Bienvenue, au gré de mon humeur, de mes découvertes
Fontaine Tinguely, Parc de la Solitude Basel
29 mai 2024 : Une nouvelle étape pour le programme Art et Santé du Musée Unterlinden
23 mai 2024 : When We See Us Un siècle de peinture figurative panafricaine
18 mai 2024 : Dance with Daemons
11 mai 2024 : Jean Rondeau et le clavecin Ruckers
8 mai 2024 : Couleur, Gloire et Beauté
5 mai 2024 : Patricia Vest, Patty la souris
4 mai 2024 : Gérard Willig
Partager la publication "Sommaire du mois de mai 2024"
A la Fondation Cartier jusqu'au 21 avril 2024
avec les artistes :
Alev Ebüzziya Siesbye et Hu Liu
Commissaire de l’exposition : Hervé Chandès,
Directeur Général Artistique de la Fondation Cartier
Commissaire associée : Juliette Lecorne,
conservatrice à la Fondation Cartier
En tant qu’architecte, j’apporte la plus grande
considération à la façon dont sont créées les choses.
L’essentiel est d’être attentif à l’environnement naturel,
aux matériaux et aux habitants.
L’espace et l’architecture doivent être inclusifs.
Bijoy Jain
Du 9 décembre 2023 au 21 avril 2024, la Fondation Cartier
pour l’art contemporain présente Le souffle de l’architecte,
une exposition spécialement créée pour l’institution par
l’architecte Bijoy Jain, fondateur du Studio Mumbai en Inde.
Il est l’auteur d’une oeuvre témoignant d’une profonde préoccupation pour la relation entre l’homme et la nature, et dont le temps et le geste sont des facteurs essentiels.
Il est l’auteur d’une oeuvre témoignant d’une profonde préoccupation pour la relation entre l’homme et la nature,
et dont le temps et le geste sont des facteurs essentiels.
Explorant les liens entre l’art, l’architecture et la matière, Bijoy Jain propose à la Fondation Cartier une création totale :
un espace de rêverie et de contemplation en dialogue avec
le bâtiment iconique de Jean Nouvel.
Bijoy Jain imagine une exposition qui se vit comme une expérience
physique et émotionnelle.
Le souffle de l’architecte offre aux visiteurs une véritable
invitation à respirer, à errer en toute quiétude, à redécouvrir
le silence :
« Le silence a un son, nous l’entendons résonner
en nous. Ce son connecte tous les êtres vivants. C’est le souffle
de la vie. Il est synchrone en chacun de nous. Le silence, le
temps et l’espace sont éternels, tout comme l’eau, l’air et la
lumière, qui sont notre construction élémentaire. Cette abondance
de phénomènes sensoriels, de rêves, de mémoire, d’imagination,
d’émotions et d’intuitions provient de ce réservoir d’expériences,
ancré dans les coins de nos yeux, dans la plante de nos pieds,
dans le lobe de nos oreilles, dans le timbre de notre voix, dans
le murmure de notre souffle et dans la paume de nos mains.»
Convoquant l’ombre et la lumière, la légèreté et la gravité,
le bois, la brique, la terre, la pierre ou encore l’eau,
l’architecte dessine une traversée sensorielle, en résonance
avec la matière. Élaborée au rythme du souffle et façonnée
à la main, l’exposition déploie une installation composée
de fragments architecturaux.
Sculptures en pierre ou en terracotta, façades d’habitats
vernaculaires indiens, panneaux enduits, lignes de pigments
tracées au fil, structures en bambou inspirées des tazias
– monuments funéraires portés sur les épaules à la mémoire d’un
saint lors des processions musulmanes chiites – ces constructions
transitoires et éphémères présentent un monde à la fois infini
et intime et nous transportent dans des lieux aussi proches
que lointains.
Bijoy Jain convie également l’artiste chinoise vivant à Pékin
Hu Liu et la céramiste danoise d’origine turque demeurant
à Paris Alev Ebüzziya Siesbye. Accordant la même importance
à la maîtrise rituelle du geste, à la résonance et au dialogue
avec la matière, tous trois partagent le même ethos et la même
sensibilité. Les dessins monochromes noirs de Hu Liu sont
entièrement réalisés au graphite, par l’itération d’un même
mouvement, afin de révéler l’essence d’éléments naturels :
l’herbe caressée par le vent, le ressac des vagues ou la
silhouette des branches d’un arbre.
Les céramiques d’Alev Ebüzziya Siesbye, comme en apesanteur,
sont également le fruit d’une grande dextérité et d’un dialogue
intense avec la terre.
Pour Bijoy Jain, le monde physique que nous habitons est
un palimpseste de notre évolution culturelle. L’humanité
traverse un paysage en constante évolution, dont les écritures
successives s’entremêlent.
Le souffle de l’architecte tente de donner un aperçu, aussi
fugace soit-il, de la sensorialité qui émane de l’architecture,
de la force intuitive qui nous lie aux éléments et de notre
rapport émotionnel à l’espace.
Né en 1965 à Mumbai, en Inde, Bijoy Jain a étudié l’architecture à l’Université
de Washington à Saint-Louis, aux États-Unis.
Entre 1989 et 1995, il développe sa pratique architecturale à Los Angeles
dans l’atelier de maquettes de Richard Maier pour le Getty Museum, tout en
étudiant sous la direction de Robert Mangurian, fondateur de Studio Works.
Il a également travaillé à Londres avant de retourner en Inde en 1995.
Les créations de Studio Mumbai ont fait l’objet d’expositions dans
de nombreuses galeries à travers le monde, ainsi que d’acquisitions dans
les collections permanentes du Canadian Centre for Architecture, du MOMA à San Francisco et du Centre Pompidou à Paris.
Le travail de Studio Mumbai a fait l’objet d’expositions internationales notamment au Victoria and Albert Museum de Londres
en 2010, mais aussi à la Biennale de Sharjah en 2013, à Arc en rêve centre
d’architecture à Bordeaux en 2015, ainsi qu’à la Biennale d’architecture
de Venise en 2010 et 2016.
la Grande Médaille d’or de l’Académie d’Architecture de Paris (2014), le BSI
Swiss Architecture Award (2012), le Spirit of Nature Wood Architecture Award, décerné en Finlande (2012), le Aga Khan Award for Architecture (2010) dont il était finalistepour la 11e édition, et le Global Award in Sustainable Architecture (2009).
Visites guidées
LES MATINÉES GUIDÉES
Un moment privilégié hors des horaires
d’ouverture pour explorer en groupe l’exposition
en compagnie d’un médiateur culturel.
– Les mercredis, jeudis et vendredis matin à 10 h
Horaires d’ouverture
Tous les jours de 11 h à 20 h, sauf le lundi.
Nocturne le mardi, jusqu’à 22 h.
La fermeture des salles débute à 19 h 45
(21 h 45 les mardis).
Fondation Cartier
261 bld Raspail Paris
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du 20 mars –au 17 juin 2024 au musée du Louvre AILE SULLY, 1ER ÉTAGE, SALLE DE LA CHAPELLE Commissariat : Sophie Caron, conservatrice au département des Peintures du musée du Louvre
Œuvre majeure de l’art occidental, à la dimension fortement méditative,
la Vierge Rolin peut aujourd’hui sembler difficile à comprendre.
C’est pourquoi l’exposition est
guidée par des questions, qui sont autant d’étapes du regard sur le tableau : pour quel(s) usage(s)
Van Eyck a-t-il conçu cette œuvre
si spéciale, à l’intention de Nicolas Rolin, chancelier du duché de Bourgogne ?
Pourquoi a-t-il peint à
l’arrière-plan un paysage tellement miniaturisé qu’il en est presque invisible ? Comment comprendre les deux petits personnages du jardin ? Quels dialogues l’œuvre entretient-elle à la fois avec l’art de l’enluminure et les bas-reliefs funéraires sculptés ? Peut-on savoir comment les artistes du XVe siècle ont compris cette œuvre ?
