Max Ernst, L'ange du foyer, 1937 © Adagp, Paris, Crédit photographique : Vincent Everarts Photographie Didier Ottinger, directeur adjoint du Musée national d’art moderne, et Marie Sarré, attachée de conservation au service des collections modernes, présente le Surréalisme au Centre Pompidou jusqu'au 13 janvier 2025.
Conçue à la façon d’un labyrinthe, retraçant plus de quarante années d’une exceptionnelle effervescence créative, de 1924 à 1969, l’exposition
« Surréalisme » célèbre l’anniversaire du mouvement né en 1924 avec la publication du Manifeste fondateur d’André Breton.
À la fois chronologique et thématique, le parcours est rythmé par 14 chapitres, qui regroupe près de 500 œuvres, évoquant les figures littéraires ayant inspiré le mouvement (Lautréamont, Lewis Carroll, Sade…) et les principes poétiques qui structurent son imaginaire (l’artiste-médium, le rêve, la pierre philosophale, la forêt…
Une traversée magistrale du surréalisme dans les arts.
Entrée des médiums
En 1919, André Breton et Philippe Soupault rédigent à quatre mains Les
Champs magnétiques, un ouvrage dans lequel il se livre à l’expérience d’une
écriture automatique libérée du contrôle de la raison. Cette recherche d’une
expression immédiate associe l’artiste surréaliste à la figure du médium.
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Giuseppe Penone crée sa première oeuvre, « Alpi Marittime » (1968-1985), alors qu’il est encore étudiant. Ces six images de manipulation sur quelques arbres et un ruisseau de son bois familial contient la quasi-totalité de la pratique à venir de l’artiste : une attention portée aux processus de croissance et de fabrication du vivant, au sein desquels Penone va s’insérer, sans chercher pour autant à les dominer. Ses Alberi visent à réattribuer à des poutres la forme des arbres qu’elles furent en suivant les cernes du bois. Chez Penone, l’action artistique se situe au plus près du rythme du vivant.
Albero di 4 metri (il suo essere nel dodicesimo anno d’età in un’ora fantastica).
en portant des lentilles de contact réfléchissantes, il restituait au spectateur le champ visuel qui aurait été celui de l’artiste s’il n’avait pas porté de telles lentilles. Cette même année, il participe aux expositions 
Alberi créés en sculptant des poutres et en suivant les cernes de croissance du bois pour ramener l’arbre à un âge antérieur. Souvent co-créatrice des oeuvres de Penone, la nature est envisagée comme une force expressive capable de redéfinir les langages artistiques.
D’après Jean de Gourmont, O caput elleboro dignum,
C’est dans ce costume qu’il est passé à la postérité, dans des portraits souvent factices où il regarde le spectateur d’un air moqueur, comme s’il tendait un miroir : qui est vraiment fou, lui ou le spectateur ? Rieur et bruyant, il mène la danse pendant ces périodes de fêtes et de carnavals où le monde est à l’envers.
médailles, enluminures, dessins, gravures, peintures sur panneau, tapisseries.
Souvent comiques, parodiques, parfois scatologiques ou érotiques,
Elle montrait avec humour le pouvoir des femmes renversant l’ordre habituel.
En 1494, le premier fait paraître son livre en allemand. Il est traduit en latin et dans de nombreuses langues européennes dès 1497. L’ouvrage, illustré de gravures, connaît un succès fulgurant et fait même l’objet de détournements ou d’éditions pirates. Erasme publie son Moriae Encomium (L’Eloge de la folie) en 1511. Il est donc publié en latin et destiné à
Le message général du tableau renvoyait à l’univers de la folie, mais aussi à d’autres motifs : la peinture des vices, des fins dernières et l’incertitude du destin humain. Pieter Bruegel l’Ancien, comme Bosch, continue parfois d’user de la figure du fou de manière traditionnelle. Mais le plus souvent, il lui donne lui aussi une valeur nouvelle :
Pionnière de l’art vidéo féministe, 
Out of My Body
2019
Depuis le milieu des années 90, l’artiste produit des installations de fils de laine entrelacés, créant des réseaux graphiques spectaculaires, au travers
Shiota espère que cette exposition pourra transmettre aux autres, avec l’ensemble de son corps, les tremblements de sa propre âme.
Cette oeuvre est représentative d’un chapitre important de l’exposition qui aborde la fonction de la vitrine comme une membrane qui relie, unit et sépare, qui attire ou rejette le voyeurisme et le désir s’y rattachant. Espace architectural fonctionnel, la vitrine crée également une passerelle avec les formes de présentation muséales – du cadre d’un tableau à la scène destinée aux performances et à l’art-action.
Window display by Jean Tinguely, optician «M. Ramstein Iberg Co.», Basel
Purple Store Front
La Galerie Bertrand Gillig, fondée en 2004 sous le nom d’Espace G, se situe dans un élégant immeuble du 19ème siècle. Elle défend des artistes émergents, principalement français, dans des disciplines variées telles que la peinture, le dessin, la sculpture et la photographie. Les artistes représentés, comme Patrick Bastardoz, Benoît Trimborn, Ayline Olukman, Christoff Baron, MG, Leonardo Vargas, Elisabeth Fréring et Patrick Cornillet explorent des thèmes liés à l’architecture, la mémoire, le temps et l’abandon.
Le Sacre des Alliances
