Catégorie : Arts plastiques

Jusqu’ au 4 janvier 2015,
le Kunstmuseum de  Basel présente une sélection de plus de cent oeuvres de la
collection privée de Richard et Ulla Dreyfus-Best.
Pour la première fois, cette exposition permet à un large public de porter un regard exclusif sur l’interaction des oeuvres d’une collection incomparable aussi bien de par son exigence que par l’attitude individuelle qui a présidé à sa composition.
La collection est exemplaire de la perception contemporaine globale de l’art comme crossover : non plus structurée strictement selon les époques et les genres, mais en tant qu’entité globale et simultanée.

Ainsi trouve-t-on un buster rare du 12e siècle côtoyant des curiosités provenant de la nature ; des artefacts profanes contrastent avec des travaux de l’Ars erotica et de l’Ars religiosa ; des dessins de Maîtres du baroque sont confrontés à des peintures surréalistes, des oeuvres fantaisie maniéristes à des oeuvres symbolistes.

De nombreuses oeuvres de la collection privée bâloise de Richard et Ulla Dreyfus-Best ont pu être admirées pendant des années dans le monde entier, à l’occasion d’expositions importantes. Elles n’ont cependant jamais été présentées jusqu’ici dans leur propre contexte de collection.

For Your Eyes Only – pour la première et sans doute pour la seule et unique fois, cette exposition permet à un large public de porter un regard exclusif sur l’interaction privée de ces oeuvres.
A l’aide d’une sélection de plus d’une centaine d’entre elles, l’exposition tente de mettre en lumière l’univers éminemment spécifique de cette collection qui, de par son exigence et par l’attitude individuelle qui a présidé à sa composition, n’est comparable à aucune autre. En même temps se manifeste à cette occasion sa relation d’une brûlante actualité avec la question du pouvoir agissant de l’art, par-delà le temps et par-delà les âges.

A une époque où c’est le cross over qui détermine notre perception globale de l’art, la collection Dreyfus-Best peut s’enorgueillir de revendiquer un caractère d’exemplarité. Régie en l’occurrence par un principe directeur excluant tout hasard, elle met en présence des objets, des dessins et des peintures issus du Moyen-Âge précoce jusqu’à nos jours. Principe qui non seulement favorise l’originalité et la qualité au titre de critères inéluctables, mais présuppose aussi pour chacune des oeuvres un potentiel de référence particulièrement puissant quant à leur « artificialité » (au sens propre) : c’est un véritable cabinet contemporain des arts et des merveilles, à nul autre pareil, qui nous ouvre ses portes.

De même que sont confrontés Symbolisme et Pop-Art, de même se côtoient des artefacts profanes et des objets de l’Ars erotica et de l’Ars religiosa ; des dessins de Maîtres de la Renaissance et du Baroque affrontent les mondes des figurations mystérieuses du Surréalisme, des images oniriques et excentriques du 18e siècle rencontrent des oeuvres fantaisie du Maniérisme. Le dénominateur commun à toutes les oeuvres est une « artificialité » qui expérimente et convoque l’intégralité des possibles des formes de l’art, jusqu’à leurs limites les plus extrêmes.

Oeuvres de : Hans Baldung Grien, Hans Bellmer, Arnold Böcklin, Victor Brauner, Pieter Brueghel d. Ä., Angelo Caroselli, Giorgio de Chirico, Francesco Clemente, Salvador Dalí, Monsù Desiderio, Gustave Doré, Max Ernst, Johann Heinrich Füssli, Marten van Heemskerk, Jan van Kessel, Alfred Kubin, René Magritte, Man Ray, Gustave Moreau, Richard Oelze, Yves Tanguy et Andy Warhol.

Une collaboration avec la Peggy Guggenheim Collection, Venise.
Catalogue
Avec la contribution de Andreas Beyer, Bodo Brinkmann, Giulia Mazzolani, Christian Müller, Philip Rylands et Seraina Werthemann
Conférences
15.10. Andrei Pop: Füsslis Exzentrik
18.11. Der Kurator Andreas Beyer im Gespräch mit der Sammlerin Ulla Dreyfus-Best
17.12. Philip Rylands: Peggy Guggenheim – Doyenne of Surrealism
De 18h30 à 19h30 dans la salle de conférences du Kunstmuseum.
Entrée libre.
St. Alban-Graben 8, case postale
CH-4010 Basel
Heures d’ouverture (pour les deux musées)
Mar–Dim 10–18h,
Lundi fermé Le 25 et le 26 décembre 2014, le musée ouvert.
Le 24 décembre 2014, le musée fermé.
images courtoisie Kunstmuseum

C’est toujours un enchantement d’aller à la Fondation Maeght, blottie à St Paul de Vence, inondée par le soleil et rythmée par le chant des cigales.

Face à l’oeuvre jusqu’au 11 novembre.
« Oui mon cher Joan, nous réaliserons une oeuvre unique au monde » Correspondance d’Aimé Maeght à Joan Miró, 29 août 1959
La Fondation Marguerite et Aimé Maeght est un exemple unique de fondation privée en Europe. Inaugurée le 28 juillet 1964 par André Malraux, alors Ministre des Affaires Culturelles (INA), cet ensemble architectural a été entièrement conçu et financé par Aimé et Marguerite Maeght pour présenter l’art moderne et contemporain sous toutes ses formes.

Des peintres et des sculpteurs ont étroitement collaboré à cette réalisation avec l’architecte catalan Josep Lluís Sert en créant des œuvres, souvent monumentales, intégrées au bâtiment et aux jardins : la cour Giacometti, l’une des oeuvres « in situ » les plus connues au monde le labyrinthe Miró peuplé de sculptures et de céramiques, les mosaïques murales de Chagall et de Tal-Coat, le bassin et le vitrail de Braque, la fontaine de Bury…

Véritable musée dans la nature, la Fondation Maeght est un lieu exceptionnel qui possède une des plus importantes collections en Europe de peintures, sculptures, dessins et œuvres graphiques d’art moderne du XXe siècle (Bonnard, Braque, Calder, Chagall, Chillida, Giacometti, Léger, Miró, Ubac) mais également d’artistes contemporains (Adami, Calzolari, Caro, Del Re, Dietman, Kelly, Mitchell, Monory, Oh Sufan, Takis, Tàpies...).

