Atelier sérigraphie et édition de la Haute école des arts du Rhin, Mulhouse
coproduction La Filature, Scène nationale de Mulhouse ; Haute école des arts du Rhin · dans le cadre des 30 ans de l’atelier sérigraphie et édition de la Haute
école des arts du Rhin, Mulhouse · retrouvez cette exposition sur lafilature.org
Le Ministère de l’Impression, atelier de sérigraphie et d’édition du site d’arts plastiques de Mulhouse de la Haute école des arts du Rhin, célèbre ses 30 ans et avec cette exposition une longue amitié avec La Filature.
L’atelier de sérigraphie de la HEAR-Mulhouse est un lieu unique de réflexion et de production qui a vocation à établir un courant continu et transversal entre les étudiant·es de toutes les années des options art, design et design textile proposées à l’école d’art. Il est une zone d’effervescence où les rencontres, les apprentissages et les expériences s’éprouvent au quotidien sous l’égide des artistes et praticien·nes Christian Savioz (successeur en tant que responsable de l’atelier à son fondateur Daniel Burgin) et Claire Morel à qui nous avons spontanément confié la conception de cette exposition. 
La proposition qu’ils ont faite est d’une élégante générosité. Sa conception même, les étudiant·es et artistes qu’elle convie, les travaux qu’elle rassemble – choisis parmi ceux archivés depuis la création de l’école –, en font une exposition qui révèle avec éclat les enjeux de l’atelier.
Au Ministère de l’Impression, les études permettent l’approche d’une technique mécanique, c’est-à-dire exacte, de production d’objets conformes en termes de matières, de proportions, de couleurs ou encore de textures.
La sérigraphie y est envisagée comme médium mais aussi comme pensée, champ de recherche et moyen d’expression. Impression de film pour typon, enduction, insolation, dégravage d’écran, sérigraphie, polymérisation ultraviolette… induisent un agencement de techniques et de gestes qui se succèdent, dont l’enchaînement dicte autant la cohérence pour l’objet manufacturé que la fluidité pour l’acte créateur. Au sein de l’atelier, la sérigraphie contribue à élargir la possibilité de diffuser des idées à travers l’image imprimée (souvent un multiple – idée sociale généreuse !). Et tout tend à s’imprimer au Ministère : posters, fanzines, livres, métrages textiles, jeans, culottes, casquettes, plaques de zinc, de cuivre, d’acier, d’aluminium, de plâtre, de béton, de bois, de plexiglass, linoléum, miroirs, bouteilles de bière, boîtes de conserve, pain d’épices, hosties, tablettes de chocolat, corps humain, peaux de bêtes…
Les infinies ressources dont l’atelier recèle sont révélées dans un journal de bord publié chaque année, où sont méticuleusement consignés les détails de son activité, avec les mêmes exigences journalières que celles du métier de sérigraphe.
Déployés dans l’exposition à La Filature, des exemplaires de ce journal intègrent un ensemble d’œuvres, non pas simplement transférées de l’atelier, mais issues des imaginaires individuels ou collectifs où elles ont d’abord été élaborées. Émancipées des classifications conventionnelles, les images circulent d’un support à l’autre (affiche, papier peint, carrelage, t-shirt,
mémoire d’étudiant·e), d’un langage à l’autre (construit autour de lignes et de formes ou constitué d’un vocabulaire de motifs et de couleurs).
Posant des questions aussi bien esthétiques qu’éthiques, les œuvres, parfois
subversives, nous invitent à développer des dimensions cognitives particulières, à être spectateur·rice et sujet d’expérimentations tout autant graphiques et chromatiques que sociétales et politiques. Un objet en
témoigne en particulier : un prototype de canoë en bois et en carton, vestige d’un workshop au cours duquel les élèves étaient invité·es à courir une régate dans des embarcations de leur fabrication, est ici posé au sol, comme une incitation à nous rêver réhabitant·es de nos espaces de vies.
