Picasso et les femmes

Les plus connues sont présentes dans la collection Berggruen.
La tête de Fernande Olivier, portrait en trois dimensions, réalisée en bronze, de 1909.
A son retour de Horta de Ebro, Picasso s’efforce de transposer l’analyse cubiste à la sculpture en trois dimensions. Un entrelacs passionné de formes concaves et convexes, bouche, nez et orbites suivent les volumes naturels  tandis que les joues sont décomposées en parties creuses et saillantes. Une multiplicité de points de vue se trouvent condensés dans cette tête.
Françoise Gilot occupe une place à part dans la vie de Picasso, notamment en

raison de son indépendance d’esprit. Amante de Picasso à l’âge de 21 ans, alors qu’il était âgé de 62 ans.
Ils passèrent ensemble 10 années d’inspiration mutuelle.
Elle était sa muse, critique et artiste, appréciée en société. Le tableau  » la lecture  » a été peint à la villa La Galloise.  Il s’agit d’une composition de surface. Des moitiés de visage, une veste noire, des manches de chemise, mains, livre et table sont fortement liés par les couleurs. L’impression de plasticité ou d’espace, que donnent les ombres du bras et du livre ou l’ombre portée sur une moitié du double visage, crée un réel contraste. La lecteur évoque un adieu.
Ce visage montre deux vues : celle de face (le bel ovale bleu) et celle de profil (anguleuse et peinte d’un blanc terne)
Ils eurent 2 enfants. Elle le quitta et lui tint tête dans un procès en reconnaissance de paternité.
Il en sera vexé à jamais.
Matador et femme ( Jacqueline Roque) fait partie d’une série réalisée en 1970 à Mougins sur le thème de prédilection de Picasso : la tauromachie. Encore une  fois, cette peinture d’un couple traite de l’art et de la vie, préoccupation toujours très forte de Picasso alors âgé de 89 ans. Le matador vêtu d’une cape rouge sang et l’épée dégainée symbolise la devise « Au combat ! » (Roland Marz)
Cette peinture vise l’immédiateté – un combat des sexes ? Ce qui est fort probable si l’on regarde la vie agitée de Picasso, sans cesse en quête de nouvelles sources d’énergies féminines. A l’exposition du Grand Palais, l’homme était en vert, pour attester de la toujours vigueur sexuelle de l’artiste. Le corps de la femme bien en chair occupe la partie blanche de la toile, à laquelle répond le chapeau blanc du matador, et s’oppose le rouge de la cape de manière spontanée en lignes dynamiques.
Un dessin au crayon sur papier de 1938, montre un étude de Picasso où il a stylisé les deux femmes de sa vie du moment . Dans la partie haute, Dora Maar en buste de trois quart, coiffé de son chignon catalan sévère, l’accent est mis sur ces grands yeux, il y en a trois, et son visage altier,  dessin cubiste. (voir Dora Maar aux ongles verts sous le lien)
Dans la partie basse Marie Thérèse Walter, qui donna naissance à Maya, assise dans un fauteuil, croise ses jambes, le corps à la poitrine opulente, montré de trois quart, la tête aux deux vues, dont l’une figure  le profil parfait de Marie Thérèse. Unies dans sa vie, contre leur gré, unies sur le papier. Picasso a vécu avec Dora Maar tout en maintenant sa liaison avec Marie Thérèse.