Pour leur grande exposition d’été 2014, Adrien Maeght, président du conseil d’administration, et Olivier Kaeppelin, directeur de la Fondation Maeght, ont choisi de rendre hommage aux oeuvres, dans cet esprit de face à face singulier, favorisé par l’architecture épurée et lumineuse de la Fondation Maeght.
« La Fondation Maeght a toujours refusé les a priori sur les oeuvres. Elle est d’abord au service des artistes et de l’art, dans une passion partagée avec le public ; c’est ce qui la rend si unique. Je crois qu’Aimé Maeght nous a appris que l’expérience importante était ce moment précis où s’ouvrent, pour chacun d’entre nous, un espace, un temps, une surprise qui contribuent à inventer la pluralité des mondes » explique Olivier Kaeppelin.

Entre « chefs-d’oeuvre » et singularité, grands maîtres internationalement reconnus et artistes plus confidentiels, cette exposition souligne l’importance du regard et de toutes les facultés qu’il met en jeu. Ces face-à-face auront lieu avec Pierre Bonnard, Georges Braque, Alberto Giacometti, Joan Miró et Alexander Calder, mais également avec ceux qui sont encore aujourd’hui l’expression d’une conviction originale et d’une prise de risque. François Fiedler, Gérard Gasiorowski ou encore Richard Lindner rejoindront, comme le souhaitaient les fondateurs, les artistes contemporains récemment exposés par la Fondation.

Un héritage vivant. Ni musée, ni centre d’art, la Fondation Maeght est un lieu unique où, jour après jour, s’invente et se partage l’art. Comme le soulignait André Malraux lors de l’inauguration de la Fondation Maeght le 28 juillet 1964 : « ici est tenté quelque chose qu’on n’a jamais tenté : créer l’univers, créer instinctivement et par l’amour, l’univers dans lequel l’Art Moderne pourrait trouver à la fois sa place et cet arrière-monde qui s’est appelé jadis le surnaturel ».

Plusieurs artistes ont affirmé qu’Aimé Maeght leur avait permis, avec la Fondation, de réaliser leurs rêves ; de nombreuses générations de visiteurs racontent en retour y avoir découvert l’art. Cet héritage, vivant et partagé, est au coeur de l’exposition de cet été 2014.
« Face à l’oeuvre ». L’exposition met en perspective la manière dont Aimé Maeght avec son épouse Marguerite, puis Adrien Maeght et les équipes à leurs côtés, ont choisi les oeuvres. Pour leur univers, leur force d’expression, leur engagement comme leur poésie et la cohérence de leur puissance d’émotion. Sans préjugés, qu’ils soient théoriques ou esthétiques, ni réduction à la notion d’ « école », uniquement soucieux de la « présence de l’oeuvre », Aimé Maeght a toujours conduit son exigence artistique et son goût pour la découverte dans une réelle volonté de partager l’art avec autrui. Avec ses contemporains et, selon son espérance, avec les générations futures. C’est à partir de cette volonté que l’exposition présente au public à la fois des « chefs-d’oeuvre » et des oeuvres encore en proie à l’histoire et aux débats.

Les amoureux de la Fondation Maeght ont ainsi le bonheur de retrouver les grandes oeuvres qui ont marqué la création, les aventures de la Fondation comme les mémoires et la vie de ses visiteurs. Il s’agit également pour Adrien Maeght et Olivier Kaeppelin de proposer des oeuvres « surprenantes », qui rappellent l’importance de la force de conviction et de l’esprit de découverte, confiés en héritage à la Fondation Maeght.
« Revivre avec passion la beauté des oeuvres de Bonnard, de Braque, de Derain comme éprouver l’intensité toujours croissante d’un grand Gasiorowski en train de prendre sa place dans le siècle, c’est tout le plaisir que nous souhaitons offrir aux visiteurs de Face à l’oeuvre » explique Adrien Maeght.
200 000 visiteurs viennent chaque année à la Fondation Maeght qui a réalisé plus de 100 expositions monographiques ou thématiques depuis son ouverture.
Une salle montre des sculptures de Giacometti, ainsi que 3 portraits que l’artiste a réalisés pour Marguerite Maeght et dédiés à celle-ci.

La Fondation Maeght est dédiée, selon la volonté de ses fondateurs, à la création de notre époque. Lors des expositions temporaires, seule une partie de la collection permanente est exposée. A partir de ses collections, de nombreuses expositions sont également organisées, chaque année, dans des musées en France et à l’étranger.
La Saga Maeght

Yoyo Maeght, petite-fille d’Aimé, raconte le quotidien de sa famille élargie, ou artistes et écrivains se côtoient et travaillent. Elle livre ses souvenirs d’une vie passée dans un tourbillon de vernissages, fêtes, expositions, projets, échecs et réussites, drames et joies, entre Paris et Saint-Paul-de-Vence. Elle évoque aussi les fractures qui vont progressivement disloquer la famille.
La Saga Maeght est à la fois l’épopée d’une dynastie amoureuse des arts sur trois générations, digne d’un roman policier, l’aventure triste d’un clan déchiré à la mort du patriarche et un voyage dans l’intimité des plus grands artistes de notre histoire contemporaine.
lecture conseillée
Photos courtoisie Fondation Maeght
sauf  la 1/4/5/6

Musée d’art moderne et contemporain, Genève
10, rue des Vieux – Grenadiers CH-1205
Genève
www.mamco.ch
Cycle Des histoires sans fin, séquence été 2014, 25 juin — 21 septembre 2014
Tatiana Trouvé

Le Mamco présente « The Longest Echo/L’Écho le plus long« , une exposition de Tatiana Trouvé (née en 1968 à Cosenza (Italie), vit et travaille à Paris) qui réunit un ensemble de travaux développés par l’artiste depuis le milieu des années 2000 jusqu’à aujourd’hui. Sans être une rétrospective, L’Écho le plus long propose un vaste choix d’oeuvres qui occupe en totalité les deux premiers étages du musée et qui se concentre sur un ensemble de séries structurant ce travail.

La constitution d’un espace en prise avec le développement de phénomènes psychiques est au coeur de l’oeuvre de Tatiana Trouvé. Le Bureau d’Activités Implicites, ou B.A.I., commencé en 1997, et déjà montré au Mamco en 2004, en fut le premier élément. Il s’est développé en différents « Modules », qui sont autant de lieux de travail et de concentration dont on ne sait précisément si la fonction consiste à produire des pensées ou à recenser les traces de l’activité de l’artiste. Cette recherche s’est poursuivie dans la réalisation de Polders, espaces en réduction se greffant à des espaces déjà là : énigmatiques, combinant des éléments faisant référence à des univers hétérogènes (sport, médecine, musique…), les Polders (présentés au 1er étage) portent l’empreinte d’une expérience rêvée.

