Catégorie : France

Jusqu’au 22 janvier 2018
au Grand Palais Galeries nationales
entrée square Jean Perrin
Forte d’un ensemble de plus de 230 oeuvres de l’artiste
(54 peintures, 29 céramiques, 35 sculptures
et objets, 14 blocs de bois, 67 gravures et 34 dessins),
Gauguin l’alchimiste est une plongée exceptionnelle
dans le passionnant processus de création du grand artiste.

Elle est la première exposition du genre à étudier
en profondeur la remarquable complémentarité des
créations de l’artiste dans le domaine de la peinture,
de la sculpture, des arts graphiques et décoratifs.
Elle met l’accent sur la modernité du processus créateur
de Gauguin (1848-1903), sa capacité à repousser sans
cesse les limites de chaque médium.

Après l’exposition fondatrice Gauguin organisée en 1989,
cette nouvelle collaboration entre l’Art Institute de
Chicago – qui possède un fonds significatif de peintures
et d’oeuvres graphiques de Gauguin – et le musée
d’Orsay – dont la collection de peintures, céramiques
et sculptures sur bois de l’artiste est une des plus
importantes au monde –, permet de présenter sous
un jour nouveau les expérimentations de Gauguin sur
différents supports. Elle montre la production de l’artiste
dans toute sa diversité, à la lumière des recherches
récentes sur les techniques et matériaux utilisés par Gauguin,
s’appuyant notamment sur l’expertise d’Harriet
K. Stratis, Senior Research Conservator à l’Art Institute
de Chicago pour l’oeuvre graphique de Gauguin, ou
les travaux de Dario Gamboni, professeur titulaire
à l’Université de Genève.

Le parcours de l’exposition est ainsi ponctué de salles
proposant une immersion dans les
techniques et les méthodes de travail de l’artiste.
À partir d’une trame chronologique, et enrichie d’un grand
nombre de prêts exceptionnels

(Les aïeux de Teha’amana, Chicago ;
Eh quoi ! Tu es jalouse ?, Musée Pouchkine, etc.),

l’exposition met en évidence l’imbrication et les apports
mutuels entre schémas formels et conceptuels, mais également
entre peinture et objets : dans ces derniers le poids
de la tradition, moins pesante, permet davantage de libération et un
certain lâcher‑prise. Une sélection resserrée de sources
regardées par Gauguin permet de comprendre
pleinement son processus créatif (céramiques, oeuvres
impressionnistes, art extra-européen…).
Prélude au parcours de l’exposition, « La fabrique des images »
est consacrée aux débuts de Gauguin, de sa
représentation de la vie moderne dans le sillage de Degas
et Pissarro, aux premières répétitions d’un motif,
autour de la nature morte et des possibilités de mise
en abyme qu’elle offre.

« Le grand atelier » se concentre ensuite sur la période
bretonne de l’artiste. L’observation de la vie bretonne,
intégrée, transformée et assimilée, lui permet de dégager
des motifs récurrents qui connaissent de nombreux
avatars (la ronde, la femme assise, la bretonne de dos…)
et d’entamer des recherches formelles en dessin,
peinture et céramique.

« Du sujet au symbole » montre comment Gauguin,
mû par une ambition artistique croissante, s’oriente
vers des compositions de plus en plus investies
de significations morales, qui deviennent le réceptacle de
ses états intérieurs. Leur accomplissement se trouve
dans la mise en scène du « terrible moi » souffrant et
sauvage. Les motifs n’échappent pas à cette mue :
ainsi le baigneur devient Léda, la figure du désespoir
inspiré par une momie du Trocadéro devient une allégorie
de la Misère humaine, et la femme dans les vagues se mue
en Ondine.
« L’imagier des Tropiques » met en évidence la résonance
des traditions maories dans l’oeuvre de Gauguin.
S’il construit lors de son premier voyage à Tahiti
une imagerie personnelle de la vie tahitienne, l’exposition
souligne là encore la puissance de ses recherches
formelles. Le thème récurrent d’une nature « habitée »
traverse les oeuvres réunies dans cette section, comme
en témoignent les pastorales et le développement
du thème de l’Homme dans la nature.