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Charles POLLOCK, le frère


Réunissant quelque 120 oeuvres, l’exposition Charles Pollock, organisée par l’Espace d’art contemporain Fernet Branca à Saint Louis/Alsace, constitue la première exposition d’envergure internationale consacrée au peintre américain Charles Pollock dans une institution publique en France et en Europe.
charles-pollock-fernet-branca-7.1234728748.JPGGrâce au prêt généreux des Archives Charles Pollock, elle révèle au public une partie d’une œuvre méconnue et complexe d’un artiste discret qui a pleinement participé à l’aventure de l’art américain au vingtième siècle.
L’histoire de sa peinture rend compte de l’évolution de l’art américain : du Social Realism d’avant guerre, sous l’égide de Thomas Hart Benton, à la fabuleuse naissance de l’abstraction américaine dès les années 1950, puis du Color-Field painting dont l’artiste s’est avéré maître.
Charles Pollock est d’abord un peintre figuratif, puis devient un peintre abstrait et un coloriste raffiné, maîtrisant les nuances, les valeurs et les atmosphères tout autant que Rothko, mais à sa manière, toute en retenue. A l’instar de nombreux artistes américains, la peinture de Charles Pollock s’oriente vers l’abstraction à la fin des années 40, de manière nette, sans être totalement radicale. Il devient aussi moderne que ses contemporains Still ou Newman.
L’exposition de l’Espace d’art contemporain Fernet Branca concentre son attention sur la production des séries réalisées entre 1950 et 1964, axe chronologique qui permet de découvrirl’évolution de son oeuvre, entre une première forme d’abstraction calligraphique (1950-56) aux tableaux sombres (début des années 60), à laquelle succédera une abstraction colorée et lumineuse(à partir de 1964). Cette exposition cherche à montrer le fil invisible qui existe entre les différentesséries et époques dans l’oeuvre et la vie de l’artiste. Elle cherche aussi à affirmer l’approcheexpérimentale et raisonnée qui anime toutes les créations de Charles Pollock.
Les premières salles offrent au public ce que l’on pourra appeler «l’enfance de l’art », à travers des travaux figuratifs. Au cours des années 30, Charles Pollock peint de nombreux paysages de l’Ouest américain, ainsi que de nombreux personnages, dans le style régionaliste. Les paysages contiennent cependant les éléments, notamment les lignes de couleur, les aplats, les teintes crues, qui vont plus tard composer ses abstractions.
Dans les salles suivantes, on découvre une nouvelle peinture : les 25 dessins et peintures de la série Chapala, réalisés charles-pollock-fernet-branca-32.1234728952.JPGdans les années 50, portent tous la marque de son intérêt pour la calligraphie. C’est pendant son année sabbatique, en 1955-56, au Mexique, dans un petit village près du lac Chapala que Charles Pollock élabore des semi-abstractions, faites de caractère, de symbole ou de figure. En 1959, plus il avance dans ses recherches, plus il simplifie la composition, augmente les formats de ses toiles, assombrit sa palette et joue sur les valeurs de lumière et d’atmosphère.
La série des Black and Gray caractérise ce style sombre, construit à partir de formes noires flottantes sur fond gris. En 1962-63, il reprend une année sabbatique, cette fois-ci à Rome, où il peint la majestueuse série Rome et réalise des aquatintes. Cette série, que l’on découvre dans les dernières salles du musée, est marquée par l’introduction d’une ligne qui découpe verticalement l’espace. Son travail évolue alors vers un éclaircissement des valeurs chromatiques. En s’appuyant sur les possibilités expressives de la couleur, il cherche à travers l’effet « color-field » à atteindre la clarté et l’immédiateté.
charles-pollock-fernet-branca-52.1234734330.JPGPeintures, dessins, aquatintes, lithographies : Charles Pollock a ainsi expérimenté et travaillé sur un large éventail de techniques picturales, ce qui lui a permis de préserver son indépendance artistique.
Charles Pollock, celui que l’on appelle « le frère de.. », ou « l’Autre Pollock », aura attendu longtemps que l’on prenne la mesure et l’universalisme de son oeuvre.
Cette première grande exposition en France, dans son pays d’adoption, constitue en soi un véritable événement.
Jusqu’au 24 mai 2009
Plusieurs visites guidées sont proposées par Auguste Vonville. Les dates sont les suivantes :
dimanche 15 février, samedi 21 mars, dimanche 22 mars,(week-end art contemporain de Télérama) dimanche 5 avril, dimanche 10 mai, dimanche 24 mai. Toutes ces visites ont lieu à 14h30.
La première visite guidée du 15 février a été un peu particulière, la  présence de Francesca POLLOCK, la fille de l’artiste, a permis de prendre toute la mesure de l’importance de ce peintre « méconnu » et ses années parisiennes.
Cette rencontre a été des plus enrichissantes pour découvrir l’homme engagé qu’était Charles POLLOCK.
Lors de cette visite, il a été également question du livre qui vient de sortir chez Grasset
« Lettres américaines ».« LETTRES AMÉRICAINES »  Le Roy Pollock & ses fils
Avec des dessins inédits de Charles Pollock
Ce livre rassemble la correspondance inédite des membres de la famille Pollock de 1927 à 1947. Le plus illustre en est Jackson, mais ses quatre autres frères notamment Charles ne contribuent pas moins à faire des ces lettres un document exceptionnel. Trois histoires en surgissent. une histoire familiale, une histoire artistique et une histoire de l’Amérique. Dans ces années de bouleversement mondial, les Pollock parcourent les Etats Unis et chacun écrit à l’autre pour lui donner des nouvelles intimes aussi bien que politiques. Cette famille unie, optimiste, généreuse, s’enthousiasme pour le New Deal du président Roosevelt, voit apparaître le fascisme en Europe, encourage le génie créateur et tourmenté de Jackson, croit en l’art et en la possibilité de réformer le monde. 
   
 
 

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Chhttt…Le merveilleux dans l’art contemporain (2ème volet) 2

bruno-peindao-mysterious-object-at-noon.1234359096.JPGAccumulant images et références culturelles diversifiées, stéréotypes et icônes phares de notre société contemporaine, Bruno Peinado s’attache à citer l’ensemble de ces clichés de masse pour les détourner, les détruire et en offrir une nouvelle dimension. De l’ordre de la réappropriation et du recyclage, ses œuvres produisent l’effet d’un choc visuel sur le spectateur. Conceptuelles, elles poussent le spectateur à s’interroger sur son environnebruno-peindao-big-bang.1234359247.jpgment, et ce en exploitant une dimension visuelle et cérébrale poétique, celle de la démesure, de la démystification et du chaos. Dépassant l’ordinaire et suivant la logique paradoxale des choses, Bruno Peinado crée des oxymores, des bruno-peinado-3.1234359338.JPGimages fortes et rebelles, qui sèment le doute et la confusion dans l’esprit du spectateur. Ainsi, les Stardust, restes de poussière d’étoiles ramassés à la pelle et Big Bang, sculpture d’un big bang en taille miniature traitent d’un thème universel sur un ton tout à la fois sarcastique et poétique. Effaçant la notion d’éternité et d’immuabilité, réduisant l’infini et l’incommensurable, elles invitent le spectateur à remettre en question le caractère tangible du monde.
Les oeuvres de Pierre Ardouvin composent le puzzle d’un monde artificiel, qui réactive les peurs de l’enfance et les inhibitions de l’âge adulte et remet en jeu l’ordinaire et l’idéal. À la fois drôles et inquiétantes, âpres et tendres, ses œuvres, assemblages éclectiques mêlant des objets, images, matériaux, lumières, sont réalisées avec un grande économie de moyens. pierre-ardouvin-la-pluie.1234359594.JPGAinsi, une plaque de tôle posée contre un mur, plus, cachés derrière la plaque, un ventilateur et quelques balles de ping-pong, et voilà La pluie, qui évoque avec mélancolie toutes les pluies du monde. La mélancolie est par ailleurs le sujet même de la série d’aquarelles exposées dans Chhttt…. cimg0011.1234359753.JPGLà encore, en suggérant le tout par la partie (les yeux et le nez de Bambi flottent dans le blanc de la feuille), l’artiste nous plonge dans un univers à la fois ironique, onirique et doux-amer.
texte provenant du site du CRAC, photos de l’auteur sauf la 2