De semblables échanges entre espaces physiques et psychiques sont aussi à l’oeuvre dans les dessins de Tatiana Trouvé, dans la série Intranquillity, notamment, qui présente des architectures intérieures dont l’étrangeté est immédiatement perceptible : quelque chose, quelqu’un, semble avoir disparu ou tout au moins fait défaut, ce dont témoignent la disposition des lieux et la coexistence des objets. Ici, comme dans ses installations, l’artiste nous engage à croire que la réalité d’un lieu, sa vérité, ne peuvent se réduire à ce que l’on en voit, que dans leurs déploiements (titre d’une autre série de dessins) et dans leurs plis, les espaces ne sont ni stables ni fixes, mais frémissants et flottants. Une large place est d’ailleurs accordée au travail graphique de l’artiste dans cette exposition.
Ainsi sur le Plateau des sculptures, au premier étage du Mamco, une vaste structure métallique inventée par Tatiana Trouvé permet l’exposition d’une quarantaine de dessins de grand format et envahit l’ensemble de l’espace. C’est la première fois qu’un tel dispositif est conçu et montré.
Tout se passe donc comme si, pour Tatiana Trouvé, non seulement les lieux disposaient d’un inconscient, mais aussi comme si l’espace et le temps présents n’étaient guère plus
qu’un fragment d’un espace et d’un temps beaucoup plus étendus.
Ses oeuvres parmi les plus récentes en portent encore directement la marque,
comme 350 points à l’infini (un champ magnétique perturbé où des fils à plomb pointent dans des directions différentes),

I Tempi Doppi (qui propose une vision stéréoscopique du temps à travers deux ampoules reliées l’une à l’autre, la première allumée et la seconde éteinte), ou encore I Cento Titoli (une sculpture qui dispose de cent titres, pour cent ans…).
La construction de l’oeuvre de Tatiana Trouvé est comparable à la croissance d’un monde structuré par la redistribution, l’altération, la modification et le redéploiement permanent des éléments qui le composent. Car les forces créatrices de la mémoire sont au coeur de cette oeuvre : mémoire du vécu, des pensées, des projets, des formes…
Pour le Mamco, Tatiana Trouvé a élaboré, en fonction de l’identité architecturale du lieu, un nouveau et ample visage de cet univers en perpétuelle métamorphose.
L’Ombre du jaseur (d’après Feux pâles)
Au quatrième étage l’exposition : L’Ombre du jaseur (d’après Feux pâles), présentée à l’occasion de la rétrospective Philippe Thomas au printemps, est prolongée.
En 1990, Philippe Thomas est invité par le capc Musée d’art contemporain de Bordeaux à concevoir l’exposition Feux pâles. Sous couvert de son agence les ready-made appartiennent à tout le monde, il voit dans l’invitation du musée l’occasion d’élever le principe de fiction développé dans ses travaux précédents à la hauteur de l’institution, lieu neutre d’un savoir scientifique, généralement peu suspecté de partialité.
L’Ombre du jaseur présentée par le Mamco, n’est pas une reprise littérale de l’exposition-oeuvre Feux pâles – proposition aujourd’hui vouée à l’échec – mais se conçoit comme une exposition dans l’ombre de la première.
Dans l’espace consacré aux Collections aux Collections du 3e étage, le Mamco propose un accrochage inédit.

Le Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne accueille un ensemble exceptionnel d’oeuvres en provenance de la Galerie nationale Trétiakov, à Moscou.
Quelque 70 peintures retracent les grandes heures de l’école de paysage russe des années 1855 à 1917, du début du règne d’Alexandre II à la révolution d’Octobre.
Jusqu’au 5 octobre 2014
D’un continent l’autre, alors qu’à la Fondation de l’Hermitage de Lausanne on célèbre les peintres de l’Amérique du 19e siècle, le musée cantonal de Lausanne expose les chefs d’oeuvre du musée Trétiakov de Moscou.

Si l’apport de l’école russe à la modernité débute pour beaucoup avec l’avant-garde des années 1910, la rupture avec l’art académique se situe dès le milieu du XIXe siècle. Une nouvelle génération d’artistes refuse de se soumettre au diktat de l’Académie impériale des Beaux-Arts à Saint-Pétersbourg. Abandonnant les sujets bibliques et mythologiques, elle part à la découverte des moeurs et des paysages russes, elle revisite son passé dans le contexte fortement politisé de l’affirmation d’une identité nationale, de l’abolition du servage et de la croyance portée par l’intelligentsia d’une contribution décisive à la construction d’une société moderne et démocratique.
Dans ce contexte de profondes mutations, le paysage joue un rôle déterminant. Avec la peinture de genre, c’est lui qui, pour les contemporains, se révèle le meilleur traducteur de l’« âme » et de la « terre » russes. À l’époque de la plus grande expansion territoriale de la Russie, les peintres explorent les mers, les montagnes et les forêts du vaste Empire. Ils observent les cieux, le défilé des saisons de l’aube à la nuit, ils s’attachent à la représentation des coutumes paysannes, des architectures rurales et citadines. Rejetant les paysages italianisants en vogue jusqu’alors, la nouvelle école s’inspire des réalismes historiques (l’école hollandaise du XVIIe siècle) et contemporains (l’école de Düsseldorf, l’école de Barbizon, l’impressionnisme). Ces courants nourrissent stylistiquement une vision de la nature certes réaliste, mais aussi à forte dimension narrative et symbolique.

