Le second, Pierre Paul Rubens (1577-1640),
est le peintre le plus célèbre de son temps.
Leur influence se déploie alors sur toute l’Europe.

Marie de Médicis, par ses origines familiales et les
alliances de ses enfants, est liée à toutes
les dynasties régnantes.
Rubens, au cours de ses voyages, plus que n’importe
quel peintre de l’époque baroque, opère dans tous
les foyers artistiques renommés, mêlant parfois création
et diplomatie. Une part méconnue, mais pourtant
essentielle, de l’oeuvre gigantesque et protéiforme
de l’artiste est ici révélée : ses portraits de rois
et reines, princes et princesses.

Lui sert d’écrin le Musée du Luxembourg, dans l’enceinte
du palais que Marie de Médicis a fait édifier à partir
de 1615 et pour lequel elle commanda à Rubens un
ensemble de toiles monumentales illustrant sa vie.
Cette exposition est aussi un album de famille de
Marie de Médicis. Des portraits peints par les rivaux
de Rubens, des mêmes modèles, à des dates
similaires, dévoilent l’originalité du maître dans ce
domaine aussi codifié que prestigieux.

Pierre Paul Rubens (1577-1640) fut un génie protéiforme.
Son oeuvre immense aborde quasiment
tous les sujets de la peinture. Ses portraits princiers
restent peu connus, ils sont pourtant essentiels
dans sa carrière. Peindre le portrait d’un souverain
est la commande la plus prestigieuse que peut
recevoir un peintre à l’époque, cet exercice doit
notamment permettre de flatter la sensibilité du
modèle.
S’il est connu que Rubens a reçu des commandes
de la part des rois, reines, princesses et
princes de son temps, jamais encore une exposition
ne leur a été consacrée.
L’exposition est présentée au Musée du Luxembourg,
dans le palais pour lequel Rubens réalisa un
de ses principaux chefs d’oeuvre : la galerie Médicis,
ensemble de tableaux monumentaux sur la vie
de Marie de Médicis, installés dans l’aile Richelieu
du musée du Louvre. La vie de la souveraine et
la carrière de Rubens s’entrecroisent.
Dans un parcours à travers les cours d’Europe,
tel un album de famille, l’exposition montre les
effigies de Marie de Médicis et des souverains
de son temps dont Rubens dressa le portrait et
qui, des Habsbourg à la cour de Mantoue,
ont tous un lien de parenté avec elle avant même
qu’elle ne devienne la mère et la belle-mère des rois
de France, d’Espagne et d’Angleterre.
Rubens naît dans une famille aisée originaire
d’Anvers et reçoit une éducation humaniste.
Il exerce un temps le rôle de page, ce qui lui permet
d’acquérir les comportements et l’aisance qui lui sont
utiles pour côtoyer par la suite les grands personnages
de son temps.

Il gagne l’Italie pour parfaire
sa formation de peintre, s’inspirant notamment
de Titien, auteur de portraits fameux de Charles
Quint et de Philippe II, et devient rapidement un
des peintres de la cour des Gonzague à Mantoue.
En 1609 il revient à Anvers pour devenir le peintre
de la cour des Flandres. A ce titre, il exécute
les portraits officiels des princes Habsbourg.
Il prolonge son séjour parisien destiné à honorer la
commande de Marie de Médicis pour le Palais du
Luxembourg en 1621, pour peindre Louis XIII, fils
de Marie de Médicis, et son épouse Anne d’Autriche,
soeur de Philippe IV, roi d’Espagne.
Celui-ci l’appelle ensuite à Madrid pour exécuter des portraits
de lui et de sa famille.
commissariat : Dominique Jacquot, conservateur en chef du musée
des Beaux-Arts de Strasbourg
sur France culture : l’Art et la Matière podcast sur Rubens
Avec Emmanuel Coquery, Directeur scientifique de la Rmn-Grand Palais, découvrez cette facette méconnue du travail de Rubens.

Conférence inaugurale

Manish Nai, la Matière comme medium
Jusqu’au 8 octobre à la Fondation Fernet Branca

Issu d’une famille de négociants textiles,
Manish Nai a commencé dès le début des années
deux-mille, à exploiter les possibilités offertes
par la jute, fibre végétale largement utilisée en Inde,
principalement dans l’habillement et dans le secteur
de la construction.

Détournée de sa destination originaire, la jute alors
compressée par l’artiste et agglomérée à du carton
de récupération, devient la matière première d’ensembles
sculpturaux monolithiques aux arrêtes saillantes
et parfaitement rectilignes. Accolées à une structure en bois,
les sculptures compressées de Manish Nai s’inscrivent
à la frontière des plans bidimensionnels et tridimensionnels.

