Auteur/autrice : elisabeth

Jusqu’au 30 septembre 2016
C’est un travail d’ombre et de lumière, qu’Adalberto Mecarelli
propose avec son exposition :
« Lux Umbrae » à l’abbaye de Silvacane.
 » La lumière est mon matériau, le seul absolument, dira t il ».
(comme pour tout le monde d’ailleurs,
même et surtout pour ceux qui l’ignorent).
De l’art de cet artiste naissent des sculptures éphémères,
immatérielles et cependant réelles.

La puissance de l’œuvre d’Adalberto Mecarelli
entraîne le visiteur dans une nouvelle relation au sacré.
Biographie :
Adalberto Mecarelli est né à Terni, en Ombrie le 25 janvier 1946.
Il est titulaire d’un diplôme de maître fondeur
de l’Institut d’Art de sa ville natale, a suivi des cours de peinture
à l’Académie des beaux-arts de Rome.
Il s’installe à Paris en 1968, alors que son œuvre est déjà repérée.
C’est une année faste sur le plan politique quant
au renouvellement des institutions artistiques.
Son intérêt pour la sociologie et les cours qu’il suit
à l’Ecole Pratique des Hautes Etudes jusqu’en 1970,
confirment sa volonté de chercher encore et encore.

Dès les années 1973 il engage son travail de sculpteur
dans une expérimentation plastique qui fera de la lumière
le point central de sa recherche. Il est fasciné par le double aspect de cette matière,
à la fois matériau façonnable et élément éclairant.
Son œuvre, d’une géométrie à l’esthétique rigoureuse,
se traduira dès lors par des projections lumineuses in situ.
Le dialogue avec l’architecture et le paysage urbain sera
l’élément moteur à partir duquel vont naître
des formes lumineuses qui tout en éclairant l’espace,
en prolongent les possibilités plastiques et le sens esthétique.
Parallèlement, entre 1983 et 1985, il développe ses premiers
travaux d’images de synthèse, une recherche sur
la création assistée par ordinateur qu’il poursuivra
aux Etats-Unis et au Japon jusqu’en 1985.

Cette période s’achèvera avec ses premiers voyages
en Inde où il se rendra pour étudier les 5 observatoires
astronomiques de Jaipur bâtis au 18e siècle par le maharajah Jai Singh II.
Dans les œuvres de Mecarelli, le jeu de l’ombre et de la lumière,
du vide et du plein, du noir et du blanc amène physiquement
le spectateur dans l’espace de l’oeuvre. C’est un travail qui ouvre
des passages au travers desquels le visiteur découvre parfois
une plasticité à l’esthétique insoupçonnée. Une de ses réalisations a eu lieu pendant la Nuit Blanche 2012 à Paris à l’église St Eustache. Entre la tombée de la nuit et la naissance du jour suivant, un demi-cercle de lumière avait été projeté sur le toit de l’église Saint-Eustache. En fragile équilibre, la projection paraissait comme suspendue dans le vide. L’œuvre, intitulée « Luna », était visible d’un lieu particulier, sorte d’observatoire, depuis une rue du quartier.

L’œuvre de Mecarelli tient sa consistance d’une part de son expression physique, c’est-à-dire l’expression de la lumière dans son rapport dialectique avec l’ombre et d’autre part de la construction qu’elle compose avec les éléments constitutifs, au sens le plus large, de l’espace dans laquelle elle s’inscrit et habite. Nul hasard si Adalberto Mecarelli choisit si souvent dans son expression artistique, les espaces patrimoniaux. Ces lieux sont tout naturellement porteurs d’une forte charge esthétique qui nourrit à la fois le réel et l’imaginaire.

A l’occasion d’une intervention dans plusieurs sites majeurs
de Terni, cité ombrienne où, il y a encore peu, des industries
métallurgiques faisaient vivre un prolétariat nombreux,
Mecarelli, originaire de cette ville, affirme :
« J’ai appris ici à fondre le métal : seul un
fondeur sait vraiment de quoi est faite la lumière. »
En réponse aux commandes qui lui sont faites,
ce ne sont donc pas des objets qu’il pose dans
l’espace mais, par la médiation de la lumière, c’est
bien avec lui qu’il entre en dialogue. Simplement,
au lieu de l’occuper de façon durable en y installant
une présence matérielle, c’est sur un mode immatériel
qu’il y introduit, au sein d’un dispositif éphémère
dont il est l’auteur, une donnée qui intègre le caractère,
le temps et l’histoire du site.