Emmanuelle Walter, responsable arts visuels à La Filature, Scène
nationale de Mulhouse
Photos Anne-Catherine Goetz
LES RENDEZ-VOUS
EXPOSITION du ma. 12 mars au sa. 18 mai 2024
du ma. au sa. de 13h à 18h + di. de 14h à 18h + soirs de spectacles
VERNISSAGE ma. 12 mars 19h
en présence des artistes · avec un DJ & VJ set par Fleur en strass, Aimée et 16@
CLUB SANDWICH je. 11 avril 12h30
visite guidée de l’expo + pique-nique tiré du sac + Food Truck sur le parvis de La Filature (gratuit sur inscription au 03 89 36 28 28)
VISITES GUIDÉES sur rendez-vous
edwige.springer@lafilature.org ou 03 89 36 28 34
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Catharina van Hemessen (1528 – après 1565
Marietta Robusti, dite la Tintoretta (vers 1554/55–1614)
Michaelina Wautier (1604–1689) fut l’une d’entre elles. D’autres encore se marièrent avec un artiste. Rachel Ruysch (1664–1750) épousa le peintre Juriaen Pool (1666–1625) qui lui permit non seulement de peindre, mais on sait également que les natures mortes de Rachel se vendaient même mieux que les siennes et qu’il la soutenait véritablement dans son travail. Elle fut la première femme à être admise au sein de la guilde des peintres de La Haye
Rachel Ruysch (1664–1750)
Au cours de ces siècles, les thèmes du portrait et de la nature morte florale prédominent chez les artistes femmes. Néanmoins, des exceptions pouvaient se produire : la peinture d’histoire, le plus noble des genres, constituait parfois le sujet du tableau. Il n’existe pas de thème « typiquement féminin », les motifs étant surtout l’expression du lieu de la pratique artistique et de l’époque où vivait chaque artiste. Le cercle des commanditaires déterminait également le sujet : tandis que la bourgeoisie s’affermit comme commanditaire aux Pays-Bas et en Allemagne, la noblesse conserva sa suprématie en Italie et en Espagne où s’ajoutaient des commandes ecclésiastiques encore plus importantes. Ces commandes déterminaient également les formats. Ainsi, le tableau de genre (d’un rang inférieur) s’imposa dans certaines régions du Nord à partir du XVIIe siècle face au tableau d’histoire qui perdura dans le Sud. Le portrait et la nature morte florale se retrouvent toutefois de la même façon chez les artistes du Nord comme du Sud.
Les tubes fluorescents de Dan Flavin évoquent des usines, des établissements de restauration rapide ou encore des parkings. L’artiste utilise délibérément cet effet de même qu’une palette réduite imposée par le mode de fabrication des lampes fluorescentes : bleu, vert, rouge, rose, jaune, ultraviolet et quatre tons différents de blanc. Au cours de sa carrière, il transforme des lampes et de simples arrangements géométriques en de complexes travaux architectoniques et des séries élaborées composées de plusieurs parties. Flavin s’oppose vigoureusement au fait que ses oeuvres soient considérées comme des sculptures ou des peintures et les qualifie plutôt de « situations ». Dans ses écrits et autres déclarations, il souligne en outre l’objectivité de son oeuvre. Dans le catalogue consacré à l’exposition de l’un de ses premiers grands travaux institutionnel au Stedelijk Van Abbemuseum en 1966 il écrit :
L’oeuvre de Dan Flavin s’inscrit dans la catégorie de l’art minimal du fait de sa volonté de se limiter strictement au travail avec un objet de facture industrielle ainsi que de la sérialité de ses oeuvres. Carl André, Donald Judd, Sol LeWitt et Robert Morris sont considérés à ses côtés comme les principales figures de ce courant artistique – chacun d’entre eux réfutant toutefois plus ou moins clairement cette appartenance.