Le parcours déploie une narration en six sections permettant au visiteur d’entrer plan par plan dans le tableau, à la manière d’une lecture, La Vierge du chancelier Rolin étant placée au centre de la salle. Quatre de ces parties s’articulent autour d’au moins une œuvre de Jan van Eyck.
La première section est consacrée à la rencontre entre Nicolas Rolin et la Vierge à l’Enfant, ce dernier étant figuré de manière très inhabituelle en Salvator Mundi nu. L’œuvre est une scène de présentation à la Vierge particulièrement audacieuse, dans laquelle Rolin se fait représenter à la même échelle, à la même hauteur et dans le même espace que la Vierge et le Christ, qui le bénit, et ce sans être introduit par son saint patron. Le spectateur est exclu de la scène. Le prêt exceptionnel de la Vierge de Lucques du Städel Museum de Francfort offre un saisissant contrepoint, en plaçant le même spectateur dans la position de Rolin, à genoux et en prière devant la Madone.
Dans ce face-à-face, le visage fortement individualisé de Rolin est l’élément le plus frappant du tableau et la deuxième section permet de s’arrêter sur la question du portrait, si centrale dans l’art de Van Eyck et de ses grands contemporains comme Robert Campin ou Rogier van der Weyden
. Deux des autres effigies de Rolin exposées sont d’ailleurs de la main de ce dernier (panneau du polyptyque du Jugement dernier des Hospices de Beaune et le manuscrit enluminé des Chroniques de Hainaut de la Bibliothèque royale de Belgique). La singularité de la représentation de Rolin par Van Eyck s’exprime aussi dans le somptueux costume, tout à fait inhabituel, dont Van Eyck a vêtu son commanditaire. 
Ce rapprochement d’œuvres d’artistes en constante émulation les uns avec les autres est encore enrichie par la présentation du Portrait de Baudoin de Lannoy (Berlin, Gemäldegalerie), autre dignitaire de la cour bourguignonne, qui est probablement le portrait eyckien le plus proche, par sa technique, de celui de Nicolas Rolin. Dans les deux cas, l’impression de vie est stupéfiante et
se manifeste par la représentation du passage du temps sur les visages.
Mais ces personnages se rencontrent dans un lieu par rapport auquel elles sont clairement disproportionnées. La troisième section s’attache à l’architecture peinte par Van Eyck, qui crée un lieu purement imaginaire, précieux et onirique mélange d’église romane et de palais aux touches méditerranéennes. Il s’agit avant tout d’un décor, conçu pour souligner le caractère hors normes de la rencontre. 
Les chapiteaux, qui n’imitent pas vraiment des chapiteaux romans réels, représentent des épisodes de la Genèse et évoque les fautes commises par les hommes, peut-être pour guider la prière de Rolin. La sublime Annonciation (Washington, National Gallery of Art), bien que d’une composition très différente de la Vierge Rolin, témoigne d’un répertoire commun dans le traitement de l’architecture par Van Eyck.
Par les trois arches aux chapiteaux richement ouvragés, le regard plonge dans le paysage, élément essentiel de la composition et sur lequel est centrée la quatrième section. Dans aucune autre de ses œuvres peintes, y compris le Saint François recevant les stigmates (Philadelphie, Museum of Art), Van Eyck n’a déployé un paysage d’une telle ampleur, d’un telle profondeur et d’une telle richesse de détails.
clic
Avec toute la virtuosité de son talent de miniaturiste, il crée un territoire dans lequel Rolin peut se projeter de façon à la fois familière et idéalisée. Il ne s’agit pas, en effet, d’un lieu réel mais seulement vraisemblable, qui permet une immersion presque hypnotique, favorable à la prière. L’œil peut se promener très précisément dans cette ville idéale des Pays-Bas bourguignons, guidé en un crescendo émotionnel et spirituel, à mesure qu’il se déplace de la gauche (derrière Rolin) vers la droite (derrière la Vierge et l’Enfant). Dans la Vierge Rolin, le paysage n’est pas plus miniaturisé que dans le bas de page du manuscrit dit des Heures de Turin-Milan de la main du maître.
L’avant-dernière section revient sur le plan médian du tableau, à savoir le jardin et les petits personnages qui ont fait couler tant d’encre.
Le jardin intérieur est marqué par une échelle incongrue par rapport aux autres plans du tableau, ce qui souligne le côté autonome et transitionnel de cet espace. Allusion au thème traditionnel de la Vierge dans un jardin clos, peuplé d’animaux et de plantes réels peints avec un souci illusionniste, cet espace est l’occasion de rapprochement avec l’art des peintres de Cologne, première source de la culture visuelle de Van Eyck mais aussi avec celui des orfèvres, notamment pour les petits objets émaillés qui connaissent, vers 1400, leur apogée technique, et avec celui de son contemporain, Pisanello.
Quant aux deux petits personnages, dont la taille dans le tableau ne dépasse pas deux centimètres de haut, ils sont issus de la tradition médiévale, tant littéraire que figurée dans les manuscrits, dans laquelle déjà ils orientent le regard du lecteur. Ici, ils nous invitent littéralement à plonger dans le paysage. L’homme au turban rouge, allusion possible et probable à l’artiste, semble être le guide de cette exploration. Un demi-siècle plus tard, des artistes comme Hieronymus Bosch (Ecce Homo, Francfort, Städel Museum) détourneront leur signification en la moralisant : ils deviennent ceux qui se détournent de l’essentiel en ignorant la scène principale.
La redécouverte la plus notable de la restauration est celle du revers peint représentant en un trompe-l’œil éblouissant un faux marbre vert que l’on peut aujourd’hui attribuer avec certitude au pinceau de Van Eyck. Il appuie l’hypothèse selon laquelle le tableau avait vocation à être manipulé et à être vu sur ses deux faces. La dernière section de l’exposition aborde donc cette question des deux fonctions de l’objet, probablement conçu pour deux rôles successifs : un tableau de dévotion mobile, proche de l’esprit des petits livres orfévrés, pouvant accompagner le chancelier Rolin dans ses incessants déplacements dans le vaste duché de Bourgogne, ayant à terme vocation à lui servir d’épitaphe dans l’église de Notre-Dame du Châtel à Autun. La composition du panneau révèle des affinités profondes avec les épitaphes sculptées et présente des enjeux similaires de représentation, tels que le montrent deux bas-reliefs de Tournai présentés dans l’exposition.
A la fin du parcours, grâce au projet closertovaneyck, conduit à l’initiative de l’Institut royal du Patrimoine artistique belge (KIK-IRPA), les visiteurs pourront s’immerger grâce à des images de très haute définition dans le paysage créé par Van Eyck, comme pouvait le faire Nicolas Rolin, penché sur son tableau.
La Vierge du chancelier Rolin cristallise à bien des égards les tensions qui traversent l’art flamand dans le premier tiers du XVe siècle, entre tradition médiévale et expérimentations révolutionnaires. En favorisant les rapprochements et comparaisons éloquentes, l’exposition lui permet d’exprimer au mieux à la fois sa singularité et son inscription dans son époque, et contribue à enrichir notre compréhension des dialogues menés par Van Eyck avec les artistes de son temps.
Seul tableau de Jan van Eyck (vers 1390/95-1441) conservé en France, la Vierge du chancelier Rolin est l’un des chefs-d’œuvre des peintures du Louvre. Il est pourtant aujourd’hui étonnamment méconnu.
La restauration dont il vient de faire l’objet au Centre de recherche et de restauration des musées de France est historique : l’œuvre n’avait jamais été restaurée depuis son entrée au musée en 1800. L’allègement des couches de vernis oxydés qui assombrissaient la peinture offre une redécouverte spectaculaire du tableau.
Le Louvre consacre une exposition exceptionnelle à cet événement, mêlant la présentation d’œuvres prestigieuses prêtées par de grands musées internationaux et un dispositif d’immersion numérique permettant de plonger le regard au cœur du tableau de Van Eyck. Une occasion de revoir la Vierge d’Autun et d’interroger autrement ce que l’on pensait savoir de cette œuvre iconique.