La peinture de paysage de cette époque présente une mosaïque complexe et frappe par sa diversité, par les fortes individualités artistiques qui la représentent et par le dynamisme de son développement. On y distingue le paysage lyrique ou « paysage d’humeur » (Savrassov, Kaménev, Lévitan, Polénov), les prolongement du paysage romantique (Aïvazovski, Vassiliev, Kouïndji), la tendance naturaliste et documentaire (Chichkine), et enfin la tendance académique (Lagorio, Bogolioubov, Mechtcherski).
Entretenant des liens étroits avec les écrivains de l’âge d’or de la littérature russe (Tchékhov, Tolstoï, Tourgueniev, Dostoïevski), et avec les musiciens du Groupe des Cinq (Rimski-Korsakov, Borodine, Moussorgski), mais aussi avec une nouvelle génération de critiques d’art (Vladimir Stassov), les artistes représentés dans l’exposition sont membres ou entretiennent des liens étroits avec la Société des expositions artistiques ambulantes, instrument de diffusion de leur art auprès d’un plus large public. Les Ambulants organisent des expositions qui s’arrêtent dans les principales villes de l’Empire : outre Saint-Pétersbourg et Moscou, Orel, Kiev, Kharkov, Kichiniov, Odessa, Varsovie, entre autres. Leurs oeuvres sont collectionnées par un nouveau type de mécènes, issus non plus de l’aristocratie, mais de la bourgeoisie d’affaires ou industrielle moscovite, tels Savva Mamontov, qui rassemble autour de lui les artistes dits du Cercle artistique d’Abramtsévo, ou Pavel Trétiakov, le plus grand collectionneur d’art réaliste russe. Trétiakov fonde la première galerie d’art national russe, qu’il offre à la ville de Moscou en 1892.
La Galerie nationale Trétiakov, organisateur de l’exposition à découvrir à Lausanne, est aujourd’hui, avec le Musée d’Etat russe de Saint-Pétersbourg, la plus grande collection d’art russe au monde.
Commissaires de l’exposition : Tatiana Karpova, vice-directrice de la Galerie nationale Trétiakov à Moscou, et Catherine Lepdor, conservatrice en chef au Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne
Quelques thèmes et leurs représentants principaux :
La forêt

Ivan Chichkine (1832-1898.) est surnommé le « patriarche de la forêt » par ses contemporains. Principal représentant de la tendance objective du réalisme, son art, épique, monumental, résolument optimiste, repose sur une analyse scientifique de la nature. Son langage est clair et précis. Son sujet de prédilection est la forêt de chênes ou les conifères, qui restent toujours verts. Sa saison favorite est l’été, et le moment de la journée qu’il préfère est le midi. Son monde repose sur des valeurs pour lui fondamentales: la terre, le pays natal, le peuple, la splendeur de la vie.
La mer

Figure tutélaire, Ivan Aïvazovski (1817-1900, ) bâtit sa réputation sur sa virtuosité exceptionnelle dans la représentation de la mer, des tempêtes et des naufrages. D’une productivité hors du commun (il a peint près de 6’000 tableaux, le plus souvent monumentaux), il porte à travers tout le XIXe siècle l’héritage du néoclassicisme et du romantisme. La mer est ainsi pour lui à la fois une métaphore du caractère imprévisible des revirements du destin et le symbole d’une puissance qui ne se laisse pas dompter, celle d’un peuple à la conquête de sa liberté.
Le ciel

Isaak Lévitan (1860-1900,) est un des principaux représentants du paysage lyrique ou « paysage d’humeur ». Proche ami de l’écrivain Anton Tchékhov, ils sont liés par leur appréhension lyrique de la nature, leur vénération de la beauté, du mystère du monde. La peinture de Lévitan, extrêmement construite et statique dans ses formes, nerveuse dans son traitement, résulte d’observations synthétisées en atelier. Son caractère émotif et solennel se traduit par la juxtaposition de larges coups de pinceau et une appréhension par larges surfaces colorées.
Les Nocturnes

Arkhip Kouïndji (1842-1910,), un des peintres les plus originaux de sa génération, est fasciné par la manière dont le nature est transfigurée par l a lumière. On l’a baptisé
l’« adorateur du soleil et de la lune ». Le traitement synthétique des formes, la transformation du volume en silhouette, le renforcement des contrastes de lumière et de couleur, apparentent ses paysages au clair de lune à des panneaux décoratifs ou à des décors de théâtre qui en font un précurseur de l’art nouveau, un compagnon de route des symbolistes.
Le printemps

Avant Alekseï Savrassov (1830-1897,), la nature russe n’était pas considérée comme digne d’être représentée. On lui préférait les paysages d’Italie. Savrassov est l’inventeur du « motif » du printemps, non plus saison des émois amoureux, mais métaphore privilégiée du renouveau, des changements politiques et sociétaux tant espérés à l’époque de l’abolition du servage. Ce motif connaîtra après lui une grande fortune, répété en peinture d’Igor Grabar à Mikhaïl Larionov, en musique de la Sniégourotchka – La Demoiselle des neiges – de Nikolaï Rimski-Korsakov au Sacre d’Igor Stravinski.
L’été

Ilia Répine (1844-1930,) est le plus connu des peintres ambulants, mouvement dont il est le fer de lance et la vitrine à l’étranger. Son oeuvre a été influencée par l’impressionnisme français durant son séjour à Paris. Fin coloriste, brillant observateur des physionomies, il est amoureux de la vie dans toutes ses manifestations.
Ses scènes champêtres de la vie à la datcha lui vaudront les remontrances de son
ami l’écrivain Lev Tolstoï pour qui l’artiste doit se mettre au service de la société,
oeuvrer à son éducation et contribuer à son élévation morale.
Comme un air de Camille Monet avec ses enfants.
 
L’hiver

De la génération qui suit celle des premiers peintres ambulants,
Boris Koustodiev (1878-1927,) est un des élèves d’Ilia Répine. Il adhère à l’Union des artistes russes, association moscovite où la peinture acquiert une diversité de couleurs
accrue, et s’affranchit des tons lourds et sombres pour devenir plus aérienne, plus
solaire. Ces peintres, dont les oeuvres résonnent en mode majeur, frappent par
leur vivacité morale, leur regard optimiste sur le monde et leur foi dans l’avenir. Les
oeuvres hivernales de Koustodiev entretiennent de grandes affinités avec l’art des
miniatures laquées de Palekh.
42 artistes sont exposés.
L’exposition est organisée avec le soutien généreux du Consulat honoraire de la
Fédération de Russie à Lausanne, à l’occasion du 200e anniversaire de l’établissement
de relations diplomatiques entre la Russie et la Suisse.
Audio-guide  : En français et anglais, gratuit

CONFÉRENCES À 18H30 entrée libre
Je 4 septembre:
Entre devoir de réalisme et désir de modernité.
La littérature russe à la fin du XIXe siècle et au début du XXe, par Jean-Philippe Jaccard,
professeur ordinaire de littérature et de civilisation russes à l’Université
de Genève
Je 11 septembre:
Un art nouveau à la redécouverte de la Sainte-Russie;
photographies en Russie, 1840-1914, par Dominique de Font-Réaulx,
conservateur en chef au Louvre, directrice du Musée Eugène-Delacroix
photos et texte courtoisie du musée cantonal des Beaux Arts de Lausanne

L’ exposition de la Fondation de l’Hermitage à Lausanne : Peindre l’Amérique Les artistes du Nouveau Monde (1830 -1900)  est visible jusqu’au 26 OCTOBRE 2014
 

A l’occasion de son 30ème anniversaire, la Fondation de l’Hermitage présente une exposition exceptionnelle consacrée à la peinture américaine du XIXe siècle. Centrée autour des genres du paysage, du portrait et de la nature morte, cette manifestation réunit un ensemble d’œuvres réalisées entre 1830 et 1900, et pour la plupart présentées pour la première fois en Europe. Encore peu connue du grand public européen, la peinture américaine, dont l’essor fut considérable au XIXe siècle, est présentée au travers de plus de 90 œuvres.