La série des Billboards part d’une exploration sociologique
de l’espace public de Bombay. Suite à la période de récession
entamée par l’économie mondiale en 2008, une multitude
de panneaux d’affichages étaient laissés partiellement vacants,
sans publicités.
Photographiés sur les bords des routes puis combinés et arrangés
digitalement par l’artiste, ces compositions mettent en œuvre
le concept de sérendipité, ou  heureux hasard :
« Jusqu’à ce que le papier soit arraché, je n’ai aucune idée de
ce qui apparaitra sur le mur. »
De ce procédé de création émergent des formes et motifs
abstraits, géométriques et entrecoupés par des bribes
de mots et de phrases désorganisés dont la signification
initiale devient supplantée par les seules propriétés esthétiques
de l’ensemble. On peut penser aux affichistes tels Raymond Hains.

Plus singulières, les sculptures compressées faites de journaux
ainsi que l’assemblage de bâtonnets bariolés en tissus
de récupération procèdent de la réutilisation et de la
pérennisation d’objets à la durée de vie généralement éphémère.
Il y a du Boltanski, dans cette récupération.
Intimement liées au mode de vie indien, le pays comptant
près de cent quotidiens différents, dans dix-neuf langues,
les sculptures de journaux sont compressées puis moulées
autour d’une légère armature de bois.

La fraîcheur et la spontanéité de la démarche de Nai
dans le choix de ses matériaux provient de la grande
distance qui le sépare de ces repères historiques.
Il instaure néanmoins une sorte de dialogue avec quelques
figures emblématiques du modernisme occidental d’après-guerre
lorsque son intérêt pour la matérialité du jute le pousse
à réaliser des formes simples, unitaires, telles que le cube
et la colonne, très répandues dans l’art minimaliste.
Or, même si ses oeuvres semblent extraites de leur contexte,
le regard de Nai est loin d’être indifférent aux innombrables
sollicitations qu’offre le spectacle de la vie quotidienne
d’une mégalopole comme Bombay, son lieu de résidence.
De manière significative, ce sont les façades de l’espace
urbain, les murs boursouflés, dévorés par le temps et
rongés par l’érosion, qui constituent sa toile de fond et
attirent le plus son attention.
« Lorsque je parcours la ville, je recherche des moments
de vacuité et de planéité. Pour moi, les panneaux d’affichage
vides et les murs de béton sont comme des oeuvres d’art. …
J’ai souvent observé des ouvriers du bâtiment façonnant
des murs en jetant du ciment dans des dalles, on aurait dit
qu’ils réalisaient une peinture gestuelle ».

Souvent recouverts d’une couche de peinture blanche ou
sommairement dissimulés avec du papier ou du plastique,
dans l’attente des messages et images publicitaires qui sont
leur raison d’être, les panneaux d’affichage vides qui ont séduit
l’oeil aiguisé de Nai offrent une gamme surprenante de
figures et d’accidents picturaux inattendus – monochrome,
grille, collage, glacis, lettres ou chiffres en filigrane.
Les photographies de ces « abstractions trouvées »
fascinent autant que son travail autour de matériaux
plus vernaculaires, auquel elles fournissent un contrepoint
ingénieux.

Né en 1980 à Gujarat, en Inde, Manish Nai est diplômé
en arts plastiques de la L.S. Raheja School of Art de Bombay.
Manish Nai vit et travaille à Bombay.
Fondation Fernet Branca St Louis
2 rue du Ballon
Horaire
du mercredi au dimanche
13 h à 18 h

Jusqu’au 28/8/2017
« Art/ Afrique, le nouvel atelier »
réunit deux expositions, pensées comme des focus,
adossées à un choix d’œuvres de la Collection de
la Fondation :
I) « Les Initiés », un choix d’œuvres (1989-2009)
de la collection  d’art contemporain africain de
Jean Pigozzi

II) « Être là », Afrique du Sud, une scène contemporaine

 III) Afrique : une sélection d’œuvres dans
la collection de la Fondation Louis Vuitton

I) L’exposition Les Initiés réunit une sélection d’œuvres
de quinze artistes emblématiques de la collection
d’art contemporain africain de Jean Pigozzi, présentée
pour la première fois à Paris. En 1989, l’homme d’affaires
Jean Pigozzi fait appel à André Magnin comme conseiller
pour constituer sa collection. Défricheur, ce dernier arpente
le continent africain à la rencontre d’artistes travaillant
et vivant en Afrique subsaharienne, dans les pays
francophones, anglophones et lusophones. A une époque
qui ne connaît ni téléphone portable, ni internet, ni réseaux
sociaux, rencontrer des artistes et rendre compte de
l’évidente liberté et originalité de leurs démarches,
ont été des paramètres décisifs.
La détermination et l’engagement qui ont présidé à cette
collection ont ainsi permis la constitution d’un
fonds unique, aux partis pris affirmés renvoyant
dans sa diversité à l’un des visages de la création
contemporaine en Afrique de 1989 à 2009.
Les artistes de l’exposition, tous héritiers de savoirs
spirituels, scientifiques et techniques, développent
des mondes qui s’expriment à travers une variété
d’expressions et de supports.