Horaires et jours d’ouverture
Le musée du Louvre est ouvert tous les jours, sauf le mardi.
La dernière admission se fait 1 h avant la fermeture. L’ évacuation des salles commence 30 min avant la fermeture.
9HT à 18H
lundi, mercredi, jeudi, samedi et dimanche
9HT à 21H45
vendredi
L’entrée principale du musée est la Pyramide du Louvre.
Elle se répartit en 4 files : les visiteurs sans billet, les visiteurs avec billet, les porteurs de carte (adhérents, ministère de la Culture, Pass Éducation, ICOM, etc.) et les accès prioritaires (PMR, personnels, etc.).
En cas d’affluence, un accès est aussi possible par le Carrousel du Louvre, le passage Richelieu ou la porte des Lions, en fonction de votre profil. Pensez à vérifier sur le plan ci-dessous la praticabilité de l’accès choisi :
Lignes 1 et 7, station « Palais-Royal / Musée du Louvre »
Ligne 14, station « Pyramides »
N° 21, 27, 39, 67, 68, 69, 72, 74, 85, 95
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Nom : Herbreteau ,
Prénom : Véronique
Profession : guide
Spécialité : Première guide médaillée du tourisme en Alsace 2019
Signe particulier : professionnelle et Conférencière des Villes et Pays d’Art et d’Histoire et du Parlement Européen
Signe particulier 2 : auteur
Je lui laisse la parole :
Première guide médaillée du tourisme en Alsace 2019
Née à Strasbourg et y résidant, je suis une vraie locale avec une histoire et des coutumes familiales alsaciennes à partager.
En charge de nombreuses années de la gestion des guides en Alsace pour le croisiériste haut de gamme Uniworld, je suis la guide de référence de nombreux hôtels ***** en Alsace.
Je suis guide professionnelle et Conférencière des Villes et Pays d’Art et d’Histoire en Alsace depuis plus de vingt ans.
Titulaire d’une Maîtrise en Histoire de l’Art et en Muséologie, je connais très bien ma région.
J’ai vécu et enseigné le français aux États-Unis dans une université américaine Hood Collège, Frédérick, Maryland.
Concernant Strasbourg, je vous propose des circuits privés et sur mesure classiques ou insolites : Cathédrale, vieille ville ; tous les musées : Alsacien, Historique, Oeuvre Notre-Dame… ; mais également des circuits secrets et insolites (plusieurs circuits possibles), le patrimoine religieux (avec visite de la Cathédrale, des Temples ou du mikvé), la Neustadt, de même que des thématiques plus spécifiques comme le Strasbourg maçonnique, le Strasbourg médiéval, Renaissance, moderne ou contemporain ; des dégustations de produits locaux artisanaux : vins, foie gras, spécialités locales,… Strasbourg et la bière : divers circuits brassicoles, Strasbourg et les traditions de Noël…
J’ai l’agrément pour faire visiter le Parlement Européen.
Je guide sur toute l’Alsace, à Colmar, au musée Unterlinden
et au musée Bartholdi, sur la route des vins avec arrêt dans des caves et chez des viticulteurs sélectionnés, Riquewihr, le camp du Struthof, le château du Haut-Koenigsbourg,
la ligne Maginot, les contes légendes et traditions, …
Visites classiques ou insolites, thématiques, à la carte ou sur mesure.
Mes chroniques radio sur le patrimoine alsacien France Bleu
« les balades avec Véro » tous les jours en matinale et rediffusions
https://www.francebleu.fr/emissions/l-alsace-avec-vero/alsace
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Les balades de Véro en réécoute sur France Bleu – Émission sur France Bleu
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du 28 janvier – 21 avril 2024 à la Fondation Beyeler
Commissaire :l’exposition est placée sous le commissariat de Martin Schwander, Curator at Large, Fondation Beyeler, en
collaboration avec Charlotte Sarrazin, Associate Curator.
Martin Schwander, Jeff Wall et Sam Keller directeur de la Fondation Beyeler
En ce début d’année, la Fondation Beyeler consacre une importante exposition personnelle à l’artiste canadien Jeff Wall (*1946). Il s’agit de la première exposition de cette envergure en Suisse depuis près de deux décennies. Wall, qui a largement contribué à établir la photographie en tant que forme autonome
d’expression artistique, compte aujourd’hui parmi ses représentant·e·s majeur·e·s. Réunissant plus d’une cinquantaine d’oeuvres réalisées au fil de cinq décennies, l’exposition présente une vue d’ensemble très complète du travail précurseur de l’artiste, allant de ses emblématiques grandes diapositives montées dans des caissons lumineux à ses photographies grand format noir et blanc et ses tirages en couleur au jet d’encre. L’exposition met un accent particulier sur les oeuvres des deux dernières décennies, parmi elles des photographies données à voir en public pour la première fois. L’exposition a été conçue en étroite collaboration avec l’artiste.
Dans son travail, Jeff Wall sonde les limites entre fait et invention, hasard et construction. Depuis le milieu des années 1970, il a exploré différentes façons d’étendre les possibilités artistiques de la photographie.
Wall qualifie son travail de « cinématographie », voyant dans le cinéma un modèle de liberté de création et d’invention, liberté qui avait été freinée dans le domaine de la photographie par sa définition dominante comme
« documentaire ». Beaucoup de ses photographies sont des images construites impliquant une planification et une préparation longues et minutieuses, une collaboration avec des acteurs·rices et un important travail de
« postproduction ». Jeff Wall crée ainsi des images qui divergent de la notion de la photographie comme principalement une documentation fidèle de la réalité.
Wall est né en 1946 à Vancouver au Canada, où il vit et travaille. Il commence à s’intéresser à la photographie dans les années 1960, âge d’or de l’art conceptuel. À partir du milieu des années 1970, il produit de grandes diapositives montées dans des caissons lumineux. Avec ce format, jusqu’alors associé plutôt à la photographie publicitaire qu’à la photographie d’art, il innove et lance une forme nouvelle de présentation d’oeuvres d’art. Depuis le milieu des années 1990, Wall a encore élargi son répertoire –
d’abord avec des photographies noir et blanc grand format puis avec des tirages en couleur. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles dans le monde entier, entre autres à la Tate Modern, Londres (2005), au Museum of Modern Art, New York (2007), au Stedelijk Museum, Amsterdam (2014) et au Glenstone Museum, Potomac (2021).
Les images de Jeff Wall évoluent entre instantané documentaire, composition cinématographique et invention poétique libre, confrontant les spectateurs·rices à une vaste palette de sujets et de thèmes, à la beauté et à la laideur, à l’ambiguïté et à l’inconfort. Pour Wall, l’art de la photographie se doit d’être aussi libre que toutes les autres formes artistiques dans son éventail de sujets et de traitements – aussi poétique que la poésie, aussi littéraire que le roman, aussi pictural que la peinture, aussi théâtral que le théâtre, et
tout cela avec pour objectif d’atteindre à l’essence même de la photographie.
L’exposition à la Fondation Beyeler s’ouvre dans le foyer du musée avec la juxtaposition de deux oeuvres emblématiques de 1999. Morning Cleaning, Mies van der Rohe Foundation, Barcelona montre les préparatifs matinaux effectués dans le célèbre pavillon avant l’arrivée des premiers visiteurs. L’agent
d’entretien est en train de nettoyer les grandes baies vitrées donnant sur un miroir d’eau, nous faisant ainsi assister à un moment habituellement invisible dans la vie de ce célèbre édifice.
A Donkey in Blackpool représente une étable modeste et pourtant très riche sur le plan visuel, occupée par la figure familière d’un âne, qui nous apparaît ici dans un moment de repos. L’association des deux images réunit des univers socialement et culturellement très différents tout en dirigeant notre attention sur leurs points communs – les êtres humains et les animaux entretiennent tous deux une relation profonde aux intérieurs qui les abritent. L’exposition a été conçue de manière à créer une séquence de comparaisons et de juxtapositions de ce type, tissant des échos et des résonances entre les sujets, les techniques et les genres. Pour le catalogue, l’artiste a rédigé un guide qui présente les différentes dimensions de la production des images et de leur agencement dans l’exposition.