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Chhttt…Le merveilleux dans l’art contemporain (2ème volet)

chhttt-affiche9.1234219352.JPGJusqu’au – 10 mai 2009
 
Après le merveilleux spectaculaire des œuvres présentées dans Waoohhh!, le second volet de l’exploration du thème au CRAC Alsace, intitulé Chhttt…, présente des œuvres où celui-ci se fait plus conceptuel et minimal : un merveilleux qui naît d’avantage d’une certaine façon de regarder et de magnifier le quotidien, le banal, l’inframince.
Les artistes réunis dans Chhttt… s’intéressent, chacun à leur manière, au postulat suivant : le fait merveilleux n’est pas merveilleux en lui-même, il est merveilleux dans sa relation avec le réel. On peut donc créer un merveilleux en appliquant cette relation sur une réalité quelle qu’elle soit, la plus ordinaire comme la plus fugace.
Se trouve ainsi révélé ce dont, d’habitude, on ne s’aperçoit pas : ce qui se trouve dans les plis du réel.
Les moyens requis par les artistes pour explorer ces plis du réel et interroger notre perception sont nombreux : jeux subtils d’apparition et de disparition des images et des objets (Simon Schubert, Estefania Peñafiel Loaiza, Yves Chaudouët),yves-chaudouet.1234220299.jpg mouvement lent des corps (Robert Breer), vibrations de la lumière, de la couleur et/ou de la ligne (Jugnet + Clairet, Sandra Böhme, Camila Oliveira Fairclough), évocation d’éléments universels par des objets et procédés pourtant modestes (Bruno Peinado, Pierre Ardouvin, Pierre Alferi), etc.
Finalement, le merveilleux à l’œuvre dans Chhttt… est peut-être celui qui, simplement, permet de se poser des questions nouvelles, inattendues, insolites, et pourtant essentielles : quand fondra la neige , où ira le blanc ?
(Rémy Zaugg) La météo elle-même s’était adaptée au vernissage….
Cette exposition minimaliste et conceptuelle est toute en subtilités.
L’exposition s’accompagne d’un petit journal, qui comporte un texte inédit de Pierre Alferi, extrait de son prochain livre, à paraître au printemps 2009.
avec : Pierre Alferi (FR), Pierre Ardouvin (FR), Sandra Böhme (D), Robert Breer (EU), Yves Chaudouët (FR), Jugnet + Clairet (FR), Perrine Lievens (FR), Camila Oliveira Fairclough (BR), Bruno Peinado (FR), Estefania Peñafiel Loaiza (EC), simon-schubert-4.1234221042.JPGSimon Schubert (D), Guido van der Werve (NL), Rémy Zaugg (CH)
Mes coups de cœur sont nombreux :
Peintre-philosophe, « artiste conceptuel », Rémy Zaugg a réalisé un œuvre riche et complexe autour de la question de l’artremy-zaug.1234219447.JPG et de ses conditions de perception. Liant la place de l’artiste à celle du spectateur, le « sujet percevant », son art, empreint de nombreuses références théoriques, explore diverses thématiques, de l’effacement à celle de la trace et soulève la problématique de l’absence. Quand fondra la neige où ira le blanc ? Voici une question bien étrange et énigmatique que pose l’artiste dans cette œuvre à la limite du monochrome : l’écriture de couleur blanche tend à se fondre, voire à véritablement se confondre à l’arrière-plan blanc. Blanc sur blanc. On pense évidemment à Casimir Malevitch et sa célèbre œuvre Carré blanc sur fond blanc… Mais, au-delà de cette expérience du néant, l’œuvre de Rémy Zaugg, représente la dissolution du visible en s’articulant autour d’un subtil jeu de mots, en conflit avec leur sens, leur perception et leur forme. À peine lisible, à peine visible, cette question posée crée une forme de dialogue intime avec le lecteur/regardeur.
Artiste vidéaste, Guido van der Werve, compose des scénarios imaginaires. Son œuvre, indéniablement romantique, se caractérise également par une esthétique de l’absurde et du décalage, qui remet en question, interroge et découvre les incohérences de notre monde et nos rêves inaboutis. Entre détachement et amusement, Guido van der Werve cherche à surprendre le spectateur. Ainsi, Nummer Zeven, The Clouds are more beautiful from above, qui relate une tentative ratée de vouloir quitter la Terre, exprime l’échec et la perte tout en illustrant le désir d’évasion de l’artiste face à l’ennui grâce à la fin tragique d’une fusée, soigneusement construite par l’artiste, qui au moment de décoller explose. Détournant l’ordre logique des choses, usant d’une tonalité tragicomique et dévoilant de nouveaux horizons l’artiste interpelle le spectateur et l’incite à une réflexion, à la fois mélancolique et existentialiste.
robert-breer61.1234219981.JPGRobert Breer déjoue les catégories formelles, stylistiques et conceptuelles et réalise un travail libre et rigoureux à la fois. Son oeuvre polymorphe (sculptures , peintures, dessins , films) se caractérise par les échanges entre ces différentes pratiques. Robert Breer éprouve les seuils de conscience, de perception et les limites de la représentation. Ses sculptures, modules géométriques, sont une allusion ironique à l’art minimal. Ces présences discrètes sont motorisées. Elles se déplacent très lentement, à même le sol, de manière presque imperceptible et sans logique. La perception ténue du mouvement offre au spectateur une reconnaissance du temps et de l’espace qu’il occupe.’ (Extraits du communiqué de presse de l’exposition Robert Breer, gb agency, 2001)
Artiste multiforme, Yves Chaudouët explore des univers à la fois singuliers et multiples avec une grande liberté de moyens et tisse des liens nouveaux entre différentes disciplines. Souvenirs d’enfance et fascination pour le monde marin sont les sources d’inspiration de l’installation Tiefseefische, dans laquelle il plonge le spectateur dans l’obscurité desyves-chaudouet-poisson.1234220147.jpg abysses. L’artiste façonne ici un monde encore inconnu et inexploré par l’homme, dans lequel le spectateur découvre des êtres – presque – imaginaires. Fragiles et précieux, ces espèces des profondeurs sont en verre, ce qui permet d’offrir une palette d’effets saisissants, comme le jeu de lumière et de reflets sur les surfaces lisses, translucides ou opaques. Poissons, étoiles, monstres marins, c’est donc tout c’est un bestiaire océanique fantasque et luminescent, flottant dans l’espace, qui transforme la grande salle du CRAC en un immense et curieux fond marin, qui n’est pas sans rappeler les fascinants mondes nés sous la plume de Lautréamont ou encore de Mallarmé.
Jouant à dé-produire et à re-produire l’image que se donne le monde, Anne-Marie Jugnet et Alain Clairet explorent dans leurs œuvres les conditions et le processus de production d’une œuvre, ainsi que leurs représentations et leurs limites. Ce travail conceptuel autour de l’image met en scène l’acte artistique ou « le faire » comme un élément permettant de mieux appréhender le système et le contexte dans lesquels il s’inscrit. Avec Ligne FB-BT, néon bleu dans un caisson translucide ou encore Ligne de partage du ciel, les deux artistes investissent le genre du paysage avec le ciel comme champ d’observations. Si Ligne FB-BT est une « sculpture » matérialisant l’éclat lumineux du ciel, les peintures de la série Ligne de partage du ciel sont quant à elles une capture d’un bout de ciel, vaste étendue à la limite du monochrome, où seule une ligne à peine perceptible se dessine. Cette évocation d’un au-delà, frôlant l’abstraction et la dématérialisation, est le résultat de l’analyse du passage de la lumière vers la forme, une tentative illusoire d’approcher une image idéalisée. Un phénomène insaisissable, un motif fugitif ou encore un non-visible qui devient pourtant palpable et apparent au spectateur.
Le travail de Perrine Lievens interroge avec finesse la forme et son intégration dans un espace donné. Ce faisant, le traitement plastique conceptuel de ses œuvres propose une subtile relecture du réel, en perturbant l’approche et la perrine-lievens-2.1234220684.JPGcompréhension que nous avons de celui-ci. Transformant notre environnement commun, Perrine Lievens joue avec le spectateur, appelé à faire l’expérience d’un univers réinventé et d’en changer sa perception. Témoin de ce jeu, le balcon exposé dans les escaliers du CRAC et revisité par un effet de lumière diffus, perd son utilité et devient inaccessible : il n’est plus le lien entre deux espaces distincts, intérieur et extérieur. Transgressant l’ordre habituel des choses, Vue se donne à voir au lieu de donner à voir. S’offrant ainsi à notre regard, il confère à l’objet qu’il incarne une nouvelle dimension poétique.
texte provenant du site du CRAC, photos de l’auteur et provenant du site du Crac.
 