Le paysage est à l’honneur, avec les artistes de la Hudson River School (Thomas Cole, Jasper F. Cropsey, Albert Bierstadt, Frederic E. Church et Thomas Moran) et du mouvement luministe (John Kensett, Fitz Henry Lane).
Aux côtés de plusieurs portraits d’Amérindiens peints par George Catlin, sont également réunis des scènes de la vie quotidienne et des portraits réalisés par Thomas Eakins et Richard C. Woodville.
Enfin, des tableaux de William M. Harnett, John F. Peto et John Haberle illustrent le renouvellement profondément original du genre de la nature morte.
Un magnifique ensemble de photographies regroupant des paysages et des portraits d’Amérindiens complète la présentation.

La grande majorité des œuvres provient de musées américains de premier plan (Pennsylvania Academy of the Fine Arts de Philadelphie, National Gallery of Art de Washington, Terra Foundation for American Art de Chicago, Los Angeles County Museum of Art, …), ainsi que d’importants musées européens (Museo Thyssen-Bornemisza à Madrid, Musée d’Orsay et Musée du Quai Branly à Paris, musée cantonal de Lausanne …).

 En 1763, Benjamin Franklin, l’un des Pères fondateurs des Etats-Unis, énonce clairement l’ordre des priorités de la jeune nation : « Quand nous en aurons fini avec les nécessités de la vie, nous songerons à ce qui l’embellit. » De fait, le projet initial de démocratie autonome américaine n’a pas pris en compte le rôle que l’art pourrait jouer dans une nation naissante. Contrairement à leurs homologues européens, les artistes ne bénéficient ni du mécénat royal ou aristocratique, ni de commande pour des décors d’église dans un pays en majorité protestant. En outre, il faut attendre 1805 pour voir la création du premier établissement destiné à enseigner l’art et à rassembler des oeuvres sur le sol américain : la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, fondée à Philadelphie par le peintre Charles Willson Peale (1741- 1827), dont l’autoportrait est présenté. Tout au long du XIXe siècle, les artistes cherchent à s’affranchir du poids des modèles européens et à rendre l’«américanité», l’identité propre à leur pays. Cette quête passe par la recherche de sujets typiquement américains, parmi lesquels la nature grandiose et envoûtante occupe une place centrale dès les années 1830.

La première génération d’artistes de la Hudson River School peint la nature en exaltant la beauté immaculée des territoires vierges et leur splendeur dramatique. A partir des années 1850, une deuxième génération de peintres de paysage adopte une approche différente, moins topographique, plus attentive aux atmosphères lumineuses. Les oeuvres de ce groupe d’artistes, qu’on appellera plus tard les « luministes », se caractérisent par une perception poétique du paysage, souvent paisible et solitaire. Ils délaissent le sublime et les effets spectaculaires au profit d’un lyrisme tranquille, à travers lequel le peintre exprime ses émotions.

De dimensions généralement plus modestes, ces toiles sont peintes dans des tonalités douces qui renforcent leur ambiance intime et contemplative. Leur précision extrême, probablement influencée par la photographie naissante, va de pair avec une facture lisse où les coups de pinceau deviennent presque invisibles. Véritables sujets des tableaux, les modulations de lumière sont rendues avec une infinité de nuances dans des ciels immenses, des brumes diffuses ou des reflets aquatiques. Sous l’oeil des peintres luministes, la nature est désormais apaisée.

Enraciné dans la tradition picturale hollandaise et anglaise, le portrait connaît un essor considérable en Amérique aux XVIIIe et XIXe siècles. Dans un contexte peu favorable à l’expression artistique, le portrait est, dans un premier temps, une des seules formes d’art permettant aux peintres de vivre de leur talent. La naissance de la jeune nation stimule en effet la réalisation de portraits patriotiques, en particulier ceux des Pères fondateurs. De même, la classe marchande émergente commande une multitude de portraits destinés à orner les intérieurs bourgeois.

Jusqu’au début du XIXe siècle, le portrait laisse toutefois peu de place à l’inventivité et à la créativité de l’artiste. La ressemblance au modèle prime avant toute chose, ce qui n’est pas sans rappeler la démarche rigoureusement naturaliste qu’adoptent les peintres de paysage. Par contre, le choix des sujets permet aux portraitistes d’affirmer leur originalité vis-à-vis des modèles européens. En choisissant de représenter un chef de gang, un cow-boy, un ouvrier ou de riches citadins, ils nous plongent au coeur même de la société américaine.

Si le paysage joue un rôle essentiel dans la construction du sentiment artistique national, il en va de même pour la peinture de la vie quotidienne, dans tout ce qu’elle a de plus prosaïque. Un des objectifs des artistes est d’affirmer la rupture avec les traditions européennes par la représentation d’activités et de personnages américains : travaux agricoles, commerces, réunions politiques, trappeurs, bateliers ou encore cow-boys. Le choix des artistes de montrer des scènes familières répond aussi au souhait de toucher un public moins élitiste, qui se reconnaît dans ces évocations des réalités ordinaires et qui retrouve dans ces tableaux les valeurs morales qui cimentent la nation.

La peinture de genre ne s’intéresse guère aux aspects plus sordides de la réalité américaine, sans doute parce qu’il n’existait pas de marché pour ces sujets. Quand ils sont représentés, les Noirs sont bien souvent cantonnés dans des rôles de second plan. Le sort misérable des immigrés à New York est lui aussi rarement abordé par les artistes. Quant aux Indiens, de nombreuses peintures détaillent leur mode de vie traditionnel dans des paysages grandioses, mais les bouleversements dramatiques que connait leur société sont passés sous silence.