Jeff Wall
The Thinker, 1986
Le penseur
Diapositive dans caisson lumineux, 211 x 229 cm
Courtesy l’artiste
© Jeff Wall
Ainsi, la première salle de l’exposition présente une série de diapositives montées dans des caissons lumineux qui mettent en avant des paysages. Produits entre 1987 et 2005, ces paysages urbains offrent une vaste vision des zones urbaines et périurbaines de Vancouver. Jeff Wall considère les paysages urbains comme un aspect important de son travail, qui lui permet d’explorer l’essence même de la ville, les rapports qu’elle entretient avec les zones non urbaines ou périurbaines qui l’entourent, et sa spécificité en tant que théâtre du maillage infini d’événements qui constituent la vie en société.
Jeff Wall
Boxing, 2011
Les boxeurs
Impression lightjet, 215 x 295 cm
Courtesy l’artiste
© Jeff Wal
Les salles suivantes réunissent des scènes réalisées dans des intérieurs et des extérieurs variés, publics et privés, représentant des hommes et des femmes, des personnes pauvres et aisées, jeunes et âgées – certaines images témoignant d’un travail et d’un artifice recherchés, d’autres ne semblant avoir nécessité
aucun effort, en couleur et en noir et blanc, transparentes et opaques, de grand et de petit format, représentant le réel et l’irréel, et un large éventail d’atmosphères, d’états d’esprit et de relations.
L’exposition inclut beaucoup des oeuvres les plus célèbres de l’artiste, parmi elles After ‘Invisible Man’ by Ralph Ellison, the Prologue (1999–2000),
construction d’une scène du roman de 1952 d’Ellison qui montre le jeune protagoniste noir en train de rédiger l’histoire du livre dans son repaire secret en sous-sol, éclairé d’exactement 1369 ampoules électriques.
A Sudden Gust of Wind (after Hokusai) (1993), l’une des oeuvres aux dimensions les plus impressionnantes de Wall, est une adaptation contemporaine d’une des planches de la série de gravures sur bois de Katsushika Hokusai Trente-six vues du mont Fuji (1830- 1832). Ces deux images puisent leurs origines dans les oeuvres d’autres artistes ;
Wall s’accorde la liberté de trouver ses sujets là où le mène son imagination.
A Sudden Gust of Wind est l’une des premières oeuvres pour lesquelles l’artiste a recouru à la technologie numérique, qui lui permet de combiner plusieurs
négatifs individuels en une seule image finale.
La plupart des oeuvres récentes de Wall sont inclues dans l’exposition, généralement présentées en contrepoint à des images plus anciennes.
Fallen rider (2022), image d’une femme qui vient de chuter de sa monture,
est accroché face à War game (2007), où trois jeunes garçons, apparemment photographiés pendant un jeu de guerre, sont allongés sous surveillance dans une prison improvisée.
Dans Parent child (2019), c’est une petite fille qui est allongée, cette fois sur un trottoir dans l’ombre paisible d’un arbre, sous le regard d’un homme qui est probablement son père.
Comme des images de film, les photographies de
Wall semblent saisir un instant en train de se dérouler – l’avant et l’après demeurent hors champ. Sur un mur voisin est accroché Maquette for a monument to the contemplation of the possibility of mending a hole
in a sock (2023), dans lequel une autre figure contemplative, une femme d’un certain âge tenant à la main une aiguille, considère un trou dans le talon usé d’une chaussette mauve. La repriseuse semble irréelle, telle une apparition nous rappelant à l’incertitude qui pèse sur la volonté et la capacité de l’humanité à réparer ce qui a été usé, sursollicité et abîmé.
Le catalogue de l’exposition, mis en page par Uwe Koch en consultation étroite avec l’artiste, est publié en version anglaise et allemande par Hatje Cantz Verlag, Berlin. Sur 240 pages, il contient des illustrations des oeuvres de l’exposition, une conversation entre Jeff Wall et Martin Schwander, une explication détaillée de l’artiste lui-même de la sélection des oeuvres et de leur accrochage dans les onze salles de l’exposition, ainsi que des essais rédigés par Martin Schwander et Ralph Ubl.
Horaires d’ouverture de la Fondation Beyeler :
tous les jours 10h00–18h00,
le mercredi jusqu’à 20h00
Dimanche, 28 janvier
14h –15h
Conférence de Jeff Wall
L’artiste canadien Jeff Wall s’exprimera personellement sur place au
sujet de son travail actuel et de sa toute nouvelle exposition, qui sera
présentée à la Fondation Beyeler du 28 janvier au 21 avril 2024.
L’exposition peut être visitée avant et après la manifestation. La
conférence sera donnée en anglais.
Prix : billett d’entrée
Un lundi sur deux à partir
du 29 janvier
14h–15h
Perspectives – en allemand
Un lundi sur deux, nous vous invitons au parcours thématique autour de
thèmes choisis, en rapport avec l’exposition « Jeff Wall », en compagnie
d’un.e membre de notre équipe de médiation. Ce format vous permet de
découvrir les oeuvres sous des angles inattendus, d’élargir vos
connaissances et d’approfondir votre compréhension de certaines
oeuvres choisies.
29.01. Échos – l’histoire de l’art pour toile de fond
12.02. Une absence – langage et image
26.02. Freeze – l’instant décisif
11.03. Par procuration – poupées, zombies, actrices et acteurs
25.03. Visions du monde – paysage et société
08.04. Poses, postures et gestes – le corps signifiant
Prix : billet d’entrée + CHF 7.-
Samedi, 3 février
Dimanche, 4 février
Samedi, 2 mars
Dimanche, 3 mars
Samedi, 20 avril
Dimanche, 21 avril
10h–18h
Open Studio – en allemand
Au travers de différents ateliers, l’Open Studio offre à ses participants
l’opportunité d’aborder et d’approfondir divers thèmes et techniques de
travail, ainsi que de s’essayer eux-mêmes à quelques explorations
créatives.
Sans inscription. Participation gratuite et ouverte à tous les âges (en
compagnie d’un adulte pour les enfants jusqu’à 12 ans).
Dimanche, 4 février
Dimanche, 3 mars
Dimanche, 21 avril
11h–12h
Visite accompagnée en famille – en allemand
Une expérience artistique et ludique pour les enfants de 6 à 10 ans
accompagnés de leurs parents. La visite accompagnée et interactive en
famille fait de l’art une expérience ludique pour petits et grands. Le
nombre de participants est limité.
Prix : jusqu’à 10 ans : CHF 7.- /Adultes : billet d’entrée
Un mercredi sur deux à
partir du 7 février
12h30–13h
Conversation autour d’une oeuvre – en allemand
Lors de cette confrontation courte mais intense avec une oeuvre d’art
choisie, vous aurez accès à des informations sur les singularités de
l’oeuvre en question, sur son auteur et sur l’époque de sa genèse.
Le nombre de participants est limité.
07.02. Jeff Wall, Dead Troops Talk, 1992
21.02. Jeff Wall, The Storyteller, 1986
06.03. Jeff Wall, After ‘Invisible Man’ by Ralph Ellison, 1999/2000
20.03. Jeff Wall, War game, 2007
03.04. Jeff Wall, In the Legion, 2022
17.04. Jeff Wall, Restoration, 1993
Prix : billet d’entrée + CHF 7.-
Mercredi, 7 février
Mercredi, 6 mars
18h30–19h30
Visite avec les commissaires de l’exposition
Vous souhaitez voir les expositions de la Fondation Beyeler à travers les
yeux de celles et de ceux qui les conçoivent ? Cette visite vous en donne
l’occasion. Les commissaires ne se contentent pas de vous renseigner
sur la conception, l’organisation et la programmation de l’exposition,
mais vous apportent également des éclairages sur les artistes, leur
époque, la genèse des oeuvres et leur signification dans le contexte
artistique. Le nombre de participants est limité.