Éclectique et libre, la collection ne privilégie aucun médium
et vise à représenter chaque artiste avec des ensembles
conséquents. Elle a ainsi révélé une scène jusqu’alors
inconnue, permettant un élargissement de son audience
et de son impact international, ce qui lui confère
aujourd’hui un rôle prescripteur évident.

L’exposition réunit des œuvres de :
Frédéric Bruly Bouabré, Seni Awa Camara,
Calixte Dakpogan, John Goba, Romuald Hazoumè,
Seydou Keïta, (vu au Grand Palais) Bodys Isek Kingelez, Abu Bakarr Mansaray,
Moké, Rigobert Nimi, J.D. ‘Okhai Ojeikere, Chéri Samba,
Malick Sidibé et Barthélémy Toguo.
À cette occasion, Pascale Marthine Tayou réalise
une intervention spécifique.

L’exposition, conçue par la direction artistique de la
Fondation Louis Vuitton, a été réalisée en étroite
collaboration avec Jean Pigozzi.

II) En complément de l’exposition Les Initiés,
La Fondation présente : Être là, une exposition collective
consacrée à l’Afrique du Sud, une des scènes les plus
dynamiques du continent africain aujourd’hui.
Révélée au monde dans les années 1990, la force de
cette scène tient aussi à l’émergence d’un nouvel écosystème,
incluant des institutions et des galeries particulièrement
impliquées, ainsi qu’au rôle très engagé des universités.
L’exposition se concentre sur un espace-temps précis,
celui d’aujourd’hui, tel qu’il se constitue à travers des
thématiques et un engagement inscrit dans une continuité
historique. Elle ne prétend en rien être un panorama
et réunit 16 artistes :

– D’un côté, des figures de référence de l’art sud-africain,
comme :
Jane Alexander, David Goldblatt, William Kentridge,
David Koloane et Sue Williamson
qui bénéficient désormais d’une vraie reconnaissance
internationale et ont un réel impact sur la scène actuelle.
Ainsi qu’une génération née dans les années 1970,
représentée par des personnalités incontournables
telles que Nicholas Hlobo, Zanele Muholi et
Moshekwa Langa.

– D’autre part, un choix d’artistes nés dans les années
1980 dont les œuvres sont symptomatiques
de nouveaux enjeux plus de vingt ans après la fin
de l’apartheid : Jody Brand, Kudzanai Chiurai,
Lawrence Lemaoana, Thenjiwe Niki Nkosi,
Athi-Patra Ruga, Bogosi Sekhukhuni,
Buhlebezwe Siwani et Kemang Wa Lehulere.
Cette sélection s’étaye sur le positionnement des artistes
dans la prise en charge d’une situation – économique
et sociale – sur laquelle ils ont la conscience et la conviction
de pouvoir intervenir et jouer un rôle – ETRE LA.
Par le biais de différents médiums (installations,
photographies, peintures, œuvres textiles, vidéos…),
ces artistes revisitent l’histoire et affirment une
subjectivité propre. Participant d’un activisme social,
la génération la plus récente tire bénéfice d’une ouverture
internationale pour affirmer et revendiquer une
identité sud-africaine qu’elle contribue à redéfinir.

Prolongeant l’exposition, l’espace
« À propos d’une génération » présente le travail des
photographes
Graeme Williams, Kristin-Lee Moolman et
Musa Nxumalo et dévoile les portraits contrastés
d’une certaine jeunesse sud-africaine, notamment
celle des « born-free ».
Un catalogue est publié (en deux versions, française et
anglaise) avec les contributions
d’Achille Mbembe, Okwui Enwezor,
Bonaventure Soh Bejeng Ndikung ainsi que de
Rory Bester, Hlonipha Mokoena et Sean O’Toole.

Commissaires : Suzanne Pagé et Angéline Scherf
avec Ludovic Delalande et Claire Staebler.
III) C’est sur ce nouvel accrochage, déployé sur la totalité
du dernier niveau de la Fondation, que s’adossent
les deux expositions présentées simultanément.
Témoignant de la dimension internationale de la Collection,
ce parcours est consacré à des œuvres d’artistes africains
et à des regards tournés vers ce Continent.

En parallèle, a lieu un programme d’événements
pluridisciplinaires autour de la musique, de la poésie,
de la littérature et du cinéma.
À l’occasion de cet événement,
la Fondation Louis Vuitton
s’associe à La Grande Halle de La Villette
avec la création d’un billet commun proposé
aux visiteurs de leurs expositions
Art/Afrique, le nouvel atelier et Afriques Capitales.
Commissaire général : Suzanne Pagé
Conseiller : André Magnin
Commissaires : Angéline Scherf et Ludovic Delalande
Scénographie:  Marco Palmieri