Catégorie : Arts plastiques

Zita – Щара

Du 12 juin au 2 octobre 2016, le Schaulager présente l’installation
« Zita – Щара » réalisée en étroite collaboration par Katharina Fritsch et Alexej Koschkarow.
Pièce de chambre de Katharina Fritsch et Alexej Koschkarow.
Les 2 artistes se sont rencontrés aux Beaux Arts de Dusseldorf.
Cette Pièce de chambre mise en scène dans trois petits espaces est constituée par des sculptures et des réalisations murales spécialement créées pour l’installation au Schaulager.

Indépendantes et sans autre dessein que d’être elles-mêmes, les œuvres forment les unes avec les autres un tableau évocateur, plein de références culturelles et historiques
L’extension à travers trois pièces,  de cette pièce de chambre,  puise dans la pratique théâtrale. Les œuvres individuelles des 2 artistes interagissent entre elles et sont le fruit d’échanges intenses entre eux.
Aménagée comme une maison fermée, à l’exception d’une entrée étroite
sur la façade, elle se trouve au rez-de-chaussée du Schaulager.
Le visiteur est saisi d’emblée par le jaune vif et lumineux
des « Puppen » 2016 de Katharina Fritsch qui voisinent avec
le  » Kalter Ofen » de Alexej Koschkarow.

C’est un groupe de trois figures féminines, 2 femmes,
l’une tenant un balai, ceint d’un tablier rouge,
l’autre tenant un torchon blanc, devant elles une petite fille
semblant jouer avec un ballon vert. Ce qui frappe c’est l’absence de visage.
C’est une scène intime de paysannes d’Europe de l’Est,
déconcertante par son côté artificielle.
Les proportions et les volumes ronds sont inspirés des figurines de crèche
fabriquées avec du papier maïs.
Katharina Fritsch, par une méthode complexe,
et selon sa précision habituelle, les a agrandies
pour les ramener avec leurs attributs, à évoquer
les sphères traditionnelles, campagnardes et domestiques.

De l’autre côté dans l’axe oblique, la sculpture en céramique d’Alexej Koschkarow, fait penser à nos kachelofen alsaciens.  En y regardant de plus près, comme une illusion d’optique, le Kalten Ofen 2016, évoque à la fois un poêle à bois et une grenade dégoupillée. Par la porte ouverte du poêle , on aperçoit sous les bûches calcinées le scintillement d’un feu qui ne produit aucune chaleur, de même que les éclats de la grenade, pris dans une céramique glacée blanche, ne peuvent plus se disperser.
La gerbe de flamme est aussi stoppée dans son ascension. Le danger imminent semble écarté, la menace de guerre banalisée et finit par envahir l’univers domestique.

Dans la salle de gauche une porte mène dans le plus petit des cabinets, où est disposé au milieu, la sculpture de Katharina Fritsch  « Sarg » – cercueil 2016 –
Telle une réalisation constructiviste, identifiée comme un objet ayant une fonction déterminée, elle est faite de formes, d’aplats, et de couleurs géométriques. Est-ce une araignée sur 8 pattes ou un joyau miroitant de ses faces bien polies ?
Bleu profond pour le coffre et orange vif pour le support, un fort contraste de couleurs,
sa surface mate ne présente aucun réfléchissement comme toutes les oeuvres de l’artiste.
Présentée sans cérémonie, avec dépouillement dans cette scène intimiste, le deuil, la veillée funèbre, semble être apaisement et consolation.
« Toutes mes oeuvres relèvent d’une ambiance » Katharina Fritsch

Dans la salle de droite de l’autre côté, changement de scène, 
Alexej Koschkarow a conçu ici un épisode sombre.
Une maquette, sorte de Janus à double faces,
das Was keinen Namen hat
(ce qui n’a pas de nom) se compose d’éléments que tout dissocie.
Un puissant bunker avec meurtrières forme le bâtiment central,
dont l’ouverture suggère le gosier d’un cobra dressé.
Des conduits en spirale et 2 escaliers imbriqués, en font le corps.

Tout en haut des guerrières nues, athlétiques, aux traits masculins, caquées,
viennent couronner l’ensemble. Armées de bâtons et de boules, flanquées de chiens d’attaque, ses « pin-up » malgré tout hommasses, sont diamétralement opposées aux figurines en maïs de Katharina Fritsch, loin de l’image domestique et maternelle.
La face arrière du bunker est conçue comme la  façade abstraite d’une maison aux éléments architecturaux disparates, arc de triomphe, escaliers, fortifications qui s’assemblent en un montage qui a sa charge symbolique.