Prix : CHF 35.- / Bénéficiaires d’une rente AI 30.- / Moins de 25 ans
10.- / Art Club, Young Art Club, Amis, Museums-PASS-Musées 10.-
Dimanche, 11 février
Dimanche, 10 mars
Dimanche, 7. avril
Visite accompagnée – en français
Aperçu de l’exposition « Jeff Wall ».
Le nombre de participants est limité.
Prix : billet d’entrée + CHF 7.-
Jeudi, 22 février
Jeudi, 14 mars
Jeudi, 11 avril
10h30–11h30
Sketch it! – en allemand
« Sketch it » donne l’occasion de se confronter de manière créative à
des oeuvres choisies exposées à la Fondation Beyeler. En particulier, les
oeuvres photographiques de Jeff Wall nous inspirent à explorer
différentes techniques. Nous posons ainsi un regard neuf sur les oeuvres
originales.
Tous les matériaux nécessaires sont mis à disposition.
Prix : billet d’entrée + CHF 10.-
Dimanche, 25 février
Dimanche, 7 avril
9h–12h
L’art au petit déjeuner – en allemand
Délicieux petit–déjeuner au « Beyeler Restaurant im Park » suivi d’une
visite accompagnée (11–12h) de l’exposition. Le nombre de participants
est limité.
Attention : la vente des billets se termine le vendredi après-midi.
Prix : CHF 80.- / Bénéficiaires d’une rente AI 75.- / Moins de 25 ans
55.- / Art Club, Young Art Club, Amis, Museums-PASS-Musées 48.-
Mercredi, 28 février
18h–20h30
Atelier pour adultes – en allemand
L’atelier pour adultes offre la possibilité d’approfondir de manière active
par la pratique ce que l’on a vu et vécu durant la visite guidée. L’objectif
est de comprendre les techniques artistiques en atelier et de les mettre
en pratique. Point n’est besoin de notions ni de compétences
artistiques; toutes les personnes s’intéressant à l’art – que ce soit sous
l’angle esthétique, philosophique ou artisanal – sont les bienvenues.
Le nombre de participants est limité. Inscription obligatoire :
tours@fondationbeyeler.ch ou 061 645 97 20.
Prix : billet d’entrée + CHF 20.- (matériel inclus)
Jeudi, 29 février
16h30–17h30
Visite accompagnée pour personnes avec un handicap visuel – en
allemand
Les visites guidées destinées aux malvoyants et aveugles contiennent
des descriptions détaillées qui permettent de faire ressentir l’oeuvre au
plus profond. Votre chien guide peut vous accompagner dans le musée.
Nous souhaitons vous informer du fait que les oeuvres ne peuvent pas
être touchées. Entrée gratuite pour une personne accompagnante. Le
nombre de participants est limité. Inscription obligatoire :
tours@fondationbeyeler.ch ou 061 645 97 20.
Prix : billet d’entrée
Jeudi, 7 mars
16h30–17h30
Visite accompagnée pour personnes avec un handicap auditif – en
allemand
Un(e) interprète traduit les explications des oeuvres d’art de l’exposition
en cours simultanément en langage des signes.
Le nombre de participants est limité. Inscription obligatoire :
tours@fondationbeyeler.ch ou 061 645 97 20.
Prix : billet d’entrée
Mercredi, 13 mars
14h–16h30
Ateliers pour enfants – en allemand
Découverte de l’exposition au cours d’une visite guidée suivie
d’expérimentations ludiques dans l’atelier.
Inscription obligatoire : tours@fondationbeyeler.ch ou 061 645 97 20.
Prix : CHF 10.- matériel inclus
Dimanche, 14 avril
10h–18h
Journée des familles – en français, allemand & anglais
Organisée autour de l’exposition « Jeff Wall », la Journée des familles
sera consacrée aux histoires, aux secrets et aux ambiances qui
imprègnent les univers visuels de l’artiste canadien. Des visites guidées
en famille offriront un accès amusant aux oeuvres et aux thèmes de
l’exposition. Les plus jeunes pourront voyager sur le tapis des contes ou
explorer le musée en compagnie de Fred l’écureuil. Des ateliers pour
tous les âges proposeront des activités de création, de découverte et de
jeu.
Toutes les animations de la Journée des familles sont comprises dans le
billet d’accès au musée. L’accès au musée est gratuit jusqu’à 25 ans
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6e édition du 7 au 26 mars 2024
Depuis six ans, La Quinzaine de la Danse est devenue un rendez-vous incontournable sur le territoire de l’Agglomération mulhousienne.
Il permet de partager et de faire rayonner le travail que nous portons ensemble à trois structures. Aujourd’hui, plus que jamais, nous pensons qu’il nous faut retrouver du sens et continuer à favoriser l’accès du plus grand nombre aux œuvres. Nous nous plaçons ensemble, artistes, spectateur·rices, en plein milieu d’un monde qu’il nous faut sans cesse interroger, comprendre, poétiser. Engagée sur les enjeux esthétiques et les questions de société, la programmation ouvre les regards vers tant d’horizons. C’est dans cette perspective que nous nous sommes engagés à représenter et soutenir la danse dans sa pluralité. La multiplicité des styles et la richesse des cultures chorégraphiques représentées dans nos structures nous permettent de programmer sur ce temps de festival une grande diversité d’artistes. Nous renforçons nos liens avec le Canada en accueillant deux propositions qui traversent l’Atlantique pour venir à votre rencontre.
Venez célébrer la danse à nos côtés, voyagez d’une structure à l’autre, profitez du pass Quinzaine, vibrez avec les propositions qui gravitent autour de La Quinzaine. Bon festival !
Benoît André, Bruno Bouché, Thomas Ress
Initiée par Thomas Ress, directeur de l’ESPACE 110 – Centre Culturel d’Illzach et également portée par Benoît André, directeur de La Filature, Scène nationale de Mulhouse et Bruno Bouché, directeur du CCN•Ballet de l’Opéra national du Rhin, la 6e édition de La Quinzaine de la Danse offre au public de l’agglomération mulhousienne un programme inédit dans plusieurs lieux partenaires.
Téléchargez le programme de la quinzaine de la danse ici
PASS QUINZAINE
Le premier spectacle à plein tarif donne accès aux autres spectacles au tarif partenaires sur présentation du premier billet, dans toutes les structures
Les adresses de La Quinzaine :
ESPACE 110 – CENTRE
CULTUREL D’ILLZACH
1 avenue des rives de l’Ill
68110 ILLZACH
+33 (0)3 89 52 18 81
www.espace110.org
LA FILATURE, SCÈNE
NATIONALE DE MULHOUSE
20 allée Nathan Katz
68100 MULHOUSE
+33 (0)3 89 36 28 28
www.lafilature.org
CCN•BALLET DE L’OPÉRA
NATIONAL DU RHIN
38 passage du Théâtre
68100 MULHOUSE
+33 (0)3 89 45 94 10
www.operanationaldurhin.eu
PATINOIRE OLYMPIQUE
DE MULHOUSE
47 boulevard Charles Stoessel
68200 MULHOUSE
LA PASSERELLE, CENTRE
SOCIAL ET RELAIS CULTUREL
au Trèfle, allée du Chemin Vert
68170 RIXHEIM
+33 (0)3 89 54 21 55
www.la-passerelle.fr
GYMNASE MAURICE
SCHOENACKER
rue Jules Verne
68200 MULHOUSE
MUSÉE DES BEAUX-ARTS
4 place Guillaume Tell
68100 MULHOUSE
+33 (0)3 89 33 78 11
www.beaux-arts.musees-mulhouse.fr
MAISON DE L’ÉTUDIANT –
UNIVERSITÉ DE HAUTE-ALSACE
1 rue Alfred Werner
68200 Mulhouse
Voir aussi
D’après They Shoot Horses, Don’t They? (1935) de Horace McCoy.