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Play – Replay Robert Cahen

L’espace d’art contemporain André Malraux à Colmar pointe son objectif sur la vidéo.
« Play — Replay » propose trois regards, jusqu’au 15 février 2009.
robert-cahen2.1233786395.jpgRobert Cahen l’un des pionniers du genre,  présente des travaux réalisés durant les dix premières années de sa carrière de vidéaste, entre 1973 et 1983.  Le spectateur a une sorte d’historique de l’art vidéo. Il laisse parler la camera, de façon libre, audacieuse, mais aussi poétique. Il fait une plongée onirique, presque surréaliste, dans un univers ondulant et imaginaire.
Né à Valence, Il se partage entre Mulhouse et Paris. Diplômé du Concervatoire National Supérieur de Musique de Paris en 1971, il intègre le Groupe de Recherche Musical (GRM) de l’ ORTF et expérimente les médiums artistiques.
Il réalise une installation vidéo permanente à Lille sur le site Euralille (1995) et participe avec ses installations vidéo depuis 1997 à différentes expositions internationales d’Art Contemporain : Suisse, Italie, Allemagne, Canada, Pérou, USA, France : Frac Sélestat.

Lauréat de la Villa Médicis Hors les Murs en 1992, son oeuvre 7 visions fugitives remporte le Grand prix du Videokunstpreis du ZKM et de la SDR en 1995.