Le vocabulaire formel de Mecarelli, tributaire de
l’abstraction géométrique, du minimalisme et de
l’art conceptuel, couple ces héritages aniconiques
avec la lumière et, en les projetant hors les murs
des institutions artistiques, les amène à converser
avec l’architecture, les façades, la mémoire des
bâtiments et des villes. Pas d’images mais des
expérimentations, une démarche qui mobilise
la lumière à la fois comme outil d’investigation
et matériau de construction
Podcast sur France culture, entretien avec Aude Lavigne,
dans la Vignette, où l’on apprend que l’artiste a exposé au
musée de l’Electricité de Mulhouse
photos d’Adalberto Mecarelli

Derniers jours se termine le 18 septembre 2016
La maison rouge présente pour la première fois
à Paris une grande exposition consacrée
à l’oeuvre de l’artiste russe Eugen Gabritschevsky
(1893-1979).

Eugen Gabritschevsky
est né à Moscou en 1893 dans une famille
de cinq enfants, issue de la grande bourgeoisie,
cultivée et polyglotte, typique de la Russie tsariste.
Après des études scientifiques de haut niveau
en biologie et génétique des insectes, il quitte l’Union
Soviétique en 1924 pour rejoindre un laboratoire
de recherche de l’université de Colombia aux
États-Unis.

Malgré sa grande intelligence, qualifiée d’originale
par son entourage, et sa vaste culture, il est sujet
à de graves troubles psychiques, qui l’empêchent
progressivement de poursuivre sa carrière
scientifique et de mener une vie affective stable.
En 1926, il rejoint Münich où vit son frère, Georges.

En 1931, il est interné définitivement jusqu’à sa mort
en 1979.
Eugen Gabritschevsky aura donc vécu,
hormis la période de la guerre, près de cinquante ans
à l’hôpital psychiatrique de Haar-Eflingen
à la périphérie de Münich.
L’abandon de ses activités scientifiques laisse place
à l’éclosion, sur trois décennies, d’une oeuvre riche
et foisonnante, réalisée dans le silence et la solitude.

L’exposition couvre cette période prolifique,
mais présente également, et pour la première fois,
des oeuvres réalisées avant 1929 – des dessins
au fusain sur papier de format raisin, à l’esthétique
sombre et angoissée, mystique et fantastique.
Le parcours de l’exposition est à la fois chronologique
et thématique : le paysage, habité ou désert ;
la ville et ses foules ; la nuit, ses carnavals, ses fêtes
et ses concerts ; les phénomènes de mutations,
de déformations du corps, et d’hybridations ;
les bestiaires d’êtres fabuleux. Les techniques
qu’il déploie, frottage, tamponnage, grattage, prouvent
sa liberté d’expression et la maîtrise de son art.

C’est grâce à Jean Dubuffet, que l’oeuvre a trouvé
une visibilité. Il est informé de son existence
dès 1948, en possède 4 en 1950 et décide d’en
acheter 71 pour sa Compagnie de l’art brut en 1960.
Il avertit par la suite son ami Alphonse Chave,
galeriste à Vence, qui décide aussitôt, avec son fils
Pierre, de rendre visite à l’artiste pour acquérir
l’essentiel de sa production et l’exposer régulièrement.
La galerie Chave cèdera peu après, autour de
600 dessins à la galerie Daniel Cordier, qui défendit
l’oeuvre pendant plusieurs années, avant de faire
un don important en 1989 au Musée National d’Art
Moderne. Cet ensemble est aujourd’hui en dépôt
aux Abattoirs de Toulouse.