Règlement du marathon de danse à l’usage des compétiteurs:
1. La compétition est ouverte à tous les couples amateurs ou professionnels. — 2. Le marathon n’a pas de terme fixé : il est susceptible de durer plusieurs semaines. — 3. Le couple vainqueur est le dernier debout après abandon ou disqualification des autres compétiteurs. — 4. Les compétiteurs doivent rester en mouvement 45 minutes par heure. — 5. Un genou au sol vaut disqualification. — 6. Des lits sont mis à disposition 11 minutes durant chaque pause horaire. — 7. Baquets à glaçons, sels et gifles sont autorisés pour le réveil. — 8. Les compétiteurs se conforment aux directives de l’animateur. — 9. Sponsors et pourboires lancés sur la piste par le public sont autorisés. — 10. Des collations sont distribuées gracieusement durant la compétition. — 11. L’organisateur décline toute responsabilité en cas de dommage physique ou mental.
En 1935, l’écrivain américain Horace McCoy décrivait dans On achève bien les chevaux le spectacle mortifère d’individus tombés dans la misère, réduits pour quelques dollars à danser jusqu’à épuisement pour divertir un public en mal de sensations fortes. Après une première adaptation au cinéma par Sydney Pollack en 1969, Bruno Bouché, Clément Hervieu-Léger et Daniel San Pedro s’emparent à leur tour de ce roman noir pour créer ensemble une nouvelle forme de danse-théâtre, réunissant sur scène quarante-quatre danseurs, comédiens et musiciens.
Coproduction avec la Maison de la danse, Lyon-Pôle européen de création, la Scène nationale du Sud Aquitain et la Maison de la culture d’Amiens, Pôle européen de création et de production
Adaptation, mise en scène et chorégraphie : Bruno Bouché, Clément Hervieu-Léger, Daniel San Pedro
Assistant mise en scène et dramaturgie : Aurélien Hamard-Padis
Scénographie : Bogna Grażyna Jaroslawski, Aurélie Maestre
Costumes : Caroline de Vivaise
Lumières : Alban Sauvé
Son : Nicolas Lespagnol
Comédiens : Louis Berthélémy, Luca Besse, Clémence Boué, Stéphane Facco, Joshua Hoffalt, Juliette Léger, Muriel Zusperreguy, Daniel San Pedro
Musiciens : M’hamed El Menjra, David Paycha, Noé Codjia, Maxime Georges
CCN • Ballet de l’Opéra national du Rhin
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La 27e édition de ST-ART s'est tenue du 24 au 26 novembre 2023 à Strasbourg dans le Parc des Expositions inauguré il y a un an. Ce joyau d’architecture écoresponsable réalisé par Kengo Kuma a accueilli, sur 10.000 m2, 57 galeries, venues de 8 pays.
Christophe Caillaud-Joos, Directeur Général de Strasbourg Events -
Le Comité Artistique de ST-ART, est composé de Georges-Michel Kahn et Rémy Bucciali
« Nous souhaitons que nos visiteurs et nos collectionneurs puissent découvrir à Strasbourg des oeuvres qu’ils ne verront pas ailleurs, à contre-courant d’une
certaine tendance à l’uniformisation du marché de l’art. »
« ST-ART est une pépite. Lorsque j’ai pris la direction de ce salon l’an dernier, j’ai immédiatement été touché par sa contribution à la reconnaissance des talents de demain. Ce patient travail de découverte est ancré dans l’ADN de ST-ART qui fait vibrer son public depuis plus de 25 ans. Au-delà de sa longue histoire, ST-ART est aussi un territoire ».
Christophe Caillaud-Joos
CHIFFRES CLÉS 2023
13 609 visiteurs
67 exposants dont 57 galeries + de 325 artistes représentés
+ de 720 œuvres présentées
Plus de 10 000 m2 d’exposition
10 conférences
Les galeristes strasbourgeois contribuent immensément à cette diversité
Ils apportent avec eux des propositions inédites et passionnantes.
Liste non exhaustive
« Nous sommes “nés” le 28 juin 1832 très exactement,
mais nous fêtons nos 190 ans à cheval en 2022 et 2023 », explique Bertrand Gillig,
galeriste d’art contemporain à Strasbourg.
Membre du comité de la SAAMS depuis 15 ans, il en a pris la présidence il y a 2 ans.
« L’idée était d’organiser un certain nombre d’événements notamment avec ST-ART, dont une rétrospective Théophile Schuler puisqu’il s’agit de l’une de nos trois principales activités.La première est de contribuer à l’enrichissement et à la préservation des collections des musées de Strasbourg, par des dons et par des financements pour des restaurations ou des acquisitions. La seconde est de développer le goût de l’art à Strasbourg grâce à des conférences, des sorties, des visites guidées et voyages culturels. Et la troisième est de développer la jeune création à travers le
Prix Théophile Schuler.
la belle Strasbourgeoise, 1703 Nicolas de Largilliere
Sarah Ménard, les Grimaces 2021
papier découpé noir, 21 x 30 cm chaque
ST-ART accueillera MOSS, une oeuvre végétale de Marco Barotti actuellement visible dans le jardin médiéval du Musée de
l’OEuvre-Notre-Dame, au coeur de Strasbourg.
Réalisée dans le cadre du programme VITAL,
un projet de coopération européenne ayant
pour objectif la sensibilisation du grand public à l’urgence écologique à travers la création artistique contemporaine, cette
sculpture vivante, cinétique et sonore, envahie par de la mousse est alimentée par les données sur la qualité de l’air générées par l’indice mondial de la qualité de l’air (World Air Quality Index). En analysant l’air de nos
villes en temps réel, elle incite les citoyens à prendre part au débat sur la pollution. Toujours dans le cadre du projet VITAL avec le centre Apollonia, une expérience sonore imaginée par le couple d’artistes de Ljubljana propose aux visiteurs une promenade audioguidée et immersive dans l’espace public grâce un casque bio-acoustique.
S’ASSOCIE CETTE ANNÉE À ST-ART
L’Industrie Magnifique est un mouvement et un modèle de coopération innovante entre artistes, entreprises privées et collectivités publiques dans les territoires. Né en Alsace en 2016, il se manifeste à travers un acte original : la rencontre de l’art et de l’industrie sur la place publique. Ses deux premières éditions en 2018 et 2021 ont mobilisé 200 partenaires, permis la création 40 oeuvres d’art et attiré 610 000 visiteurs en 22 jours à Strasbourg.
Le coup d’envoi de la 3e édition, qui sera multi régionale, sera donnée le 24 novembre, dans le cadre de ST-ART.
A cette occasion l’Industrie Magnifique exposera aussi la remarquable installation Museum of the Moon de Luke Jerram que les spectateurs avaient pu admirer dans la nef de la cathédrale de Strasbourg en 2021, grâce au mécénat du Groupe Vivialys.
Lors de la Biennale de Venise en avril 2022, le Président ukrainien Volodymyr Zelensky, a exhorté les artistes du monde entier à soutenir l’Ukraine. Les Éditions Jannink ont répondu à cet appel en demandant à l’artiste-plasticien Jean Pierre Raynaud de faire don à l’Ukraine d’une oeuvre inédite. À l’instar de Guernica (1937) de Picasso, Raynaud a repris les dimensions exactes (3,49 m x 7,76 m) de cette oeuvre emblématique. Comme la toile du peintre espagnol,
Sans titre – Ukraine dénonce par l’art les horreurs de la guerre.
Les deux toiles monumentales sont exposées à la foire d’art contemporain ST-ART à Strasbourg pour entamer une tournée d’expositions mondiale.
Mes recherches artistiques
et mes créations se déploient
selon plusieurs axes.
Tout d’abord, je crée dans
la continuité de l’histoire
de l’art, notamment de
l’art médiéval. Je m’inspire
des thématiques abordées
dans les oeuvres
emblématiques du passé
pour en offrir une vision
actuelle. Loin d’une version
passéiste, ces images
sont emplies de tendresse
et d’optimisme,
rapprochant les figurent
de présent de celles du
Moyen-Âge. La Dame à
la Licorne conservée au
musée de Cluny, ou encore
le tarot de Marseille sont
par exemple à l’origine
de séries de dessins et de
gravures.