À ses côtés s’installent deux jeunes femmes sorties des ateliers d’arts plastiques de Colmar : Catherine Meyer-Baud et Céline Trouillet., dont je vous parlerais dans un autre billet.
Robert Cahen sculpte le temps” Marc MERCIER,
Dans sa toute première œuvre, il aborde son premier essai vidéo : L’invitation au voyage, sur un poème du psychanalyste Jo Attié, encore empreint de son expérience de chercheur qui tente toujours d’expérimnter les machines à contre-courant sans but précis, mais avec une démarche très personnel. Selon ses propres mots, il met beaucoup de lui-même dans ce film tel : « Un jeune auteur qui découvre un nouveau langage auquel il apporte sa propre poétique »cimg0003.1233786273.JPG
Traduire le mouvement, la pesanteur des choses qui tombent ou le temps font partis des thèmes de réflexion récurrents dans son travail, comme le montre l’importance qu’y prend le ralenti
Sur le quai, (1978)  est un travail en noir et blanc sur le ralenti qui « fictionne la réalité », constitué d’un seul plan de séquence. Ce court métrage, qui fait allusion à sa manière, à « l’arrivée d’un train des frères Lumière » fut tourné avec une caméra à très grande vitesse, dans le but de rendre les mouvements des personnes et des objets quasi imperceptibles. La vitesse du train est comme arrêtée et l’image, comme suspendue en équilibre sur la frontière en tre le mouvement et l’immobilité, objet de fascination pour Robert Cahen.
Il réalise en 1983, Juste le Temps, fiction vidéo de treize minutes, considérée comme une oeuvre charnière pour la vidéo des années 80 Cette oeuvre est achetée par le Moma à New York ou par le centre Pompidou à Paris.
Horizontales couleurs, le Spectotron,  ( 1979 )est un film de 16 mn entièrement réalisé grâce à un synthétiseur-vidéo. Appareils qui génèrent des formes à partir de constituants électroniques. Appareils dont le créateur est Nam June Paik.
Entr’aperçu (1980) est constitué d’une superposition d’image, où se meuvent des objets en mouvement, des paysages à la Magritte, la foire du Trône, les manèges, un train, un oiseau qui traverse le paysage, la pluie, une péniche, voilés par une résille, qui incite à voir et à revoir le mystère créé
robert-cahen-cartes-postales.1233786794.JPGEnsuite c’est une série de vidéos, présentées comme des cartes postales de paysages, paysages qui s’animent, prennent vie, enregistrent de petits événement, surprenants, mais aussi attendus, pour revenir à son stade initial figée à nouveau, un invitation au voyage.

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Art is Arp

arp-lutin.1232855931.jpgHomme libre Hans Arp ne veut pas mettre de frontière entre les gens, les pays, qu' il  traverse. Né en 1886 à Strasbourg, il est allemand et se prénomme Hans, il s’appellera Jean en 1926 lorsqu’il devient français. Avant d’être un sculpteur c’est d’abord un poète. Ses œuvres sont conçues pour se fondre dans la nature. Images joyeuses, ludiques, facétieuses, mais aussi dramatiques en raison de ses origines, déchiré entre deux cultures, il les raconte à travers son travail politique. Le processus de création est le fil conducteur de l’exposition.
  L’ovale sous toutes ses formes, il l’étend, le divise, le peint,  se l’approprie comme un processus génétique. Abstraction et surréalisme est la synthèse de cet artiste cosmopolite. Mais au terme d’abstraction il préfère celui d’ « art concret ». Il annonce, « nous voulons produire comme une plante qui produit un fruit et non pas reproduire. »arp-roue-oriflamme-gianadda.1232856194.jpg

Il créé un véritable langage, l’ovale est d’une grande cohérence dans son art. Il laisse faire le hasard, soit il l’invente.

 « Je suis né dans la nature, je suis né à Strasbourg, je suis né dans un nuage », avec l’alsacien Hans Peter Wilhelm Arp, le triple jeu de la langue marque son identité à l’ombre de la cathédrale.

C’est à Strasbourg qu’il participe à la transformation de l’Aubette, en collaboration avec sa femme Sophie Taeuber et avec l’artiste  Theo van Doesburg. Travail considéré, comme la chapelle Sixtine de l’art moderne, car c’était l’implication de tous les principes de l’œuvre d’art totale.

C’est au cabaret Voltaire à Zurich, qu’il signe l’acte de naissance du mouvement Dada, avec Tristan Tsara. C’est là qu’il crée le « nombril du monde » « Dada est pour la nature et contre l’art » Mais aussi les cadavres exquis et toute la création Dada, les collages, les papiers déchirés reflet de l’actualité oppressante et dramatique.
arp1.1232856033.JPGPuis c’est Paris, puis Clamart Meudon, havre de paix où il séjourne avec l’amour de sa vie Sophie Trauber Arp, qu’il se met réellement à la sculpture.

Ces créations renvoient à des formes archaïques, intemporelles, oniriques, symboliques, inspirées par la nature (l’œuf, le nuage, le nombril, l’embryon) C’est une poésie personnelle, des collages en forme de poèmes, des poèmes enforme de collage, tout est cohérent. Il concilie, l’humain, la nature, les courbes géométriques, dans une belle harmonie. Cela aboutit à des formes biologiques mais aussi à un abécédaire secret, en quête d’origine primitive.

C’est ici que le terme concrétion prend toute sa signification.

 Tantôt torse, tantôt vase, tantôt femme, tantôt animal, les formes arrondies, ondoyantes et fluides révèlent un univers épuré.

C’est au cimetière de Locarno, qu’il est enterré, la Villa Arp, foisonne de son abondante production  (800 pièces) et certaines de ses créations prêtées, sont visibles à l’exposition de Strasbourg, comme la femme paysage, les 3 grâces, fruit de lune. la femme amphore,  ailleurs des  tables-forêts. Il mélange les règnes, les échelles, unit, dans ses  » constellations ».

