Auteur/autrice : elisabeth

C’est à  la galerie Cheloudiakoff 1bis rue des Capucins,
90000 Belfort – 03 84 22 64 16
que Joseph Bey nous emmène d’un Rivage à l’Autre
dans un Naufrage Céleste.

En fait de naufrage, c’est une plongée dans le noir, décliné avec les gris et les blancs de toutes les nuances.
Le noir est une couleur !
Cette assertion servit de titre, en 1946, à l’une des premières expositions d’après-guerre organisée à la galerie Maeght, à Paris: Bonnard, Matisse, Braque, Van Velde et d’autres y mêlaient leurs pinceaux.
[Révélé au XIXe siècle par les sombres visions de Goya et de Victor Hugo, justifié par les fantasmagories informes, infernales et chimériques d’Odilon Redon, retrouvé par Manet dans les ombres de Velázquez, le noir fut la paradoxale aurore du XXe siècle, alors qu’il s’annonçait comme le crépuscule du siècle précédent, symboliste et romantique.
Et puis Matisse vint et l’affirma, le théorisa précocement, et le clama comme un mot d’ordre : le noir est une couleur…..]
extrait d’un texte de Dominique Païni, (il fut à sa tête pendant une courte période)

Noir : Histoire d’une couleur (podcast)
Noir. Couleur des ténèbres, de la mort et de l’enfer, le noir n’a pas toujours été une couleur négative. Au fil de sa longue histoire, il a aussi été associé à la fertilité, à la tempérance, à la dignité, à l’autorité. Et depuis quelques décennies, il incarne surtout l’élégance et la modernité. Du noir des moines et des pirates au noir des peintres et des couturiers, Michel Pastoureau, dans son livre noir retrace la destinée européenne et la symbolique ambivalente de cette couleur pas comme les autres.
Du noir des moines: la galerie se situe rue des Capucins !
Les amis de Joseph ne sont-ils pas en accord profond avec la dite couleur.

 
Si vous pensez que Joseph n’utilise qu’un seul pot de couleur noire je vous invite à regarder cette vidéo (amateur) tournée dans son atelier de Riedisheim, où ce professeur de physique, nous emmène dans sa galaxie. A 14 ans il suit avec passion l’alunissage d’Apollo 11. Depuis devenu adulte sa quête de la lumière est restée intacte.
Le marcheur de Compostelle, mystique et intellectuel, pose les questions de l’espace, de la création de l’univers et du Big Bang.
On assiste d’abord au noir profond, puis à l’allumage des étoiles, à la recherche du Graal.

Ses Monolithes noirs se dressent dans l’entrée de la galerie. Il faut grimper à la mezzanine
pour contempler des  toiles où l’on  voit des noirs brillants, des gris très clairs, des gris colorés de bleu, de rouge, des toiles de lumière, dont les structures de la matière animent
les toiles où scintillent les étoiles et la voie lactée. Des petites toiles alternent avec des séries, dans la même veine que les grandes créant des valeurs différentes avec la même force.

Ses colonnes sont bancales, comme les stèles chaotiques, des cimetières juifs
de Prague.

Sa dernière exposition de 2013 se veut la matérialisation du concept de matière noire, qui désigne la matière non visible indispensable à l’action de la gravitation.
Le regardeur se doit de laisser la couleur advenir, elle dynamise la surface de la toile,
sans austérité. La planète de Joseph Bey, son espace lunaire nous plonge dans des réflexions, sur l’immensité du monde et l’inanité des choses.


Jusqu’au 2 décembre 2015

Pour en savoir plus le catalogue de la FondationFernet Branca de l’exposition
Prendre le Temps

Le Séchoir, arts en mouvements à Mulhouse, a donné carte blanche à
François Bruetschy.