Le rôle fondamental du titre se précise également lorsque Dan Flavin se réfère à des événements politiques. Ainsi, des travaux évoquant les atrocités de la guerre se lisent à la lumière de sa position contre la guerre au Vietnam, à l’instar de monument 4 for those who have been killed in ambush (to P.K. who reminded me about death) qu’il présente en 1966 dans l’exposition Primary Structures. Younger American and British Sculptors au Jewish Museum de New York, l’une des premières expositions institutionnelles consacrée à l’art minimal, courant artistique encore nouveau à l’époque.
L’oeuvre de Flavin provenant de la Pinakothek der Moderne de Munich est de type « barrière », c’est-à-dire conçue pour limiter l’accès du public à une partie de la salle d’exposition.
En outre, des dessins de Dan Flavin sont présentés aux côtés d’installations, pour certaines de grandes dimensions. Ils contiennent des portraits encore peu connus, des représentations de la nature, ainsi que des croquis d’oeuvres et des diagrammes. Outil essentiel pour Flavin, ses petits carnets constituent une sorte d’archive de son oeuvre s’étendant sur plus de trente ans. L’exposition se penche également sur le contexte socio-historique qui vit éclore ses premiers travaux avec la lumière si déterminants pour la suite de sa carrière.
De son côté, Franz Meyer sélectionne environ 277 travaux sur papier avec Dan Flavin : dessins, eaux-fortes et plans techniques ainsi que plusieurs oeuvres d’Urs Graf, artiste suisse de la Renaissance, pour lequel Flavin se prend d’affection durant son séjour à Bâle.
Depuis 1975, la cour intérieure du Kunstmuseum Basel | Hauptbau abrite untitled (in memory of Urs Graf), une oeuvre que Dan Flavin a spécifiquement conçue pour ce lieu. Impossible de s’imaginer aujourd’hui la cour sans ce jeu de lumières rose, jaune, verte et bleue dégageant une atmosphère vibrante. Pourtant, jusqu’à la fin des années 1970, des dissensions subsistent au sein de la commission artistique du musée pour déterminer si l’oeuvre doit rester sur place. Il faudra attendre sa donation par la Dia Art Foundation pour confirmer son maintien. Toutefois, on se refusera pendant longtemps à l’allumer. Cette anecdote illustre que la survenue d’un changement radical des habitudes de perception et des opinions nécessite du temps. L’exposition organisée actuellement au Kunstmuseum Basel présente également des documents d’archive des musées mettant cela en évidence.
Holbein le Jeune
Albrecht Dürer
Les maisons de commerce comme le Fugger ou le Welser, les nombreux séjours de l’empereur Maximilien Ier et le Reichstag qui s’y réunissait souvent. Augsbourg se caractérise par un climat particulièrement ouvert d’esprit dans lequel les positions de l’art de la Renaissance influencées par la culture humaniste de l’Italie sont mises à l’épreuve. Outre Albrecht Dürer, les pionniers comprenaient également des collègues artistes et concurrents
Hans Holbein l’Ancien (environ 1460/70–1524) 
Jan van Eyck,
au micro Baudoin Jannink à droite Robert Becker
Le Conseil de l’Europe expose Guernica – Ukraine, l’oeuvre qui fait dialoguer le « Guernica » de Picasso et
éditions jannink
Pour son édition 2024, art KARLSRUHE, l’une des plus importantes foires
L’édition 2024 d’art KARLSRUHE offre un panorama de la production des cent-vingt dernières années, couvrant ainsi la période allant de l’art moderne classique à l’art contemporain. Kristian Jarmuschek déclare à ce propos avec satisfaction :
Otto Piene (1928-2014) visait avec son art des objectifs de grande envergure : non seulement il a littéralement étendu son champ artistique jusqu’au ciel en y faisant flotter son Sky Art et des projections médiatiques, mais ses œuvres se concevaient également comme des contributions à un monde plus harmonieux et durable. Dans sa structure thématique, l’exposition au Musée Tinguely Otto Piene. Chemins vers le paradis retrace les visions de l’artiste au fil des projets et cycles majeurs de son travail. Des réalisations de différents genres et époques dialoguent entre elles et notamment avec sa pratique constante du dessin. Hormis ses Rasterbilder, Rauchzeichnungen, Feuerbilder et ses sculptures lumineuses, l’exposition rassemble plus de 20 carnets de croquis de Piene qui permettent des lectures nouvelles et multiples de son art. Une attention particulière est portée à ses premières installations immersives, telles que
Lichtraum mit Monchengladbachwand (1963-2013) ou Anemones: An Air Aquarium (1976-2023), ainsi qu’à ses expériences innovantes avec la télévision et les intermédias (The Proliferation of the Sun, 1967; Black Gate Cologne, 1968, entre autres). Dix ans après la rétrospective inaugurée à Berlin en 2014 du vivant de l’artiste, cette grande exposition temporaire au Musée Tinguely remet pour la première fois son œuvre à l’honneur. L’exposition se tient à Bâle du 7 février au 12 mai 2024.