De nombreux dessins ont été logiquement
dispersés dans des collections privées au cours
des années, mais l’exposition propose une sélection
qui restitue très fidèlement l’esprit de l’artiste,

Jusqu’au 30 OCTOBRE 2016 à la Fondation de l’Hermitage de Lausanne.
La Fondation de l’Hermitage présente l’une des plus belles collections privées d’Europe, constituée depuis les années 1950 par un passionné des arts. Regroupant plus de 120 tableaux, sculptures et installations, l’exposition offre une exploration inédite de l’art occidental des XXe et XXIe siècles, à travers cet ensemble hors normes, d’une grande diversité.
Depuis son ouverture en 1984, la Fondation de l’Hermitage a développé des liens privilégiés avec les collectionneurs, autant en Suisse qu’à l’étranger. Ces relations de confiance ont permis à l’institution d’accueillir des collections privées de grand renom : celles de Florence Gould (1985), Ian Woodner (1992), Rolf et Margit Weinberg (1997), Jean Planque (2001), Arthur et Hedy Hahnloser (2010) ou encore Jean Bonna (2015).

L’exposition de l’été 2016 s’inscrit dans le cadre de ces fructueuses collaborations. Proposant un regard original sur la scène artistique moderne et contemporaine, elle fait la part belle à l’art de l’après-guerre, de l’informel (Jean Dubuffet, Asger Jorn) au néo-expressionnisme (Miquel Barceló, Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer).
Autres points forts de la collection, des oeuvres poétiques,
intenses, graves ou légères, de Giuseppe Penone, Bertrand Lavier, Pierre Soulages, ou encore Niele Toroni, viennent illustrer la création contemporaine européenne.

A cela s’ajoute une imposante sélection d’oeuvres américaines des XXe et XXIe siècles mettant à l’honneur l’art conceptuel et minimaliste, ainsi que l’expressionnisme abstrait : Carl Andre, Jean-Michel Basquiat, Louise Bourgeois, Chris Burden, Sol LeWitt, Agnes Martin, Sean Scully, Mark Tobey ou encore Cy Twombly, autant d’accents importants dans cette collection unique, dont la présentation publique constitue un événement majeur.

Des oeuvres classiques – des terres cuites de Jean-Antoine Houdon et de Jean-Baptiste Carpeaux, mais également d’admirables portraits par Auguste Renoir, André Derain et Chaïm Soutine –, et des incursions du côté de l’art réputé brut ou naïf (Louis Soutter, André Bauchant) complètent l’exposition, rendant compte d’un regard très personnel, et particulièrement sensible, sur l’art occidental.

Commissariat : Sylvie Wuhrmann, directrice de la Fondation de l’Hermitage, Lausanne, et Didier Semin, professeur à l’Ecole nationale supérieure des beaux-arts, Paris
Dans un entretien avec la journaliste Florence Grivel, le collectionneur nous livre sa vision très personnelle d’une trentaine d’œuvres.
C’est par la magie d’un audio-guide gratuit que le collectionneur vous accompagne,  pour raconter ses choix. D’une manière précise et concise, il vous promène
d’une salle à l’autre, tout en vous instruisant. Pourquoi le choix d’une oeuvre ?
il cite Laurent Fabius,
(Le Cabinet des douze . Regards sur des tableaux qui font la France ?)

C’est le premier coup d’oeil  sur une oeuvre qui accroche, qui succite l’émotion, qui est le bon.
Le deuxième point, c’est la réflexion, il faut comprendre pourquoi on l’aime, s’attarder sur elle, la contempler, se l’approprier, la découvrir, la regarder plusieurs fois, car on y trouve chaque fois quelque chose de nouveau, la couleur, la forme, l’équilibre, le sujet.
C’est le troisième regard qui confirme pourquoi on l’aime.
Ensuite viennent les références culturelles qui permettent de comparer avec d’autres artistes, mais cela vient au dernier moment. Il ne faut surtout pas avoir une grande connaissance des choses pour aimer un tableau

Cette toile de Dubuffet, qu’il a rencontré, peu de temps avant sa mort, se trouve la plupart du temps, dans sa chambre à coucher, elle montre pour lui,
le chaos originel et celui après la mort.
L’amateur érudit, passionné, qui a réuni cet ensemble exceptionnel aime regarder l’art comme un jeu très savant. Sa collection, qui est une oeuvre ludique et raffinée, laisse deviner son portrait. Elle porte la marque d’un tempérament contemplatif, et volontiers
espiègle, raconte l’amour de l’histoire et la fascination pour les origines, elle contient au plus profond l’émotion intacte des choses vues à l’âge des premiers émerveillements, mais aussi des premières terreurs… Quelle image pourra jamais rivaliser avec l’expérience du sublime : la vision, à l’âge de quatre ans, d’un dirigeable en flammes dans le ciel, au milieu de la nuit !