« La peinture, ce n’est pas seulement faire des
jolies toiles, c’est une réflexion.
C’est une façon de penser avec la main, le geste…
Et je suis mon propre découvreur, un explorateur de ma propre pratique. » FB

Sur les cimaises de la galerie d’art, les dessins blancs sur papier noir, de François Bruetschy, sont comme des inscriptions sur des stèles, comme si l’artiste avait graphité sur des sculptures de Richard Serra. Ses formes sont issues de ses promenades, d’une mémoire visuelle, qu’il essaie d’intérioriser et tente d’exprimer dans son travail quotidien. Dans les formes, qu’il voit dans les trous noirs des arbres, lui sont apparues d’autres formes, comme des constellations. C’est une peinture intellectuelle découlant du cheminement de l’esprit, que l’on pourrait avec beaucoup de réserve, approcher de
Cy Twombly.
Il affectionne la monochromie, dans la superposition des couches
on comprend son admiration pour Bonnard.

« Le trait est la parole du peintre, ce n’est pas une gesticulation,
c’est une chorégraphie. Il faut que les choses aient une
résonance intérieure. Cela vient avec le travail.
Beaucoup de travail. Je suis là-dedans tout le temps,
j’en rêve la nuit… » FB

La matière du fusain (produit par la calcination des branches de saule) espèce de scintillement intérieur qui lui rappelle de la même manière, le scintillement du ciel. L’artiste procède par plusieurs couches, en partant du fusain le plus dur, pour lever la surface du papier, pour arriver à du fusain de plus en plus tendre, qui permet de créer ce velours avec le plat de la main par l’effacement, l’estompage et la préservation de la réserve, puis les formes s’imposent. Non les formes des arbres, mais celles qui se laissent voir entre les branches qui évoquent des paysages, comme des passages de nuages dans lesquels chacun se plait à trouver des formes. Ce sont comme des illustrations d’haïku ou encore des idéogrammes chinois ou japonais, de fines broderies sur coussins de velours, que l’on aime examiner attentivement.

Dans les éléments construits, c’est l’architecte qui se manifeste. Ils sont fait pour être en tension, ou en critique, une recherche entre construction et circulation à l’intérieur d’un espace.  Il y a des œuvres plus architecturales, plus monumentales, là encore on se trouve presque dans l’ornement, car elles peuvent se lire comme une tapisserie, ou un tapis suspendu.

Les formes se promènent à l’intérieur du format, indiquent la liberté du geste, la précision du pinceau, avec une ligne directrice, autour de laquelle tout s’enveloppe comme en contrepoint, comme dans un dessin entre l’abstrait et le figuratif.

Il dit avec malice, « que la peinture est aussi une sorte de désastre, parce qu’on aboutit jamais là où on voulait aboutir ».
Hélène Sturm en parle : « Le travail, c’est tout le temps. Le reste est du temps perdu, quel que soit le plaisir qu’il y prend. Les heures passées à courir ou marcher n’existent que pour que le corps peignant ne soit pas peinant et dure, et dur. Et c’est là que se font les provisions, les prévisions, les visions. Personne ne sait comment ça fonctionne. Même pas lui. Tout est dans les dessins, les peintures, les volumes, et dans certains 1 %, disparus – c’est un regret qu’il a. C’est un souci qu’il a : qu’est-ce que ça va devenir, tout ça ? La sinueuse ligne blanche qui traverse le noir du temps, il l’inventera en la suivant jusqu’au bout, qui arrivera trop tôt alors que rien ne sera achevé. Il n’arrive pas à se faire à cette idée. C’est une mauvaise idée, disent le noir à ses mains, la tache de rouge sur sa joue, quand il descend de l’atelier parce qu’il a soif et faim et qu’il s’inquiète de la marche du monde ».
Hélène Sturm son épouse, auteure de Walter et Pfff
(toujours en librairie)
« C’est toujours un plaisir de travailler avec lui, on
progresse tout le temps… On apprend des nouvelles techniques,
on réfléchit sur nos pratiques de manière très naturelle… En parlant
de poésie, de littérature, de musique… » Mathieu Stahl

A l’accueil un entretien vidéo du tac au tac, mené par Sandrine Stahl,
présidente du Séchoir, vous familiarise avec l’artiste.
Ouverture au public tous les samedis et dimanches
de 14h à 18h jusqu’au 20 décembre.