Respiration au sein du parcours, une salle est dédiée
au manuscrit de Noa Noa, très rarement montré au
public.

La section « Mythes et réinventions » met en évidence
l’amplification de la dimension mystique de l’oeuvre
de Gauguin à Tahiti. Face aux traces matérielles restreintes
laissées par les cultes tahitiens, Gauguin invente
à partir de la tradition orale tahitienne un nouveau
langage plastique. La figure de l’inquiétant Esprit des
morts (Buffalo, Albright – Knox Art Gallery) venant
tourmenter les tahitiennes revient sans cesse dans les
oeuvres de cette période.

L’ultime section « En son décor » est centrée sur l’obsession
de Gauguin, pour les recherches décoratives
dans sa dernière période, aussi bien dans les intérieurs
que dans l’évocation d’une nature luxuriante
(Rupe Rupe, Musée Pouchkine).
Oeuvre d’art totale, sa case à
Hiva Oa (la Maison du Jouir) vient parachever
sa quête d’un âge d’or primitif. L’évocation numérique
sous forme d’hologramme de la Maison du Jouir,
présentée pour la première fois dans une exposition
avec les sculptures qui ornaient son entrée, clôture
le parcours par une découverte de la dernière maison-atelier
de Gauguin. L’occasion d’offrir au public une
immersion inédite dans l’atelier de sa création.

commissariat à Paris : Claire Bernardi, conservateur peinture,
musée d’Orsay ; Ophélie Ferlier-Bouat, conservateur
sculpture, musée d’Orsay ; à Chicago : Gloria Groom,
Chair of European Painting and Sculpture Department, David
and Mary Winton Green curator, Art Institute of Chicago
scénographie : Nicolas Groult et Valentina Dodi
les photos du Grand Palais sont de Didier Plowy

…………………………………
ouverture : les dimanches, lundis et jeudis de 10h
à 20h. Les mercredis, vendredis et samedis de 10h
à 22h. Fermé tous les mardis.
L’exposition de la Fondation Beyeler en 2015 avait
permis de voir  (peut-être) une dernière fois
Nafea faaipoipo, 1892 Quand te maries-tu?
Huile sur toile, 105 x 77,5 cm Collection Rudolf Staechelin ,
qui aurait été vendue pour 300 millions de dollars (?)
au Qatar par son propriétaire.
voir ici le détail
L’exposition de la Fondation Beyeler, privilégiait
les toiles et sculptures de Gauguin, dans un
cheminement complet de sa biographie,
sans comporter les espaces didactiques du
Grand Palais, un peu lassant, qui permettent
de se poser le long du parcours.

 
Jusqu’au 17 décembre 2017
10 ans après avoir finalisé la création des Poissons
des Grandes Profondeurs ont pied, Yves Chaudouët,
artiste volontairement iconoclaste et inclassable,
présente sa gigantesque installation de deux cents pièces
de verre : étoiles de mer, méduses, bancs de poissons
suspendus ou délicatement posé, réfléchissent dans la nuit
et invitent le spectateur à une déambulation méditative
et métaphysique.

Les premières réflexions et formes sur ces mondes aquatiques
semblent avoir débuté avec un monotype de 1997,
Deux Poissons abyssaux et des séries de lithographie et gravures.
L’oeuvre dense et protéiforme de Yves Chaudouët
emprunte de nombreuses bifurcations, parmi elles un intérêt
évident pour la question du clair-obscur.