La photographie est adoptée dès son arrivée sur le sol américain en 1840. Dans un pays où la fidélité à la nature est au coeur des préoccupations artistiques, elle apparaît comme le médium idéal pour transcrire la réalité de manière objective. Le portrait est très rapidement popularisé grâce aux nombreux studios qui s’ouvrent dans les villes et aux photographes ambulants qui sillonnent les campagnes. Dans la seconde moitié du siècle, des tentatives de recensement des Indiens sont également menées par le biais du portrait photographique. A partir de la guerre de Sécession, la photographie joue aussi un rôle de premier plan dans la pratique du reportage et du documentaire.

Tout au long du XIXe siècle, les Etats-Unis acquièrent et intègrent de nouveaux territoires à l’Ouest: la Louisiane en 1803, l’Oregon en 1846, les provinces mexicaines situées au nord du Rio Grande en 1848 ou l’Alaska en 1867. Afin de cartographier ces espaces immenses et d’inventorier leurs ressources, des missions d’exploration sont lancées par le gouvernement et par des entreprises privées. Des peintres, des dessinateurs, et plus tard des photographes y sont associés pour en documenter les découvertes. Albert Bierstadt parcourt ainsi le Colorado, le Wyoming, les Rocheuses, la vallée de Yosemite ou encore l’Alaska. Ses études de paysages lui serviront de points de départ pour des centaines de tableaux, souvent des vues idylliques témoignant des horizons infinis qu’il a pu observer. Thomas Moran participe à la mission d’exploration officielle conduite par

dans la région de Yellowstone en 1871. Ses peintures grandioses, ainsi que les photographies prises par William H. Jackson, marquent le public et plaident en faveur de la protection de ce site, qui deviendra le premier parc national de l’histoire en 1872. En quête de paysages spectaculaires et exotiques, Frederic E. Church et William Bradford vont même dépasser les frontières américaines. Church obtient ainsi un succès phénoménal avec ses paysages des Andes et de la côte du Labrador. Bradford est un des premiers artistes américains à peindre les glaces de l’Arctique, région qui le fascine au point de s’y rendre à de multiples reprises. George Catlin est, quant à lui, célèbre pour les centaines de portraits d’Indiens qu’il a réalisés en observant les tribus lors de ses nombreux voyages d’exploration dans les années 1830. Sa « galerie indienne », une exposition itinérante consacrée à la culture des Indiens, a été présentée à New York en 1837 avant d’être montrée dans les capitales européennes à partir de 1840. Elle offre un précieux témoignage d’une civilisation menacée de disparition.
L’exposition est accompagnée d’un ouvrage richement illustré, avec des textes de William Hauptman, historien de l’art, spécialiste de l’art américain du XIXe siècle et commissaire de l’exposition, ainsi que deux essais sur la photographie, par Corinne Currat et Dominique Hoeltschi, chargées de projets à la Fondation de l’Hermitage. Publié en coédition avec La Bibliothèque des Arts, Lausanne.
Vaut le détour, car pendant longtemps les peintres américains, étaient considérés comme des artistes de province, jusqu’à l’apparition du pop-art

VISITES COMMENTÉES PUBLIQUES
Les jeudis à 18h30 et les dimanches à 15h Prix : CHF 5.- (en plus du billet d’entrée) / gratuit pour les Amis de l’Hermitage Sans réservation, nombre de participants limité

VISITES COMMENTÉES POUR GROUPES PRIVÉS
Des visites peuvent être organisées sur demande pour des groupes privés, en français, allemand ou anglais Prix : CHF 130.- (en plus des billets d’entrée) Maximum 25 personnes par groupe
Renseignements et réservations au +41 (0)21 320 50 01

VISITES COMMENTÉES AVEC EXTRAITS MUSICAUX Di 6 juillet à 11h, sa 30 août à 16h, di 21 septembre à 11h, sa 11 octobre à 16h Découvrez les liens entre peinture et musique, grâce à une visite commentée ponctuée d’extraits musicaux. Prix : CHF 5.- (en plus du billet d’entrée) / gratuit pour les Amis de l’Hermitage Nombre de participants limité Sur réservation au +41 (0)21 320 50 01

CONFÉRENCES Jeudi 11 septembre à 18h30 Il était une fois l’Amérique. Le regard des peintres sur le Nouveau Monde par William Hauptman, historien de l’art, commissaire de l’exposition Jeudi 2 octobre à 18h30 La nostalgie de l’avenir : peindre des trompe-l’oeil dans l’Amérique du XIXe siècle par Jan Blanc, professeur d’histoire de l’art à l’Université de Genève Prix des conférences : CHF 12.- / CHF 10.- tarif réduit / gratuit pour les Amis de l’Hermitage Sur réservation au +41 (0)21 320 50 01

NUIT DES MUSÉES de Lausanne et Pully Samedi 27 septembre de 14h à 2h du matin De nombreuses animations sont proposées autour de l’exposition : commentaires d’oeuvres, visites spéciales « les yeux fermés », atelier créatif pour les familles, chasse au trésor et balades à la découverte du parc de l’Hermitage, contes et légendes amérindiens, musique et restauration légère à l’américaine dans la cour, ainsi que la traditionnelle braderie de livres d’art, catalogues, cartes postales et affiches d’expositions. Prix : CHF 10.- / gratuit pour les moins de 16 ans Programme détaillé des animations et informations pratiques sur www.nuitdesmusees.ch
Photos courtoisie Fondation de l’Hermitage
quand le logiciel du Monde voudra bien les faire apparaître

Ma première rencontre avec les oeuvres de Lee Ufan date de 2004, présentées à la Fondation Fernet Branca, grâce à Jean-Michel Wilmotte, architecte de renommée internationale et grand connaisseur de la culture coréenne, qui a réussi la rénovation et transformation des anciennes usines, en centre d’art contemporain. Dans l’intimité du lieu, elles dégageaient une sérénité contagieuse.
La Fondation présente actuellement et jusqu’au 31 août, les oeuvres d’un ancien élève, puis assistant de Lee Ufan, un compatriote coréen  » Lee Bae »

A Versailles, elles tiennent leur promesse. Avec des pierres, du métal et beaucoup de poésie, l’artiste apporte sa vision minimaliste, à la magnificence du parc dessiné par Le Nôtre. Les dix récits illustrés de ce marcheur philosophe, créent de nouvelles visions du monument le plus célèbre du monde.
Dans le château et surtout dans les jardins, les formes sculpturales intenses et silencieuses de l’artiste  se posent au pied de l’Escalier Gabriel, dans la perspective majestueuse dessinée par Le Nôtre ainsi qu’au détour des allées et des mystérieux bosquets, complétant et modifiant pour un temps l’atmosphère des lieux. Toutes entièrement nouvelles et pour certaines aux dimensions inusitées viennent en réponse aux espaces des jardins.