Ben Vautier. Est-ce que tout est art ?

Ben Vautier est un showman multilingue (vidéo), passant du français, à l’allemand, puis à l’anglais, dans une même phrase avec une facilité déconcertante.
L’amour c’est des mots, écrit-il, il a avant tout l’amour des mots, c’est un poète à 60 % suicidaire, mais il nous rassure dans un grand sourire : je ne me suiciderai pas ! (podcast)
La culture manipule ? Acrobate du verbe, avec sa faconde c’est lui qui nous manipule, même si vous n’appréciez pas particulièrement son art, il est d’une franchise désarmante, il clame, écrit
persiste et signe, l’artiste est égocentrique,

angoissé, vaniteux, peureux, philosophe. C’est aussi un perfomer, il se moque des journalistes qui se pressent à sa visite, en les appelant : » allez les moutons« ; ils sont plutôt conquis par sa bonhommie et suivent patiemment les curateurs dans les 30 espaces aménagés au rez de chaussée du musée Tinguely.
Le musée Tinguely présente toujours avec pertinence, dans ses expositions des artistes
en adéquation avec l’esprit de Jeannot Tinguely.
Le Musée Tinguely montre l’univers artistique de Ben Vautier pour la première fois dans son ensemble en Suisse. L’artiste franco-suisse vivant à Nice, connu surtout sous le nom de Ben, dit lui-même : « Je signe tout » – commentant ainsi, par ses images et actions, le monde comme un tout. « L’art est inutile », « Je suis le plus important » – c’est avec ce genre de propos que Ben Vautier crée délibérément la confusion et la provocation depuis près de 60 ans, mais tout en incitant aussi à la réflexion.
Car chaque phrase, aussi brève soit-elle, recèle un immense potentiel de questions capitales sur la vérité dans l’art, le rôle de l’artiste dans la société ou le rapport entre l’art et la vie. Ses écritures couvrent un très large éventail : réflexions intimes ou théories postmodernes sur l’art et jusqu’à l’anthropologie ou la religion. Elles sont le reflet de ses questionnements personnels sur ces thèmes et témoignent d’un esprit critique qui n’hésite pas à remettre en cause tout et tout le monde – y compris son propre ego. Par la manière dont elle mêle les arts, la philosophie et le quotidien, l’oeuvre de Ben est unique. À partir des ready-mades de Marcel Duchamp,
Ben perpétue de façon systématique l’idée selon laquelle une oeuvre d’art est reconnaissable non pas par sa teneur matérielle mais exclusivement par la signature. Les images écrites à la main qui font les commentaires de Ben sont assurément une caractéristique essentielle de son art et en constituent la griffe.
Ben fut l’un des premiers artistes en Europe à faire descendre l’art dans la rue. À partir de 1959, il élargit ensuite la notion d’art courante avec ses fameuses « actions de rue ». Celles-ci peuvent être des gestes quotidiens (attendre à un arrêt de bus) ou plutôt ‘décalés’ (traverser le port de Nice à la nage habillé, avec un chapeau).

Dans les années 1960, avec ses nombreuses actions, Ben devient un personnage majeur du mouvement Fluxus en Europe. Une sélection de ses performances – qu’il nomme simplement « gestes » –est présentée au Musée Tinguely avec des panneaux carrés, peints en noir et blanc, assemblés en collages, ainsi qu’à travers des documents historiques tels que des films originaux.