Ce dialogue ombre et lumière se retrouve en peinture
notamment mais est décliné dans d’autres pratiques comme
ici avec cette oeuvre sur les abysses. Les questions de suspensions,
au sens propre mais certainement figuré, thème cher
à l’artiste sont dévoilées dans l’installation où se découvre
peu à peu dans l’obscurité, un univers marin en apesanteur.
Dans ce petit théâtre des profondeurs se joue une vie inconnue
et mystérieuse, nourrissant recherches et fantasmes
chez les humains.
L’artiste semble fouiller notre inconscient
– et le sien –, et fait appel à nos sens nous laissant dans
un état de lévitation. Les poissons eux-mêmes inspirant
ce dispositif, évoluent dans des profondeurs où aucune lumière
n’existe, si ce n’est la bioluminescence produite par ces
organismes vivants, que sont les affreux, les méduses,
les étoiles opalines ou les anguille miroirs.

L’obsession d’Yves Chaudouët de rendre visible ces éléments
invisibles l’ont ainsi lancé dans un cycle de création
et de production de longue haleine, dévoilant d’abord
un prototype en 2001 avec le « Poisson des Abysses »,
réalisé à Murano. Il déploie ensuite son projet en collaboration
étroite avec les maîtres verriers du Centre International
d’Art Verrier de Meisenthal en 2006 et 2007,
et il créé ainsi Les Poissons des grandes profondeurs ont pied.
Chacune des pièces de l’installation, combine verre soufflé,
verre travaillé au chalumeau, ou verre argenté.
Parallèlement, Inaliénable(1), polar artistique écrit à 4 mains
raconte la genèse de cette aventure dans la cité verrière,
et une fiction décalée L’affaire du faux poisson(2)
documente le projet.
L’exposition est ainsi l’occasion de découvrir ou re-découvrir
cette » oeuvre majeure, lauréate en 2011 de la première
édition du concours ”Talents Contemporains”
de la Fondation François Schneider.
Ces créatures luminescentes offrent une traversée
poétique exceptionnelle.
À propos d’Yves Chaudouët
Né en 1959 à Paris, Yves Chaudouët vit et travaille
à Bazas en France.
S’enracinant dans la peinture et la poésie, les oeuvres
d’Yves Chaudouët construisent une cosmogonie où mots,
créatures, objets et paysages parlent de leurs relations,
amoureuses, colorées, géométriques, politiques.
Yves Chaudouët a été l’artiste associé de La Criée (Rennes)
en 2015. Ses photographies, installations et peintures
sont présentes dans les collections du CNAP, de la New York
Public Library, du FRAC Artothèque du Limousin, du Centre
des livres d’artistes ou de l’Albertina. Yves Chaudouët
est également l’auteur de nombreux livres, dont le récent
Essai la peinture (Actes Sud, 2015).
(1) Inaliénable, Yves Chaudouët et Yann Grienenberger,
Arles, Actes Sud, 2006
(2) L’affaire du faux poisson, Vincent Gérard, film, 52min, 2008
Fondation François Schneider
27 rue de la Première Armée
68700 Wattwiller – France
l’Équipe
Marie Terrieux – Directrice culturelle
Elodie Graff – Responsable des opérations
Sophie-Dorothée Kleiner – Chargée de médiation et des événements
Sylvaine Bahls – Comptable et assistante administrative
Raoul Ermel – Régisseur
Gwenaël D’Anna – Chargé d’accueil, assistant communication et régie
Halima El Hamdi – Chargée d’accueil et assistante administrative
Le Bistr’eau
+33 (0)3.89.82.10.10

Jusqu’au 14 janvier 2018 au
Musée du Luxembourg
Cette exposition rassemble environ soixante-cinq peintures
parmi lesquelles des prêts exceptionnels tels Marie de Médicis
(Musée du Prado) et Louis XIII (Melbourne), seul portrait de
souverain conservé peint devant le modèle.

Cette exposition a deux héros : une reine et un peintre.
La première, Marie de Médicis (1573-1642), veuve
d’Henri IV et mère de Louis XIII, est un personnage
majeur de l’histoire politique et diplomatique du premier
tiers du XVIIe siècle.
Le second, Pierre Paul Rubens (1577-1640),
est le peintre le plus célèbre de son temps.
Leur influence se déploie alors sur toute l’Europe.