Dans le Schtetl 2012, fabriqué à partir d’innombrables
morceaux de bois, qui formaient le plancher de son atelier
dans le quartier juif de Brooklyn, deux cercles de maisons
bordent une place centrale. Cela évoque le traditionnel
shtetl d’Europe de l’Est, habitation campagnarde,
établie depuis des siècles.
Ces communautés villageoises ont brusquement disparu
avec les atrocités de la deuxième guerre mondiale.
Longtemps  représenté comme un mode de vie – idéalisé –
figuraient déjà en art et en littérature –
ici avec la hache surplombant le centre du village
donne une forme prégnantes à ses ambivalences.
Alexej Koschkarow parvient même à établir un lien
avec l’émigration juive en Amérique.
Les quatre pattes aux allures instables donnent à
l’ensemble l’aspect d’une silhouette penchée et boiteuse,
ou d’un insecte aux longues pattes.

Les sculptures sont flanquées des 2 côtés par des frottages
« Smearing » au graphite sur toiles. Il l’obtient par une technique d’abrasion par laquelle il transfère sur toile, à l’échelle d’origine des éléments architecturaux, pans de façade ou murs.
Transposées en 2 dimensions, elles laissent transparaitre des formes floues, nuageuses et obscures. Le motif d’Aigle de Bellevue 2014  provient de sculpture en  pierre new-yorkaise.
lui fait face « Höllentor 2012 » qui évoque la porte de l’enfer de Rodin, dans les faits le frottage vient d’une maison historique de New York
« j’ai consciemment évité que les smaerings soient trop exacts, les contours pourraient être beaucoup plus précis. Mais ils doivent paraître évanescents, comme dans un souffle  » A Koschkarow
L’aigle illustre la puissance, depuis l’antiquité, il a toujours servi à symboliser la suprématie en tant qu’animal héraldique, on le retrouve aussi bien dans le Reich allemand que dans des variantes plus contemporaines.
La duplication dans les  deux toiles penchées l’une vers l’autre suggère notamment les deux aigles dans les armoiries de l’Autriche Hongrie
Le personnage historique de Zita de Bourbon-Parme,
mariée à l’empereur Charles 1er, forma le dernier couple impérial
d’Autriche-Hongrie. Après la défaite le couple
fut contraint à l’exil. Zita (1892-1989) ayant revendiqué le trône,
ne fut autorisée à retourner en Autriche
qu’ à un âge très avancé. a sa mort on lui fit un enterrement
presque impérial.
Le fleuve Щара (Chtchara), coule à l’ouest de la Biélorussie.
Cette zone a donné lieu à de nombreux combats
aux cours des deux guerres mondiales.
pas de confusion avec Zita, voilà l’explication du titre de l’exposition.
Un très beau catalogue est publié, édité par la Fondation Lorenz Schaulager

Heidi Naef, Senior Curator
Isabel Friedli, Kuratorin

Ouverture
tram 11 arrêt  Schaulager  soit Grenze St Louis ou SBB (gare Bâle)

jeudi, 13 – 19 Uhr
vendredi à dimanche 11 – 17 Uhr

courtes visites guidées  en allemand anglais français (30 mn)

En montrant l’œuvre peint de Katharina Grosse, le Musée Frieder Burda  de Baden Baden poursuit sa série d’expositions monographiques consacrée à des artistes de renom international. Comptant parmi les artistes majeures de sa génération depuis de nombreuses années,  Katharina Grosse occupe ainsi dans ce cadre une place de premier plan. Dans sa peinture, elle se libère de la surface sous toutes ces formes, rompt avec elle et la dépasse pour en faire sa raison de peindre. Elle intègre donc par principe même toutes les surfaces de la pièce – les murs, le plafond, le sol – tout comme les corps et les objets se trouvant dans cet espace.

Est-elle influencé par son patronyme « Grosse »
traduit = grande ? Sa production artistique se traduit par des oeuvres de dimentions
impressionnantes, aux couleurs variées, superposées, dégradées avec de belles coulures.
On imagine l’artiste dans son atelier armée d’un pistolet et sanglée dans une tenue protectrice, procédant à la manière de Pollock (dripping) mais à la verticale, vers le mur.