Une oeuvre figure au coeur de l’exposition : le « Magasin » (1958-1973) de Ben, où il vendait jadis, à Nice, des disques d’occasion. Ce magasin est devenu pendant les années 1960 le principal point de rencontre de la scène artistique et à la fois le lieu de maintes actions et expositions. La surprenante façade et l’aménagement inhabituel firent sensation. La conception du magasin, avec les nombreux objets et pancartes, va de pair avec le développement des panneaux écrits qui font la célébrité de Ben.
Cette « installation », qu’il n’a cessé de faire évoluer, a été rachetée en 1975, avec la façade d’origine et l’intérieur, par le Centre Pompidou et exposée lors de l’inauguration du musée. Cette oeuvre d’art globale, d’un genre exceptionnel, permet d’établir un rapport avec ses tout débuts artistiques en réunissant les grands champs thématiques qui marquent son travail jusqu’à aujourd’hui.

La première partie de l’exposition rétrospective, organisée par Andres Pardey, porte avant tout sur les débuts justement et montre une sélection d’oeuvres clés des années 1958 à 1978. Elle commence par des témoignages qui retracent la quête de Ben d’un langage formel abstrait bien à lui et mène à un ensemble de « vieilles écritures ». On y voit comment Ben se détourne de l’expérimentation purement formelle pour s’intéresser ensuite davantage aux contenus et à la signification. Tout l’éventail de son répertoire artistique est présenté dans cette partie de l’exposition : nombreuses actions de rue à partir des années 1960, grands moments de Fluxus à Nice, jusqu’aux prises de position de Ben en tant que théoricien et philosophe de l’art.

Tout cela s’inscrit dans une période relativement brève et constitue le fondement de son oeuvre ultérieure. Le statut de Ben, son rôle crucial dans les milieux de l’art à Nice ou au sein de Fluxus en Europe et dans le monde entier, l’importance de ses réseaux avec des artistes, philosophes, écrivains, collectionneurs et politiciens internationaux trouvent ici toute leur illustration. D’autres thèmes sont également abordés, comme la multimédialité, présentant ainsi cet artiste « connecté » avant l’heure avec son site web, sa propre radio web et ses newsletters,  petit extrait :

BALE
Courir après la gloire,
Ridicule j’ai honte
mais C’est ma vie
je ne dois pas le regretter

ou encore les immenses archives que Ben a rassemblées sur son travail et celui de ses amis artistes, mais il se défend d’être un archiviste, il regarde vers l’avenir et les jeunes artistes. La salle avec les oeuvres de l’« Introspection » montre comment l’art de Ben Vautier interroge également l’ego même de l’artiste.
Ben n’inspecte pas seulement le monde et ce qui se passe autour, mais porte un regard tout aussi critique sur lui-même en tant que personnage et sujet agissant. Le regard du dehors vers le dedans marque le passage vers la deuxième partie de l’exposition, qui introduit d’une part à l’oeuvre plus récente de Ben Vautier, mais d’autre part aussi au processus créatif que l’artiste applique à son propre travail. Il a conçu ainsi plus de 30 espaces qui, tous ensemble, constituent une sorte d’oeuvre d’art totale. À commencer par ses « petites idées » et jusqu’aux « nouvelles écritures », en passant par les« miroirs », la « photographie », le « temps » et la « mort », ainsi qu’un « Hommage à Tinguely », Ben nous propose un kaléidoscope de ses réalisations les plus actuelles.

A la fin du parcours, il répond à nos questions, dans son Centre  Mondial du questionnement

Evènements
Tous les jeudis le musée Tinguely invitera une personnalité du monde de l’art
dans ce centre qui répondra au public, aux questions que celui-ci voudra bien lui poser

Publication
À l’occasion de l’exposition paraît chez Kehrer Verlag un important catalogue, richement illustré, avec des textes par Ben Vautier, Margriet Schavemaker, Andres Pardey, Roland Wetzel et Alice Wilke, ainsi que de nombreux textes historiques d’auteurs comme Bernhard Blistène, Isidore Isou ou Ad Petersen (édition allemande et édition anglaise, 256 pages), prix à la boutique du musée : 52 CHF, ISBN: 978-3-86828-648-9 (D), 978-3-86828-649-6 (E).