Marie de Médicis, par ses origines familiales et les
alliances de ses enfants, est liée à toutes
les dynasties régnantes.
Rubens, au cours de ses voyages, plus que n’importe
quel peintre de l’époque baroque, opère dans tous
les foyers artistiques renommés, mêlant parfois création
et diplomatie. Une part méconnue, mais pourtant
essentielle, de l’oeuvre gigantesque et protéiforme
de l’artiste est ici révélée : ses portraits de rois
et reines, princes et princesses.

Lui sert d’écrin le Musée du Luxembourg, dans l’enceinte
du palais que Marie de Médicis a fait édifier à partir
de 1615 et pour lequel elle commanda à Rubens un
ensemble de toiles monumentales illustrant sa vie.
Cette exposition est aussi un album de famille de
Marie de Médicis. Des portraits peints par les rivaux
de Rubens, des mêmes modèles, à des dates
similaires, dévoilent l’originalité du maître dans ce
domaine aussi codifié que prestigieux.

Pierre Paul Rubens (1577-1640) fut un génie protéiforme.
Son oeuvre immense aborde quasiment
tous les sujets de la peinture. Ses portraits princiers
restent peu connus, ils sont pourtant essentiels
dans sa carrière. Peindre le portrait d’un souverain
est la commande la plus prestigieuse que peut
recevoir un peintre à l’époque, cet exercice doit
notamment permettre de flatter la sensibilité du
modèle.
S’il est connu que Rubens a reçu des commandes
de la part des rois, reines, princesses et
princes de son temps, jamais encore une exposition
ne leur a été consacrée.
L’exposition est présentée au Musée du Luxembourg,
dans le palais pour lequel Rubens réalisa un
de ses principaux chefs d’oeuvre : la galerie Médicis,
ensemble de tableaux monumentaux sur la vie
de Marie de Médicis, installés dans l’aile Richelieu
du musée du Louvre. La vie de la souveraine et
la carrière de Rubens s’entrecroisent.
Dans un parcours à travers les cours d’Europe,
tel un album de famille, l’exposition montre les
effigies de Marie de Médicis et des souverains
de son temps dont Rubens dressa le portrait et
qui, des Habsbourg à la cour de Mantoue,
ont tous un lien de parenté avec elle avant même
qu’elle ne devienne la mère et la belle-mère des rois
de France, d’Espagne et d’Angleterre.
Rubens naît dans une famille aisée originaire
d’Anvers et reçoit une éducation humaniste.
Il exerce un temps le rôle de page, ce qui lui permet
d’acquérir les comportements et l’aisance qui lui sont
utiles pour côtoyer par la suite les grands personnages
de son temps.

Il gagne l’Italie pour parfaire
sa formation de peintre, s’inspirant notamment
de Titien, auteur de portraits fameux de Charles
Quint et de Philippe II, et devient rapidement un
des peintres de la cour des Gonzague à Mantoue.
En 1609 il revient à Anvers pour devenir le peintre
de la cour des Flandres. A ce titre, il exécute
les portraits officiels des princes Habsbourg.
Il prolonge son séjour parisien destiné à honorer la
commande de Marie de Médicis pour le Palais du
Luxembourg en 1621, pour peindre Louis XIII, fils
de Marie de Médicis, et son épouse Anne d’Autriche,
soeur de Philippe IV, roi d’Espagne.
Celui-ci l’appelle ensuite à Madrid pour exécuter des portraits
de lui et de sa famille.
commissariat : Dominique Jacquot, conservateur en chef du musée
des Beaux-Arts de Strasbourg
sur France culture : l’Art et la Matière podcast sur Rubens
Avec Emmanuel Coquery, Directeur scientifique de la Rmn-Grand Palais, découvrez cette facette méconnue du travail de Rubens.

Conférence inaugurale

Manish Nai, la Matière comme medium
Jusqu’au 8 octobre à la Fondation Fernet Branca

Issu d’une famille de négociants textiles,
Manish Nai a commencé dès le début des années
deux-mille, à exploiter les possibilités offertes
par la jute, fibre végétale largement utilisée en Inde,
principalement dans l’habillement et dans le secteur
de la construction.