Dans l’exposition du Musée Frieder Burda, Katharina Grosse se concentre sur les panneaux peints ;  s’il s’agit d’une une forme de support plutôt classique, elle a toutefois bien souvent recours à des dimensions et des formats d’une ampleur jusqu’ici inédite. C’est le traitement pictural par lequel elle a ouvert la voie à de nouveaux tableaux qui est décisif.  Par le biais de structures articulées telles des lignes et hachures parallèles, tout comme de couleurs appliquées au pistolet, ses surfaces peintes semblent évoluer de diverses manières : parfois plus concrètes et denses, parfois floues et indéfinissables. De tels tableaux provoquent chez le spectateur une sorte de saisissement, dont le contrecoup se ressent pratiquement physiquement.

Katharina Grosse quitte souvent les limites du rationnellement descriptible au profit de l’effet direct produit par le dégradé des couleurs, par les formes qui apparaissent en se soustrayant à la description, et par les espaces insoupçonnés que fait alors naître sa peinture. Ainsi, la monumentale installation « Sans titre (Ellipse) » datant de 2009 crée un lieu autonome  dont la forme sphérique et ovale, et tout simplement les dimensions, assurent à l’œuvre sa présence particulière. Haute de plus de sept mètres et large de dix, elle s’affirme en tant qu’espace autonome face à l’architecture même du musée.

La mise en perspective de sa peinture avec l’architecture de Richard Meier souligne le contraste entre rationalité et utopie. Les limites de la pièce, en l’occurrence du
« White Cube », sont abolies au profit d’un dialogue avec les formes colorées qui se met en place non seulement dans chacun des tableaux mais plus encore entre les différents tableaux eux-mêmes. Cette exposition est en effet comme un arc tendu entre les tableaux des débuts de la carrière de Katharina Grosse dans les années 90 et ceux réalisés aujourd’hui,  et l’architecture privilégiant les espaces ouverts met au jour de fascinantes correspondances visuelles.

Le catalogue qui accompagne l’exposition vise à éclairer cette tension narrative et permet de rassembler pour la première fois plus de cent reproductions en couleur des tableaux de Katharina Grosse. Complété par des essais de Katrin Dillkofer et Helmut Friedel, il est publié par la maison d’édition de la librairie Walther König

Jusqu’25 septembre 2016
Le Musée Tinguely de Bâle montre la première rétrospective de l’artiste britannique Michael Landy. Cette exposition rassemble les oeuvres de 1990 à aujourd’hui et couvre ainsi tout le travail qu’il a réalisé à ce jour.

Michael Landy (né en 1963) a étudié au Goldsmith College et appartient à la génération des fameux « Young British Artist » qui, dans les années 1990, ont marqué l’évolution de l’art en Grande-Bretagne par leurs procédés « coup de poing », utilisant des déchets et mettant la vie en scène à l’état brut, le tout dans un esprit à la fois contestataire et entrepreneurial. Landy est internationalement reconnu pour sa pratique multiple, qui traite de capitalisme, de créativité et de destruction.

Dès le début de sa carrière, avec son installation Market (1990), Landy réussit à concevoir une forme signifiant un phénomène aussi abstrait que le monde de la consommation. En présentant les stands vides d’un marché, un grand hall rempli d’étals superposés recouverts de gazon artificiel, où manque du reste l’essentiel – à savoir la marchandise elle-même –, il arrive justement à placer celle-ci au centre de l’attention. Market constitue l’épine dorsale de l’exposition au Musée Tinguely.

L’exposition Tinguely à la Tate en 1982 avait profondément marqué Landy, alors jeune étudiant pour qui Jean Tinguely restera une figure artistique phare.
En 2006, Michael Landy s’intéresse plus particulièrement à son Homage to New York (1960), lors duquel Tinguely, dans les jardins du MoMA, avait construit une machine vouée ensuite à s’auto-détruire devant un public convié pour l’occasion. Landy réalise ainsi des dessins, aux dimensions souvent monumentales, d’après des photographies de l’action. À l’aide de liquide correcteur, de colle, de décolorant et d’encre de Chine, Landy fait de ces photos des images presque stylisées, tout en noir et blanc. Parallèlement, l’envie le prend de reconstituer l’Homage to New York de Tinguely, qui sera alors intitulé H.2.N.Y., et de réexécuter l’action comme un « reenactment ».