Il n’apprécie pas les oeuvres qui écrasent l’homme par leur présence qui imposent une idée, une théorie. Son prénom, Ufan veut dire soleil en coréen. Maître de l’art Zen, ses oeuvres minimalistes, sont réduites tant au niveau des couleurs, gris, blanc, noir, tant qu’ au niveau des matériaux, l’acier et la roche, le dialogue entre l’être et le temps.
Il est l’un des protagonistes du mouvement artistique intitulé Mono-Ha, terme que l’on peut traduire par “l’École des choses”.
Selon la définition de Lee Ufan, fondateur et théoricien de ce groupe d’artistes japonais, son principe était
“d’utiliser une chose sans rien y ajouter. Ils prenaient et assemblaient des matériaux industriels, des objets quotidiens, des objets naturels, sans les modifier. Cette méthode ne consistait pas à se servir des choses et de l’espace pour réaliser une idée mais est venue à vrai dire de la volonté de faire vivre divers éléments dans les rapports qu’ils entretiennent entre eux ”.
Le Mono-Ha apparaît dans les mêmes années que les tendances européennes ou nord américaines regroupées au sein de l’Arte Povera, Supports-Surfaces ou Land Art, toutes manières de repenser les fondements mêmes de la sculpture ou de la peinture.
A Versailles il invite à un parcours lent, solitaire, en groupe, en famille, comme une sorte de pèlerinage, une sorte de désintoxication en 10 stations, des installations très épurées, en osmose avec l’espace et le temps, invitant à la pause, à la méditation.
le plan des oeuvres

Elles portent le terme générique de “Relatum”, exprimant que l’œuvre d’art n’est pas une entité indépendante et autonome, mais qu’elle n’existe qu’en relation avec le monde extérieur. Pour Lee Ufan l’acte du sculpteur consiste, en réponse à une évolution de l’art qui après des millénaires d’objets fabriqués par la main de l’homme s’est ouvert à l’objet industriel et au ready made, à critiquer l’hyper productivité du monde contemporain.
Lee Ufan a choisi de lier le faire et le non faire. Il part du principe que
“voir, choisir, emprunter ou déplacer font déjà partie de l’acte de création”. Il relie la nature à la conscience humaine avec une simple plaque de fer en dialogue avec une pierre. Il peut aussi déployer des plaques d’acier mat en une structure linéaire debout ou couchée, dont les ondulations répondent à l’espace investi.
« Cela fait longtemps que je souhaite réaliser une œuvre en forme d’arche comme un arc-en-ciel suspendu à l’horizon. Je suis donc très heureux d’avoir la chance de réaliser ce projet dans les jardins historiques du Château de Versailles. L’œuvre dépassera l’histoire de Versailles ainsi que ma propre histoire. L’espace lui-même s’ouvrira et deviendra un lieu de rencontre avec les spectateurs, une respiration conjointe. Il y a dans ce projet une forme de transcendance, de par le fait même de sa présentation à Versailles. Il ne s’agit pas de poser un objet tout droit sorti de l’atelier, mais de créer un véritable dialogue avec le site. Je pense que l’œuvre doit avoir deux sens. Cette dernière ne doit pas être un objet fermé, mais une porte ouverte. J’utilise souvent la pierre qui représente la nature, et le métal qui est un symbole de la société industrielle. Ils interagissent en fonction de l’espace et créent une relation inévitable dans le lieu. Les œuvres présentées seront principalement composées de pierre et métal. Du petit chemin, au grand jardin, jusqu’aux salons du château, la circulation de l’air dans l’espace offrira au spectateur la sensation que leur cœur palpite ».
C’est en juin 2014 que l’“espace-temps” s’ouvre dans les jardins du château de Versailles. Lee Ufan Extrait d’un entretien de l’artiste avec Philippe Piguet, L’œil #665, Février 2014

Son énorme «Arche» d’acier incarne un vieux rêve d’enfant devant un arc-en-ciel, souvenir du Japon. C’est un immense et fin ruban d’acier bleuté, de 30 mètres de long et 40 tonnes, aux reflets changeant selon la météo, porte ouverte sur la Grande Perspective, jusqu’aux mystérieux bosquets royaux.

Notamment celui de l’Étoile, espace désertique qui abrite « L’Ombre des étoiles », (ma vidéo) une œuvre étrange, un espace minéral de granit blanc, un champ mégalithique éclairé d’une lumière lunaire, auquel Lee Ufan a donné la forme de la constellation du Grand Chariot.

Sur les pelouses il a fait onduler des plaques d’acier, comme des vagues, les lames de vent
Dans l’allée de Flore, deux plaques d’acier posées au sol qui relient, tel un pont, deux grandes roches se faisant face au bout d’un sentier étroit, escorté d’arbres et de buissons proprement alignés.
L’envoûtant bosquet des Bains d’Apollon  qui clôturent le parcours sont un endroit secret et mythique, un paysage de verdure, de bassins et de cascades déferlant de la grotte où le bel Apollon (Louis XIV) trône entouré de ses nymphes, l’artiste a creusé une tombe, d’où une grosse pierre noire figure un hommage à Le Nôtre, le contraste est saisissant.
 

Une seule œuvre à l’intérieur du château « un mur de coton »
C’est une invitation à sentir et à voir, avec l’intériorité de chacun et l’infinité du monde.
Jusqu’au 2 novembre
photos de l’auteur
 

Charles Ray. Sculptures 1997–2014
au Kunstmuseum Basel et Museum für Gegenwartskunst
du 15 juin au 28 septembre 2014
Commissaire : Bernhard Mendes Bürgi


L’Américain, Charles Ray, est un des sculpteurs majeurs de notre temps. Après un siècle de dominance de l’abstraction sculpturale, il travaille la nouvelle figuration plastique.
Le Kunstmuseum Basel et le Museum für Gegenwartskunst présentent, en collaboration avec l’Art Institute of Chicago, une vue d’ensemble de son travail depuis 1997. On retrouve des oeuvres telles que Unpainted Sculpture (1997) ou Boy with Frog (2009), mais aussi des nouvelles sculptures telles que Mime ou School Play, toutes deux de 2014, et qui sont l’aboutissement d’un processus s’inscrivant dans la longue durée.