Le dessin, la gravure et
la broderie sont les médiums
que j’ai choisis dans
une volonté de gommer
les frontières qui séparent
la culture dite « légitime »
et les arts populaires.
Le travail du textile, historiquement
réservé aux
f
emmes, revêt pour moi
une dimension militante
en lien avec les préoccupations
largement présentes dans mes créations.
Les thématiques féministes et LGBT me
tiennent très à coeur et, sans que je sois dans
une démarche activiste, elles transpirent dans mes oeuvres.
Les deux estampes réalisées spécialement
pour ST-ART appartiennent à une série de gravures
inspirées de La belle Strasbourgeoise
peinte par Nicolas de Largillierre en 1703, l’une des oeuvres majeures du Musée des Beaux-Arts de Strasbourg. Reprenant l’esprit et la composition
du portrait original, je propose une vision contemporaine des strasbourgeoises. Comme au XVIIIe siècle, elles portent un collier de perle
et leur bichon au bras, des accessoires de leurs costumes subsistent ou sont évoqués, tandis que les arbres de l’arrière-plan sont sensiblement
les mêmes.
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Cécile Debray et Assia Quesnel, les commissaires de l’exposition "Gertrude Stein et Pablo Picasso. L'invention du langage", vous guident dans le Musée du Luxembourg à travers un siècle d’art, de poésie, de musique et de théâtre.. Une exposition à découvrir jusqu'au 28 janvier 2024
scénographie : Studio Matters
mise en lumière : Aura Studio
Un écrivain devrait écrire avec ses yeux et un peintre peindre avec ses oreilles.
Gertrude Stein, 1940
L’amitié entre l’artiste Pablo Picasso et l’écrivaine Gertrude Stein s’est cristallisée autour de leur travail respectif, fondateur du cubisme, à partir de ce qui constitue leur pratique littéraire et picturale : décomposition
analytique des objets du quotidien, du langage et de la peinture, sérialité, circularité et répétition – autant de formulations et de trouvailles fondatrices des avant-gardes picturales et littéraires du XXe siècle.
Gertrude Stein est une immigrée américaine, juive, homosexuelle, installée à Paris, rue de Fleurus, peu après l’arrivée en 1901 de Pablo Picasso, jeune artiste espagnol. Leur position d’étrangers, maîtrisant approximativement le français, leur marginalité fondent leur appartenance à la bohème parisienne et leur
liberté artistique.
Gertrude Stein dans les jardins du Luxembourg
Leur postérité est immense. Examiner leur complicité, leur inventivité et suivre le parcours de Gertrude Stein entre Paris et les États-Unis, permet d’esquisser une traversée des approches conceptuelles, performatives et critiques de l’art, de la poésie, de la musique et du théâtre à travers de grandes figures de l’art américain :
John Cage, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Merce Cunningham, Nam June Paik, Yvonne Rainer, Lucinda Childs, Trisha Brown, Ray Johnson, Bruce Nauman, Carl Andre, James Lee Byars, Joseph Kosuth, Hanne Darboven, Andy Warhol, Glenn Ligon, Ellen Gallagher, Gary Hill, Deborah Kass, Felix Gonzalez-
Torres…
Ainsi l’exposition entend porter un éclairage inédit et documenté sur l’oeuvre poétique mal connue de Gertrude Stein, en regard des peintures et des sculptures de Picasso, le « Paris Moment » (rue de Fleurus et rue Christine, à deux pas du musée du Luxembourg qu’elle fréquente assidument).
La postérité américaine de ce dialogue forme la seconde partie du parcours, l’« American Moment », avec des oeuvres emblématiques issues de l’écriture steinienne, des années 1950 à nos jours : depuis le Living Theater et les expérimentations musicales, plastiques et théâtrales néo-dada et fluxus, en passant par l’art minimal autour du langage et du cercle, jusqu’aux oeuvres néo-conceptuelles et critiques.
Une série de portraits et d’oeuvres hommages, comme le fameux polyptique Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century d’Andy Warhol ou des photographies de Cecil Beaton, évoque l’icône Gertrude Stein.
Cette exposition est programmée dans le cadre de la Célébration Picasso 1973-2023, coordonnée par le Musée national Picasso-Paris, qui à cette occasion partage sa collection par le prêt exceptionnel de 26 oeuvres de sa collection essentiellement centrées autour des années héroïques des Demoiselles d’Avignon et du cubisme, ainsi qu’un ensemble d’archives remarquable. La Célébration Picasso et l’exposition sont placées sous le haut patronage de la Présidence de la République.
Un programme de performances conçues par le metteur en scène Ludovic Lagarde accompagne l’exposition pour faire entendre l’écriture cubiste de Gertrude Stein. Ces performances de 30 à 40 minutes auront lieu à
l’occasion des nocturnes du lundi à 19h ou à 20h (programme détaillé) , pendant toute la durée d’ouverture au public de l’exposition (hors vacances scolaires et 2 octobre) dans la salle Tivoli adjacente aux espaces
d’exposition (sur simple présentation du billet de l’exposition).
France culture podcast
Rmn – Grand Palais
254-256 rue de Bercy
75 577 Paris cedex 12
horaires d’ouverture :
tous les jours de 10h30 à 19h
nocturne les lundis jusqu’à 22h sauf le 2
octobre
les 17 octobre, 24 et 31 décembre de
10h30 à 18h
fermeture exceptionnelle le 25 décembre
accès :
M° St Sulpice ou Mabillon
Rer B Luxembourg
Bus : 58 ; 84 ; 89 ; arrêt Musée du
Luxembourg / Sénat
informations et réservations:
museeduluxembourg.fr
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Jusqu'au 16 décembre 2023 à l'Abri Mémoire de Uffholtz
Quelques silhouettes anonymes, les soldats morts pour la France et des
bornes frontières usées par le temps. L’artiste mulhousien Daniel Tiziani nous présente des dessins, empreintes et gravures en lien avec les traces du passé... que tout le monde voit sans les remarquer. PROJECTION DU FILM DOCUMENTAIRE LE LISERÉ VERT
° En présence du réalisateur Gilles Weinzaepflen, de l'artiste Daniel Tiziani et du docteur en histoire Benoît Vaillot
Samedi 14 octobre, 20h00
Artiste plasticien attentif aux détails que personne ne remarque, sensible aux traces laissées par la main de l’homme, Daniel Tiziani invite à la réflexion sur notre identité partagée. Dans cette exposition où l’art rencontre l’histoire, que nous apprennent ces oeuvres des événements majeurs du passé et des
récits intimes… Son approche nous permet d’explorer ces thèmes de manière esthétique et émotionnelle et nous offre une occasion précieuse de réfléchir à notre identité collective
Stamala avec Francine Hebding écoutez ici
Il est venu accompagné de Dany Weber, conseillère déléguée à la culture de la Com Com Thann- Cernay ainsi que Jean Paul Welterlen, ancien maire d’Uffholz entre autre. On y parle de l’expo, de l’artiste mais aussi d’histoire et de cet endroit qu’est l’Abri Mémoire à découvrir sans faute.
Partie 1.
Silhouettes anonymes (salle 1)
Partie 2.
Bornes frontières (salle 2)
Fondée en 1843 d’après l’idée du rédacteur en chef Edouard CHARTON,
L’Illustration est un magazine illustré français. Il devient le premier magazine au monde en 1906 et ses abonnés habitent dans plus de 150 pays. Dès ses débuts, la revue place le dessin et la gravure au centre de ses publications.
Sa politique journalistique est alors révolutionnaire pour l’époque : recherche de l’information à sa source, envoi des correspondants ou appel à la collaboration des lecteurs. L’impartialité est l’objectif principal de la publication. Chaque édition présente une double page remplie d’illustrations, où l’image se révèle plus importante que le texte.