Traiter un sujet dans la durée, avec minutie et persévérance, est une constante dans l’oeuvre de Michael Landy. Après les dessins pour H.2.N.Y. (2006), l’artiste redessine des portraits d’amis, d’inconnus, de parents ; puis il crée une Credit Card Destroying Machine (2010) et, chemin faisant, revient au grand sujet du consumérisme, également au coeur de Art Bin (2010). Les visiteurs sont invités non seulement à déchiqueter des cartes de crédit, mais également des oeuvres d’art devenues inutiles.
En 2001 a lieu son action pionnière Break Down. Michael Landy procède à la destruction de tous ses biens. Tout son patrimoine, sa Saab 900, ses vêtements, son passeport, ses oeuvres d’art, livres, radio-réveil, extrait d’acte de naissance – dans une ancienne succursale de C&A de la Oxford Street à Londres, tout est répertorié par une
équipe de 12 personnes qui, méticuleusement, inventorie, identifie et liste l’ensemble, pour ensuite le détruire et le recycler.
Landy a spécialement monté un tapis roulant, par lequel le processus de la production est inversé. Deux semaines plus tard, il ne possède plus rien – et redémarre à zéro. L’exposition montre sur des murs entiers l’inventaire des objets, à la manière d’un mémorial.

De nombreuses oeuvres exposées sont à l’image de la société dans laquelle elles ont vu le jour. Elles sont étroitement liées à l’esthétique et à la conjoncture sociopolitique qui ont marqué la vue de l’artiste en Grande-Bretagne. Ainsi Scrapheap Services (1996), réalisation pour laquelle Landy a inventé une société de nettoyage imaginaire avec des milliers de figurines astiquant la Chisenhale Gallery, à Londres. L’artiste a passé deux ans à découper des petites silhouettes dans des détritus. Des mannequins de vitrines en uniforme rouge les balaient comme des feuilles mortes. Cette installation peut être conçue comme une critique de la productivité dans notre société, dans laquelle la valeur de l’humain est réduite à sa force de travail.

Landy recourt constamment au crayon pour restituer le monde qui l’entoure. C’est ce qu’il fait avec Nourishment, une série de 31 gravures de formes végétales, toutes considérées comme des plantes pionnières, capables de pousser dans les fentes de murs et sur l’asphalte. Par sa merveilleuse délicatesse, cette série exprime la concentration suprême sur l’objet de la recherche.

Les dessins et photographies de Welcome to my world (2004) abordent de façon très personnelle, et oppressante, le grave accident de travail dont a été victime à la fin des années 1970 le père de l’artiste et mineur John Landy. C’est ce que l’on retrouve aussi dans l’oeuvre Semi-Detached (2004), où, pour une présentation dans les Duveen Galleries de la Tate Gallery, il a reconstruit à l’identique la maison de ses parents et filmé leur intérieur.

« Saint Stéphane est mort par lapidation et ceci est basé sur une peinture de Carlo Crivelli à la National Gallery de Londres. Et j’aime bien l’idée que des gens viennent admirer des oeuvres qu’ils ne s’attendent pas à détruire et j’aime bien surprendre les gens sur ce qui peut se passer dans une galerie d’art »
Michael LandyMichael Landy, Saint Francis Lucky Dip, 2013 (vorne), Scrapheap Services, 1995 (mitte rechts), Breaking News, 2015–2016 (en arrière plan)
« Michael Landy. Out of Order » veut inciter à réfléchir sur l’impact qu’a le consumérisme sur nos vies et notre société. Les thèmes dont sont empreintes ses recherches artistiques se découvrent dans le « paysage » ouvert de l’exposition comme un vaste réseau aux références multiples.

Musée Tinguely
– Informations pratiques
Horaires : Mardi-dimanche : 11h–18h (fermé le lundi)
Horaires particuliers: pendant la foire ART Basel
Lundi–dimanche, 13–19 juin : 9h–19h

À l’occasion du dernier jour de l’exposition, le dimanche, 25 septembre, le Musée Tinguely fêtera ses vingt ans avec un « Out of Order Day » – un événement hors programme au musée même et dans le parc Solitude.