Proche de Miro et de Klee, Arp a un imaginaire débordant, que l’on peut parcourir parmi les 180 objets, qu’expose le Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg, à l’occasion de son 10ieme anniversaire et ceci jusqu’au 15 février 2009.

le livre de l’exposition et la vidéo de FR3

 photos 2 et 3 de l’auteur les oeuvres se trouvent à la Fondation Gianadda – Martigny – Valais   Suisse

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George Nelson

Le designer américain George Nelson aurait eu 100 ans en 2008.

Pour cette commémoration, le Vitra Design Museum de Weil am Rhein, (architecte Frank Gehry) présente la première rétrospective complète de son œuvre. George Nelson qui a étudié l’architecture à Yale, fut l’une des figures prédominantes du design américain au cours de la seconde moitié du XX° siècle.musee-vitra.1233613798.JPG

Il est un créateur à la vision futuriste, révélant un penchant particulier pour les formes ludiques et l’utilisation de matériaux nouveaux pour le mobilier. L’idée des objets de notre quotidien   a  germé dans le cerveau de ce personnage

Certains grands classiques du design moderne de meubles et d’intérieurs ont vu le jour dans son bureau :

coconut-chair-georges-nelson.1232001322.jpgCoconut Chair

Cette création est typique du design des années cinquante qui se caractérise par une ligne pleine d’humour, des formes pures et l’utilisation parcimonieuse de matériaux. Nelson lui-même la comparait à un éclat de noix de coco qui se serait ouverte en huit morceaux, la couleur du Coconut Chair étant inversée : la coque extérieure de l’assise en matière synthétique blanche, le rembourrage d’une seule pièce est disponible en plusieurs coloris. En reprenant la forme naturelle et spatiale d’une coque, Nelson créa un fauteuil accueillant et confortable permettant à l’utilisateur d’adopter librement les positions les plus diverses. L’ottoman que Nelson dessina en 1955 en complément du fauteuil, augmente encore son confort d’assise et ses possibilités d’utilisations. Un autre chaise aux courbes élégantes, au nom assez comique Pretzel Chair

 Marshmallow sofa de 1956  
    georhes-nelson-marshmallo-sofa.1232001396.jpgCette création de Nelson transforme le canapé traditionnel en un rapport en trois dimensions composé de 18 coussins multicolores porté par une simple structure métallique. Ses lignes et sa structure inhabituelles font du Marshmallow Sofa un canapé exceptionnel dans l’histoire du design. Un élément de rallonge composé de 6 coussins peut être monté entre deux canapés, qui peuvent ainsi être agrandis à volonté. Elle fut un véritable flop au début de sa création.

Ball Clock
Par la diversité des matériaux utilisés et leurs formes sculpturales, les horloges de George Nelson incarnent l’esprit des années cinquante. Même de nos jours, ses horloges restent une alternative pleine de fraîcheur aux objets habituels de mesure du temps. Le Vitra Design Museum réédite ces créations très recherchées par les collectionneurs dans leur forme d’origine.  La Sunflower Clock est un vrai must.georges-nelson-sunflower-clock.1232001514.jpg
 Bubble lamps 1952
George Nelson n’était pas seulement  un designer couronné de succès, mais également  un auteur, publiciste et enseignant remarquable, un organisateur d’expositions et un photographe passionné. Dans ses nombreux essais sur le design, il a été l’un des premiers designers à réfléchir sur les conditions de travail, c’est ainsi qu’il dessina le bureau en L, qui ont été si familiers à une époque.
Le Home Desk
home-desk.1232002760.jpgMeuble à la fois élégant et décoratif, avec son piètement filigrané minutieusement façonné et une touche discrète de couleurs, le Home Desk s’inscrit parmi les chefs-d’œuvre du designer George Nelson. Conçu à l’origine comme un secrétaire pour dames, il représente aujourd’hui un petit poste de travail pour l’habitat.
Le langage formel aux lignes claires et droites du Bench révèle la formation d’architecte de Nelson. Comme de nombreux classiques du design, le Bench offre une large palette d’utilisations et peut aussi bien servir de banc que de table d’appoint.
  

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Julio Galeote Inside, out

À la manière de Georges Perec qui interroge le quotidien pour atteindre l’universel, cet artiste s’est confronté à nos « espèces d’espaces ».

Jeune photographe de la nouvelle scène artistique espagnole, membre du Grupo 594, Julio Galeote vit et travaille à Madrid. Après une formation d’ingénieur en électricité, puis des études dans une école d’art, il choisit dans un premier temps de mener de front les deux activités. Depuis peu, il se consacre uniquement à son travail photographique. L’exposition à La Filature de Mulhouse sera sa première exposition en France.
Avec la série Inside, Out, Julio Galeote mène une expérience photographique tout à fait singulière. Par une démarche qui relève à la fois du travail « classique » de photographe de studio et de l’installation proche de l’art contemporain, Julio Galeote révèle la manière dont nous marquons nos espaces, qu’ils relèvent du domaine privé ou de la sphère du travail. Pour mettre en œuvre cette approche, le photographe a fait réaliser un cube en plexiglas dans lequel il organise, de manière méticuleuse et précise, l’agencement de tous les objets présents dans la portion d’espace qu’il souhaite saisir. Cette « réorganisation » par l’artiste du rapport qu’entretiennent entre eux des objets déposés par l’occupant prend alors la forme d’une « sculpture » d’objet, mais aussi d’un tableau dans le tableau. La vue de certains tableaux de l’exposition actuelle du Kunstmuseum de Bâle , avec les cartouches, me font penser au cube, qui n’est pas carré …. de Juilio Galeote. L’opération terminée, il place la boîte au centre de l’espace pour en réaliser une photographie qui capte à la fois cette boîte et l’espace environnant. Ainsi, lorsqu’il photographie une bibliothèque, il range le contenu de cette bibliothèque dans la boîte transparente et photographie cette même boîte avec les livres qu’elle contient devant le meuble vidé de son contenu. À sa manière ludique et esthétique, Julio Galeote nous invite à une réflexion sur notre façon de nous approprier « nos espaces » et de marquer « notre territoire ». Il nous donne à voir ce qu’est l’espace dans une sorte de « neutralité » avant son appropriation, mais aussi, par les éléments de cette appropriation, une sorte de carte d’identité, composée d’une constellation d’objets, sur l’occupant des lieux. Sa technique de photographie à l’argentique, rappelle celle de Patrick Bally Maître Grand , elle en possède la chaleur, tout en procédent d’une réflexion totalement différente dans son approche du sujet choisi. La perfection est tout aussi présente que chez Andreas Gursky, mais avec des sujets de notre environnement sociétale et sans la froideur plastique de celui-ci.
Une partie de ce travail a été réalisée à Mulhouse lors d’une résidence en décembre 2007 (Musée de l’Impression sur étoffes, l’usine DMC, la salle de répétition de l’Orchestre Symphonique de Mulhouse.