L’artiste Daniel Tiziani utilise alors ce célèbre magazine comme médium pour ses gravures. Il y imprime des silhouettes anonymes directement sur les pages de la revue : mère, militaire, danseuse étoile, petite fille… 
ce sont autant de personnages anonymes fixés sur des photographies de personnes célèbres, sur des publicités, ou placés en parallèle de textes journalistiques, telles de nouvelles illustrations. Une Image qui revient souvent, charmante dans sa simplicité, émouvante dans son dépouillement, la petite fille anonyme, dont le procédé photographique, me fait penser à celui d’Irving Penn vu en juillet à la Villa des Roches Brunes de Dinard
Chaque page utilisée nous apporte des références culturelles et historiques, parfois effacées par le temps. L’emplacement des figures est toujours réfléchi et choisi minutieusement par l’artiste. Quelquefois
un clin d’oeil ironique avec le texte ou la publicité.
Daniel Tiziani nous interroge :
qu’en est-il de ces figures oubliées disparues lors des conflits ?
Les Frères Belmont, immortalisés à travers les gravures de Daniel Tiziani, sont issus d’une famille profondément cultivée et religieuse, qui s’établit à Grenoble en 1893. Parmi les sept frères et la soeur de cette famille, Joseph se distingue particulièrement grâce à la publication de ses lettres de la Première Guerre mondiale, à partir de 1916.
Marie-Victorine, bien qu’absente de cette exposition, est infirmière durant la Grande Guerre. Ferdinand Joseph, né en 1890, est initialement médecin puis Capitaine du 11e bataillon de chasseurs alpins. Il s’est retrouvé blessé d’un éclat d’obus au Hartmannswillerkopf et est décédé de ses blessures à l’hôpital de Moosch, le 28 décembre 1915. Il fut chevalier de la Légion d’honneur et décoré de la croix de guerre.
Jean, né en 1893, est élève à l’Institut Polytechnique de Grenoble lorsqu’il rejoint le 22e Régiment d’Infanterie. Il meurt au col d’Anozel le 28 août 1914, dans les Vosges.
L’abbé Joseph Régis, né en1895, est étudiant au Grand Séminaire de Saint-Sulpice à Issy-les-Moulineaux. Il est nommé caporal au 175e régiment d’infanterie, combat aux Éparges puis à la bataille de l’Argonne, avant de mourir le 02 juillet 1915 au Bois-de-la-Gruerie, dans la Marne.
Maxime, né en 1897, est incorporé au 14e bataillon d’artillerie, puis affecté aux chemins de fer après le décès de ses trois frères, tout comme
Paul, né en 1899.
Ces portraits presqu’anonymes ont été imaginés et produits par l’artiste avant qu’il n’ait eu connaissance de leurs photographies. Il s’agit d’un hommage rendu à tous ces soldats morts pour la France, à travers des portraits-robots pouvant évoquer plusieurs soldats.
L’Alsace et la Lorraine sont revendiquées par l’Empire allemand dès le début du XIXe siècle. À l’issue de la guerre de 1870, après l’armistice du 29 janvier 1871, la France se voit contrainte de céder à l’Allemagne les territoires qui formeront l’Alsace-Lorraine, par le traité de Francfort de 1871. La nouvelle frontière franco-allemande suit alors en grande partie la ligne de crête des Vosges et traverse principalement des espaces forestiers en altitude.
Adolphe THIERS (1797-1877) se voit imposer la négociation du tracé delà nouvelle frontière à partir d’un « liseré vert », déjà tracé par
Wilhelm LIEBENOW (1822-1897). L’Empire allemand tente de faire correspondre la nouvelle frontière avec la ligne de crête des Vosges.
Les négociations aboutissent au traité préliminaire de paix à Versailles le 26 février 1871.
La nouvelle frontière doit être définie de manière plus approfondie lors des conférences de Bruxelles de mars à mai 1871. Des pionniers de la géographie sont chargés de la définition de la frontière, le français Aimé LAUSSEDAT (1819-1907) et l’allemand Wilhelm HAUCHECORNE (1828-1900).
Le traité définitif depaix est signé le 10 mai 1871
sans qu’aucune carte ne soit produite à cette occasion.
Le traité de Francfort du 10 mai 1871 consacre en effet l’annexion de l’Alsace-Lorraine par l’Empire allemand, mais aussi celle de tous ceux qui en sont originaires. Cependant, une clause d’option a été introduite dans le traité et permet aux Alsaciens-Lorrains de conserver la nationalité française, à condition toutefois de « transporter leur domicile » hors des territoires cédés.
Sur les cartes, la frontière est matérialisée par un liseré vert.
Le traité de Francfort prévoit que la commission de délimitation se rende
«sur le terrain immédiatement» pour une phase de démarcation
de la frontière. Le terrain est étudié, les arbres sont rasés et les bornes frontières sont commandées. La commission de délimitation met alors plusieurs années à matérialiser la nouvelle frontière sur le terrain.
Plus de 5 500 bornes sont posées entre le Luxembourg et la Suisse.
Les géomètres français et allemands font le levé du tracé de la frontière. Ils le consignent dans un registre et le reportent sur des cartes de deux types : cartes de détail échelle 1/1250e et les cartes d’ensemble échelle 1/20000e. Pour l’installation de ces bornes, de nombreux arbres ont été rasés, qui aboutiront à la création de circuits de randonnée. Si la frontière se trouve au niveau d’un cour d’eau, deux bornes sont placées de chaque côté, à égale distance. La rive française comporte uniquement la lettre F, la rive allemande la lettre D. En France,de nombreux « D » gravés ont été détruits au fil du temps.
.
Aujourd’hui, cette frontière franco-allemande est comme
oubliée. Certaines bornes sont conservées, mais elles ne bénéficient pas de la protection des Monuments historiques.
Daniel Tiziani est parti à la recherche de ces bornes frontières souvent ignorées. Sans les déplacer, son art permet de se les remémorer et de les valoriser. Il pose sa feuille sur le dessus, la frotte à l’aide d’une mine de plomb et en relève l’
empreinte: l’angle qui indique l’emplacement des deux autres bornes. Il précise aussi quel côté de la borne appartient à quel pays, où se situent les points cardinaux ou encore le numéro de la borne. Par ses empreintes et décalquages, Daniel Tiziani met en valeur l’objet devenu mémoriel, transformant un artefact tri-dimensionnel presqu’invisible, en une surface plane et riche d’histoire et de géographie. Enfin, dans son atelier, l’artiste rehausse le dessin de couleurs, attirant alors notre regard, en particulier sur la fameuse ligne rouge.
Abri mémoire
1 rue du Ballon,
68700 Uffholtz
Visites et activités gratuites
Informations et réservations :
03.89.83.06.91
abri-memoire@cc-thann-cernay.fr
Suivez-nous
abri-memoire.org
Mégane Liguori
Chargée de médiation et d’accueil
07.78.20.60.20
m.liguori@cc-thann-cernay.fr
VISITES GUIDÉES
° Rencontres avec l’artiste
° Rendez-vous à l’Abri
Tous les samedis, 15h00
ATELIERS
° Animés par l’artiste
samedi 14 octobre,
samedi 18 novembre,
samedi 16 décembre,
14h30
PROJECTION DU FILM DOCUMENTAIRE LE LISERÉ VERT
° En présence du réalisateur Gilles Weinzaepflen, de l’artiste Daniel Tiziani
et du docteur en histoire Benoît Vaillot
Samedi 14 octobre, 20h00
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26 septembre 2023 : Corps à corps. Histoire(s) de la photographie
23 septembre 2023 : Icônes de lumière, Elisabeth Bourdon
19 septembre 2023 : QUI NE DIT MOT…(Une victoire sur le silence)
18 septembre 2023 : Soirée des 30 ans de La Filature, Scène nationale de Mulhouse
18 septembre 2023 : Aglaé Bory, Ici Ailleurs
16 septembre 2023 : Niko Pirosmani
13 septembre 2023 : Les lauréats du prix Praemium Imperiale 2023
08 septembre 2023 : Concert – Clavecin Ruckers
04 septembre 2023 : Matisse, Derain et leurs amis, L’avant-garde parisienne des années 1904–1908
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