La toile de Jean Michel Basquiat, vue chez Yvon Lambert, l’a séduit par son bleu.
Il l’a encadrée avec un cadre Renaissance qui à l’époque valait
plus que Basquiat pas très connu à cette période.
Un autre dessin de Basquiat, « Loox Real », fait de griboullis,
lui a été montré par Yvon Lambert, alors que lui-même dessinait.
Il estimait que ses dessins étaient meilleurs que ceux de JM B.
Aussi raconte t’il que ce dessin lui a été imposé, et il l’a acheté
« sous la torture ».

Du sous-sol aux combles, on est presque atteint du syndrome de Stendhal,
tant cet amateur d’art a réuni, juxtaposé, composé des ensembles
qui se complètent et se répondent. Il montre un bel éclectisme,
une ouverture d’esprit, un choix sur, sans éprouver le besoin de
sacrifier à la mode. Il a constitué sa collection en achetant les
oeuvres aux artistes à leurs débuts.
Loin des blockbusters, il aime la découverte, l’amitié avec les artistes,
l’authenticité, l’originalité. Il aime à évoquer le passage du temps,
les regards, la mort.

Pour la toile de Keith Haring, une vanité,  il cite Antoine Blondin : « Léonard de Vingt Sous, ça vaut plus que 20 sous, mais ça vaut moins que Léonard de Vinci. »
Les nombreux portraits de la collection composent une galerie fascinante, d’une remarquable diversité, allant des bustes classiques de Jean-Antoine Houdon (1741-1828) et de Jean-Baptiste Carpeaux (1827- 1875) jusqu’au bouleversant autoportrait d’Antonin Artaud (1896-1948), en passant par l’archétype du
Chômeur d’Otto Dix (1891-1969). Les visages évanescents d’Andrew Mansfield ou puissamment expressifs de Yan Pei-Ming illustrent l’exploration du portrait dans la scène contemporaine.

Des portraits caricaturaux, qui exagèrent les traits comme ceux de Jean Dubuffet (1901-1985), côtoient des portraits réalistes par Auguste Renoir (1841-1919),
André Derain (1880-1954) et Chaïm Soutine (1893-1943).
Tout comme Andy Warhol ou Gerhard Richter, Andrew Mansfield (né en 1953) transpose les sujets de ses oeuvres à partir d’images récoltées dans la presse ou sur internet. Le rendu photographique, doublé d’un fort contraste entre la peinture noire et la couleur, troublent autant que le regard énigmatique des jeunes femmes.

Les tableaux de Yan Pei-Ming (né en 1960) trouvent leur lointaine origine dans les gigantesques portraits de Mao Zedong vus dans la Chine de son enfance. Ils se reconnaissent d’emblée à leur composition monumentale, leur palette réduite et leur facture vigoureuse.
Le portrait résiste par nature aux doctrines esthétiques plus que n’importe quel genre pictural, parce qu’il vise à la ressemblance d’un individu, par-delà les modes et les techniques. Toutes ces toiles nous renvoient, fondamentalement, à l’humanité du visage.
Catalogue : en coédition avec les éditions Skira, la Fondation de l’Hermitage publie un catalogue richement illustré.
Horaires
du mardi au dimanche de 10h à 18h, le jeudi jusqu’à 21h
fermé lundi, sauf le lundi 1er août et le lundi du Jeûne (19 septembre), de 10h à 18h
Animations
visites commentées publiques, les jeudis à 18h30 et les dimanches à 15h
et événements conférence (22 septembre),
atelier de peinture gestuelle
soirées art & gastronomie,
dimanches art & brunch
Animations musicales dans le cadre de Lausanne estivale
Nuit des musées (24 septembre)
Fondation de l’Hermitage
2, route du Signal
CH – 1000 Lausanne 8
tél. +41 (0)21 320 50 01
info@fondation-hermitage.ch
www.fondation-hermitage.ch