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Tranches de Quai

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A l’occasion d’une semaine d’ateliers avec des artistes invités, Le Quai, école supérieure d’art de Mulhouse, a ouvert ses portes le temps d’une soirée artistique et festive (performances, expositions, travaux d’étudiants, dégustations ???, etc.). Avec, dans le désordre, Anne Immelé, visagéité/subjectivité, Daniel Clochey, Rouge Gravure, Christian Savioz, Comics Back, Lionel Marchetti, Sonic Boom, Cécile Meynier – Dérapage, Lukas Hartmann, La grille topographique, Olivier Millagou, sans Issue et bien d’autres surprises ! Programme éclectique pour la première tranche de Quai ce jeudi, cela démarre avec un orchestre d’accordéons, de l’Ensemble Escadon, il faut prêter l’oreille pour entendre les différents airs, qui sont originaux et qui n’ont rien à voir avec ce qui est joué habituellement avec cet instrument. C’est étrange et envoutant. Puis Vincent Croguennec nous conte « une histoire à la noisette » adorable petit film fait de découpages, astucieusement monté, avec un délicieux humour. Isabelle Chaffard en soliste à l’accordéon nous interprète Ispaniada de W. Zolotarioz, dans le brouhaha de la foule, elle arrive à capter l’attention, suivi de Vegelin suite de J. de Haan par l’ensemble Escadon. Performance de « noble art » avec Hakim, Hatem, Julien, Osan de l’ASM Boxe, intitulé « des Coups, des coups et encore des coups …. fins comme des allumettes les jeunes boxeurs, ont impressionné le public et le petit chien…..
au-quai-le-6-novembre-2008-008.1227493284.jpg Puis ce fut au tour du directeur du Quai David Cascaro de nous conter en images, avec une sono stridente, le voyage en Malaisie, accompagné en musique à l’ordinateur, par d’Alex Kittel et sa composition, illustrant parfaitement la projection. Cette fable est l’histoire d’un jeune homme qui part avec sa Simca 1000, qui se crache, passe de l’autre côté du miroir, puis émerge lentement de son coma, de son voyage en Malaisie, qui peu à peu reprend conscience des personnes qui l’entourent, par flash, puis qui se rétablit, histoire qui laisse un sentiment indéfinissable.

Puis nous assistons à la conférence de Marie-Chantal – Gaëlle Fratelli, flanquée de 2 gardes du corps, costumés, lunettés, Pasquale Nocera et Fernando Pasquini. Elle nous explique que notre façon de nous vêtir dévoile notre personnalité. Puis soudain, pour illustrer son propos et nous convaincre que l’habit fait le moine … elle dévêt un des garde du corps qui rapidement se retrouve en caleçon, puis le second suit le mouvement pour ne pas être en reste. Pour corser l’affaire elle leur impose un déguisement à trouver dans un temps imparti, et les 2 compères se lancent dans une danse échevelée visible sur la vidéo ci-dessous attendez que la vidéo soit chargée entièrement pour la visionner.

la soirée s’est poursuivie au Noumatrouf 
photos et vidéo de l’auteur

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Waoouhhh !