contribuer au développement de la société, dépasser le clivage entre art et technologie, lutter contre les défaillances écologiques et, surtout, aider à un monde plus pacifique, uni à travers l’art. Avec son Sky Art, Piene a également conçu des projets politiques et symboliques concrets, comme le Olympischer Regenbogen (1972) ou la Black Stacks Helium Sculpture (1976), exemples d’art communautaire spécifiquement destiné à un public de masse et fermement contre l’exclusion élitiste du monde de l’art. L’exposition suit ainsi deux axes, celui des médias et celui du contenu, qui certes diffèrent mais sont en même temps étroitement liés l’un à l’autre.
Par son articulation thématique, l’exposition nous guide à travers l’œuvre de Piene de la seconde moitié du xxe jusqu’au xxre siècle. Avec des présentations mêlant sculptures, peintures, dessins et documents d’archives (photographies et vidéos, documents), les grands domaines de l’artiste se révèlent au fil des différents médias et phases créatives. Reprenant l’intérêt prononcé de Piene pour la technologie et les nouveaux médias, l’exposition sera l’opportunité de découvrir les carnets de croquis au format numérique. Les techniques de présentation permettront d’illustrer la qualité cinétique et animée des carnets de l’artiste, qui apparaît au fur et à mesure de leur feuilletage, avec notamment ses expériences sur la répétition et l’infiltration de la couleur des feutres.
Chemins vers le paradis déploie également dans plusieurs salles d’exposition des projections lumineuses ou des installations avec des structures gonflables, qui invitent le public à découvrir son art spatialement et physiquement. Les différents volets de l’exposition se déroulent dans une suite de onze salles dont la densité et l’atmosphère varient, allant de caissons plongés dans l’obscurité (Black Box) à des salles aérées et baignées de lumière. Les présentations dans les grandes salles blanches (White Cube) alternent avec des expériences immersives optiques, cinétiques et sculpturales, de type installation
mais aussi son art médiatique avec Black Gate Cologne (1968), The Medium Is the Medium (1969) et Lichtspur im Haus der Sonne (1974). Des œuvres moins connues et des découvertes d’archives plus récentes seront également présentes. L’exposition donnera par ailleurs un souffle nouveau à plusieurs œuvres qui, depuis leur première présentation, n’ont pas été montrées pendant longtemps (par exemple Anemones: An Air Aquarium, Creative Time, New York, 1976-2023; Windsock Sculptures, MIT, 1969-1970). 
Cette exposition a été conçue de manière à souligner, en particulier de nos jours, toute la pertinence des stratégies pionnières de Piene qui cherchaient à combiner l’art avec la technologie et le potentiel public, social et environnemental de l’art. Chemins vers le paradis interroge sur ce que nous pouvons apprendre aujourd’hui de l’art visionnaire d‘Otto Piene. Au-delà de la critique à l’encontre d’un enthousiasme naïf pour la technologie ou d’un idéalisme romantique, l’exposition invite à redécouvrir son travail comme un outil qui élargirait notre imaginaire.