Dans la tradition antique des bas-reliefs, Charles Ray, pieds nus, apporte à sa femme elle aussi pieds nus, un petit beaucoup de fleurs. Transposition d’une scène contemporaine et intime, tirée de l’album de famille. Réalisé en atelier, en fibre de verre, d’après des études photographiques,  la lumière provenait du côté gauche. Light from the left, joue poétiquement sur le fait, que sa femme se dresse à gauche sur la scène et apporte la lumière dans l’univers de l’artiste.

Young Man, 2012, un jeune homme qui se dresse dans un léger contraposto, mais qui s’éloigne du canon classique, avec un peu de graisse aux hanches, une barbe et la bouche entrouverte. La scupture est polie et reflète l’environnement et les visiteurs qui font partie de l’oeuvre.
Charles Ray, né en 1953 à Chicago, vit depuis 1981 à Los Angeles. Au centre de son univers fascinant, on trouve des principes sculpturaux et des questionnements liés à la proportion, la dimension, l’espace, le poids, l’intérieur, l’extérieur, moins que des considérations narratives. Après un siècle de dominance de l’abstraction sculpturale, il travaille – comme Katharina Fritsch( Zurich) ou Jeff Koons  (fondation beyeler)– la nouvelle figuration plastique, à l’exemple de sa statue en acier peinte en blanc Boy with Frog (2009) installée jusqu’à récemment sur la Punta della Dogana à Venise.


Associée à une réalisation époustouflante, la sculpture, dont il est impossible d’imaginer combien son poids est considérable, comporte une dimension intemporelle. On ne saisit pas au premier coup d’oeil que c’est de l’art contemporain, tant elle fait référence à l’antique.
Le Kunstmuseum Basel organise en collaboration avec l’Art Institut of Chicago pour la première fois depuis 2006, une grande exposition muséale de l’artiste américain, en se concentrant sur son travail entre 1997 et 2014.
Ses oeuvres précédentes, réalisées entre 1973 et 1993, ont été montrées en 1994 à travers l’Europe dans des expositions à Malmö, Londres, ainsi qu’aux Kunsthalle de Berne et Zurich. Elles ont présenté le cheminement de Ray depuis les performances liées à une mise à l’épreuve de soi et ses interactions, avec les éléments plastiques des années 1970, dont la trace est conservée par des photographies, jusqu’à Family Romance (1993), un groupe de personnages comprenant des parents et leurs deux jeunes enfants, troublants par leur taille identique, et qui se trouve aujourd’hui au Museum of Modern Art, New York.(vu au Palazzo Grassi)
Aux USA, ont eu lieu des expositions comparables en 1998/99 à New York, Los Angeles et Chicago, dans lesquelles furent aussi présentées des sculptures créées après la tournée européenne, comme Unpainted Sculpture (1997), aujourd’hui dans la collection du Walker Art Center, Minneapolis.

Unpainted Sculpture fait office de prélude à cette exposition : une voiture accidentée, une Pontiac, que l’artiste à réduite en morceaux en l’état, afin d’en copier chaque élément par des pièces en fibre de verre, puis il a reconstruit l’ensemble accidenté, méticuleusement à la recherche de la perfection. La sculpture repeinte en gris pale, apparaît comme un objet baroque, perdant la morbidité et la violence de son passé.

                               Charles Ray Aluminum Girl 2003

En outre, le visiteur est confronté par une figure féminine grandeur nature Aluminum Girl (2003), une statue sans socle en aluminium peinte en blanc, que l’artiste a justement réalisé, en parallèle de son travail sur Unpainted Sculpture, d’abord en bois peint.
La réflexion de Ray sur le canon de la figure humaine, qu’il associait jusqu’alors aux mannequins synthétiques des vitrines, acquière sous cette apparence sculpturale-ci, un air sublime qui la fait ressembler à l’antique. Pourtant, ce n’est nullement une figure idéale, elle possède la présence vivante d’une jeune fille lambda. Cette réalisation fait office, tout en perpétuant la longue tradition de la sculpture figurative,  d’oeuvre charnière dans le travail de Ray.
Les sculptures récentes sont façonnées dans un bloc massif d’acier inoxydableou d’aluminium et ne présentent plus de surface peinte : Shoe Tie (2012), la statue présentant un homme nu accroupi qui rattache des lacets imaginaires ;

Sleeping Woman (2012), la représentation d’une sans-abri, tombée dans un profond sommeil, allongée sur un banc, dans les rues de Santa Monica et la sculpture exposée la plus récente,

Mime (2014), la représentation d’une personne qui semble être endormie. Cela nous renvoie aux gisants.
Presque chacune des 15 sculptures exposées au Kunstmuseum et au Museum für Gegenwartskunst nécessite une salle entière pour trouver sa place, car chacune – après des années de travail et de nombreuses tentatives – est un élément solitaire sculptural et tout à la fois une nouvelle étape dans la confrontation artistique de Ray avec le monde.

Au Gegenwarthkunst, Hand Holding Egg, 2007
est une petite main d’enfant en porcelaine qui tient une petite coquille d’oeuf vide : « Semblable à un viel os poli par le temps qu’on trouverait dans le désert, l’oeuf est vide et l’animal, est parti, depuis longtemps » Charles Ray.


C’est un travail minutieux, qui allie la précision et le finissage de l’antique au réalisme du contemporain

Catalogue
Essais de Michael Fried, Richard Neer, James Rondeau et Anne M. Wagner, ainsi que de courts textes d’accompagnement par Charles Ray dans le catalogue, 160 p., 69 ill., 24 x 30 cm, Hardcover, éditions allemande et anglaise, Verlag Hatje Cantz.
Publication rendue possible grâce au soutien de Glenstone
Conférences dans le Kunstmuseum, Vortragssaal
17.09.2014, 18h30, Anne M. Wagner
23.09.2014, 18h30, Richard Neer 26.09.2014, 19h00, Charles Ray, Künstler-Reden #26
Exposition à l’Art Institute of Chicago
Charles Ray : Sculpture, 1997–2014. 17 mai – 4 octobre 2015