Waoohhhh ! Par elisabeth, 22 octobre 2008 à :: Expos régionales Une fois encore, le Crac étonne par son choix diversifié, étonnant, détonnant. A nouveau, l’équipe de Sophie Kaplan a réussi son pari de réunir des talents à l’imagination plus que fertile. Dans le 1er volet de « Waoohhh, Le merveilleux dans l’art contemporain », treize artistes de la scène internationale proposent leur vision de notre société et nous plongent dans leur monde singulier rempli de rêves et de science-fiction. Si les locaux du Crac ont subi une grande rénovation, en entrant, à peine franchi les quelques marches, le spectateur se dit que les travaux sont loin d’être achevés. En lieu et place du bureau d’accueil, sur un amas de gravier et de terre des centaines d’araignées lumineuses tentent de gravir le monticule. À y regarder de plus près, c’est d’une œuvre dont il s’agit : « Araignées ». Celle d’un jeune Suisse, Vincent Kohler qui, du haut de ses 21 ans, se fait un malin plaisir à surprendre. Il met en scène un curieuse montagne, plutôt un rocher fumant, grondant, un volcan en phase menaçante, portant bien son titre inquiétant de rocher du diable. L’Anglaise Zoë Mendelson a recréé une salle de classe. « La cyclo teacher », une fresque avec des éléments hétéroclites et des pupitres en carton.
En arrivant au premier étage, le titre de l’exposition vous apparaît de façon lumineuse,  » Waoohhh » devant un gigantesque haricot vert jubilatoire, une exubérance qui envahit la grande salle, dévore l’espace. Son auteur, le Portugais João Pedro Vale, est influencé par les contes de fées,mais c’est aussi une avant première de la Forêt Enchantée d’Altkirch.
 Gaëlle Hippolyte et Lina Hentgen ont dessiné à quatre mains des œuvres fantastico-loufoques qui répondent aux sculptures de Johnston Foster qui a l’art de recycler nos déchets en nous interpellant sur notre société de consommation, corne d’abondance d’où dégouline un amas hétéroclyte, telle une nature morte. Ou encore une autre compostion faite de club de golf surmontée d’un oiseau peut-être cible du chasseur « Rangerdanger »
Stéphane Thidet de retour au Crac, mais aussi présent à la FIAC, dessine sur un billard une montagne lieu d’une très haute valeur symbolique inaccessible au commun des mortels et pourtant si poétique. Une sorte de quête d’un ailleurs. Il nous précise « le titre pourrait théoriquement exister au milieu de cette table »
Le facétieux Pierrick Sorin réalise des courts-métrages et des dispositifs visuels dans lesquels il questionne avec humour et désespoir, tel un leitmotiv sous-jacent, la condition humaine, la place et le rôle de l’artiste ainsi que le processus créatif. Pour se faire, il adopte une démarche intellectuelle et humoristique à la croisée de la magie et du burlesque. Il n’a de cesse de manipuler les codes de l’audiovisuel et de détourner les stéréotypes. Acteur principal de ses oeuvres, il investit le rôle de l’antihéros dans des situations absurdes et facétieuses, autant de clins d’oeil aux illustres Buster Keaton, Jacques Tati et, plus récemment, Mister Bean. S’inscrivant dans l’héritage d’Emile Raynaud, Pierrick Sorin réinvente avec fantaisie les Petits théâtres optiques, où, à l’image des hologrammes, des personnages filmés évoluent dans de vrais décors et des objets réels. Juste pour vous donner envie de voir la suite… Son DJ vaut son pesant de dérision. Entre contes et mythes, nouvelles technologies et science-fiction, l’oeuvre de Nicolas Darrot dessine les contours d’un monde imaginaire peuplé de chimères et d’automates. Dans cette « fantaisie » à la fois ludique et poétique, l’artiste raconte l’histoire de métamorphoses impossibles et explore une réalité ambiguë, nourrie par un imaginaire où se côtoient différents univers. Le Cerf Macroterminitae, subtile référence à l’imagerie religieuse médiévale du Christ en croix, est un automate dissimulé sous un voile qui, dans un enchaînement de mouvements mécaniques, se dresse peu à peu, jusqu’à pouvoir entièrement tourner la tête vers le ciel. Le merveilleux à l’œuvre dans la pièce de Darrot se rapproche de la conception médiévale, où la merveille relève indifféremment du miracle chrétien, de la magie ou de la mécanique et où l’art de l’enchanteur et celui de l’ingénieur sont mal différenciés.
Alice Anderson Dans ses films comme dans ses photographies, l’artiste franco-anglaise Alice Anderson revisite et invente des contes fantasmagoriques à la frontière entre réel et imaginaire, perversité et innocence, rêve et cauchemar. À travers ses histoires merveilleuses dont les hommes sont le plus souvent absents, elle décrit la cruauté des relations mère fille et interroge l’identité féminine. Les « contes freudiens » d’Alice sont des miroirs déformants qui reflètent les images multiples de ses héroïnes, d’elle-même et de chacun d’entre nous. Ses oeuvres révèlent la dualité essentielle du conte : derrière la fantaisie et le jeu se cache une réalité amère » (d’après Maud Jacquin). Dans la vidéo Bluebeard, Barbe Bleue est une femme. Elle habite seule dans une grande demeure. Un jour, une mère et son jeune fils (l’interprète est féminine) frappent à la porte. Barbe bleue les accueille. La fable qui se déroule alors est la scène où se nouent et dénouent de troubles relations entre les trois protagonistes. Une autre photographie évoque Peter Pan. Jouant de contrastes et d’oxymores, Christian Gonzenbach explore un univers qui se situe à la frontière du poétique et de l’effrayant, du quotidien et de l’extraordinaire, et où, peu à peu, tout semble changer de sens. Dans Waoohhh!, à l’instar des trophées de chasse, Christian Gonzenbach accroche aux murs ses Ordinary Tales, peaux de lapin gravées au laser. Entre tragédie et ironie, les Ordinary Tales narrent les aventures du Lapin Géant, issues de contes et légendes populaires et d’imageries collectives largement réinterprétés. Ainsi, en King-Kong, chassé par Diane, crée par Frankenstein ou encore terrassé par Saint-Georges, le lapin s’approprie différents rôles, à la fois drôles et sordides, qui l’inscrivent dans un cycle de vie et de mort. Les caniches géants de Michel Blazy avec leur pelage en mousse à raser semblent être fascinés par les bêtes terrestres et aquatiques de Bruno Pelassy qu’un simple son rend à la vie, au grand plaisir des tout petits. Fiers Caniches éphémères qui demandent un toilettage et une surveillance quasi quotidienne à la dynamique équipe du Crac. photos et vidéos de l’auteur la vidéo d’Alsatic

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