Détournée de sa destination originaire, la jute alors
compressée par l’artiste et agglomérée à du carton
de récupération, devient la matière première d’ensembles
sculpturaux monolithiques aux arrêtes saillantes
et parfaitement rectilignes. Accolées à une structure en bois,
les sculptures compressées de Manish Nai s’inscrivent
à la frontière des plans bidimensionnels et tridimensionnels.

La série des Billboards part d’une exploration sociologique
de l’espace public de Bombay. Suite à la période de récession
entamée par l’économie mondiale en 2008, une multitude
de panneaux d’affichages étaient laissés partiellement vacants,
sans publicités.
Photographiés sur les bords des routes puis combinés et arrangés
digitalement par l’artiste, ces compositions mettent en œuvre
le concept de sérendipité, ou  heureux hasard :
« Jusqu’à ce que le papier soit arraché, je n’ai aucune idée de
ce qui apparaitra sur le mur. »
De ce procédé de création émergent des formes et motifs
abstraits, géométriques et entrecoupés par des bribes
de mots et de phrases désorganisés dont la signification
initiale devient supplantée par les seules propriétés esthétiques
de l’ensemble. On peut penser aux affichistes tels Raymond Hains.

Plus singulières, les sculptures compressées faites de journaux
ainsi que l’assemblage de bâtonnets bariolés en tissus
de récupération procèdent de la réutilisation et de la
pérennisation d’objets à la durée de vie généralement éphémère.
Il y a du Boltanski, dans cette récupération.
Intimement liées au mode de vie indien, le pays comptant
près de cent quotidiens différents, dans dix-neuf langues,
les sculptures de journaux sont compressées puis moulées
autour d’une légère armature de bois.

La fraîcheur et la spontanéité de la démarche de Nai
dans le choix de ses matériaux provient de la grande
distance qui le sépare de ces repères historiques.
Il instaure néanmoins une sorte de dialogue avec quelques
figures emblématiques du modernisme occidental d’après-guerre
lorsque son intérêt pour la matérialité du jute le pousse
à réaliser des formes simples, unitaires, telles que le cube
et la colonne, très répandues dans l’art minimaliste.
Or, même si ses oeuvres semblent extraites de leur contexte,
le regard de Nai est loin d’être indifférent aux innombrables
sollicitations qu’offre le spectacle de la vie quotidienne
d’une mégalopole comme Bombay, son lieu de résidence.
De manière significative, ce sont les façades de l’espace
urbain, les murs boursouflés, dévorés par le temps et
rongés par l’érosion, qui constituent sa toile de fond et
attirent le plus son attention.
« Lorsque je parcours la ville, je recherche des moments
de vacuité et de planéité. Pour moi, les panneaux d’affichage
vides et les murs de béton sont comme des oeuvres d’art. …
J’ai souvent observé des ouvriers du bâtiment façonnant
des murs en jetant du ciment dans des dalles, on aurait dit
qu’ils réalisaient une peinture gestuelle ».

Souvent recouverts d’une couche de peinture blanche ou
sommairement dissimulés avec du papier ou du plastique,
dans l’attente des messages et images publicitaires qui sont
leur raison d’être, les panneaux d’affichage vides qui ont séduit
l’oeil aiguisé de Nai offrent une gamme surprenante de
figures et d’accidents picturaux inattendus – monochrome,
grille, collage, glacis, lettres ou chiffres en filigrane.
Les photographies de ces « abstractions trouvées »
fascinent autant que son travail autour de matériaux
plus vernaculaires, auquel elles fournissent un contrepoint
ingénieux.

Né en 1980 à Gujarat, en Inde, Manish Nai est diplômé
en arts plastiques de la L.S. Raheja School of Art de Bombay.
Manish Nai vit et travaille à Bombay.
Fondation Fernet Branca St Louis
2 rue du Ballon
Horaire
du mercredi au dimanche
13 h à 18 h