Auteur/autrice : elisabeth

La lanterne magique est une petite machine d’optique
Qui fait voir dans l’obscurité sur une muraille blanche
Plusieurs spectres et monstres si affreux
Que celui qui n’en sait pas le secret
Croit que cela se fait par magie 

Antoine Furetière

Dictionnaire universel 1690

Divulguée par un jésuite allemand, Anasthase Kirscher, en 1671, l’invention de la « Laterna Magica » est sans doute née grâce à un astronome et physicien hollandais, Christiaan Huygens, en 1659. Cette technique n’a pas cessé de se perfectionner  et dans son article, Laurent Mannoni nous explique qu’on en vient à une véritable « tempête optique » une fantasmagorie réalisée par un appareil révolutionnaire, le fantascope, monté sur rail et placé à l’arrière de l’écran. Grâce à ce procédé, l’image s’avance vers le spectateur ou au contraire apparaît extrêmement lointaine pour ne former qu’un point miniscule. C’est un curieux prêtre liégois qui, ayant transformé son nom en Robertson, a mis en pratique ces spectacles de fantasmagorie avec un succès immense. Un journaliste du XVIIIe siècle déclarait que « Robertson était passé maître dans l’art de faire apparaître des spectres et des fantômes. Toutes les puissances de l’au-delà lui obéissaient » Il semble qu’il avait le pressentiment du cinématographe.

Jean Lorentz – président de la Ste Schongauer

Lanterne de peur ou lanterne magique, le Musée Unterlinden  de Colmar, jusqu’au 16 mars, nous présente, une infinie variétés de ces lanternes. Les adultes, comme les enfants visiteurs, restent ébahis devant la variété présentée et devant les projections drôles, fantasmagoriques, poétiques.

Tantôt sous forme de Tour Eiffel, de mosquée, de Boudha, de « lampadorama »,  de voiture,  de maisonnette,  de chalet, de kiosque, de vase fleurs, d’ église Ste Sophie,  chinoise, boule,  de communion,  bijou, de salon, de colporteur, qu’elles soient romantiques, à feuilles de chêne, à gaudrons, riche, carrée, Louis XV, à rouleau horizontal, « Bi-Unial » ou « Tri-Unial » elles nous parviennent grâce à des collectionneurs passionnés ; depuis leur origine à son évolution jusqu’au 20^e siècle.

Le catalogue est l’occasion de rappeler les premières projections au milieu du XVIIe siècle, des danses macabres par Holbein le Jeune.

C’est aussi le moment de rappeler que l’on célèbre le centième anniversaire du premier dessin animé, intitulé « Fantasmagorie » par son auteur Emile Cohl.

Elles sont toutes des pièces uniques et rares, intéressantes dans leur originalité.

Des plaques de projection pour tous les usages,  celles qui servaient aux danses macabres, celles qui sont montrées par un singe projectionniste, celles qui animaient simplement les soirées ordinaires, ou celles qui instruisaient les amateurs, toutes tendent vers le futur cinéma de Georges Méliès, sans oublier la camera oscura chère à Veemer.

 
photos provenant du catalogue de l’exposition qui comporte un DVD d’images de lanternes magiques et de fantasmagories

Si vous êtes frutrés de ne pas avoir vu cette très belle expostion, si vous avez patientez dans les queues interminables, si vous avez envie de vous y replonger, cela est possible.
Je porte à votre connaissance, les analyses détaillées, du blog Bleu de cobalt, petites chroniques picturales, que vous trouvez en lien du mien, sous la rubrique blogs amis, qui a consacré 4 billets fournis à cet évènement, que vous pouvez lire ici, là, ici,et encore là.

Après trois jours non-stop, 24h sur 24, l’exposition parisienne « Picasso et les maîtres » a fermé ses portes lundi soir

L’exposition du Grand Palais a accueilli plus de 780.000 visiteurs, un record. Plus de 65.000 personnes ont profité du marathon de 83 heures qui l’a conclue, de vendredi à lundi.
L’exposition en 210 chefs-d’oeuvre confrontait Picasso aux peintres qui l’ont marqué, Titien, Velasquez, Goya, Zurbaran, Rembrandt, Poussin, Manet, Cézanne ou Van Gogh.
Le succès populaire a été tel qu’il a fallu à chaque instant s’y  adapter, en élargissant les horaires et même en décidant d’une ouverture non stop pendant quatre jours et trois nuits, en réimprimant le catalogue, en augmentant  le nombre d’ateliers pour les enfants.
De ce succès, la Réunion des musées nationaux (RMN) tire au moins deux enseignements. « Même en période de  crise, ou peut-être parce que nous sommes en période de crise, l’art est une  valeur-refuge », affirme son admininstrateur général Thomas Grenon. Et la personne même de Picasso, l’accrochage qui a été un « véritable résumé d’histoire de l’art » et plus prosaïquement, l’amplitude horaire jamais atteinte à ce degré, « a amené un public nouveau, différent et renouvelé », dit-il. Le taux de primo-visiteurs, personnes qui visitent pour la première fois une exposition, a été de 55% contre 20 à 30% d’habitude.
Et des comportements que l’on n’imaginait ont été constatés, donnant matière à réflexion pour l’avenir. Si le public s’est déplacé les soirs du dernier week-end, les horaires de 6h ou 7h du matin ont aussi été réservés rapidement, par un public familial. « Jusqu’à présent, on  raisonnait en nocturne. Ouvrir tôt le matin est aussi un créneau », certains publics pouvant vouloir voir une « expo avant le bureau ou la sortie familiale à la piscine », estime Thomas Grenon.
(source France 2)

La Magie des images – l’Afrique, l’Océanie et l’art moderne », présentée à Bâle, à la Fondation Beyeler,  à la fois la réunion la plus riche d’oeuvres africaines et océaniennes que l’on ait vue depuis longtemps et une expérience artistique bluffante.
Cette exposition instaure un dialogue captivant qui témoigne de la contribution irremplaçable de l’Afrique et de l’Océanie à l’histoire de l’art mondiale.
 Au mur des Nymphéas, de Monet ; et, devant elle, au sol, deux longues sculptures de crocodile de Nouvelle-Guinée, une idée déconcertante. l’association est-elle une symbolique de l’initiation, par le fleuve et le crocodile ?
Chaque salle – il y en a douze – associe un artiste à une esthétique et une provenance, Cézanne et les Sénoufo, Miro et les Dogon, Léger et les Mumuye, Klee et les îles Cook, Picasso et les « fétiches à clous » des Vili et des Yombe. Quelques prêts provenant de la prestigieuse collection Barbier Muller de Genève viennent compléter les toiles de la Fondation Beyeler. Quelques 180 pièces, présentées comme seule la Fondation Beyeler excelle dans ce domaine. Pour une novice de l’art africain et océanien, comme moi c’est un bonheur sans limite, une occasion formidable de m’initier quelque peu à cet art, où culture, artisanat et culte sont expliqués, que j’avais tenté d’approcher au Quai Branly et au musée Dapper. Ici elles vous invitent au regard, par la polychromie et la diversité des objets présentés dans un choix judicieux et unique, qui semble une évidence et qui vous laisse pantois. On comprend aussi où les artistes comme Picasso, Vlaminck et d’autres étaient inspirés par ces visages et cette culture.  Le regard provocateur des grands yeux en fragments de nacre et la bouche grimaçante, abondamment pourvue de crocs de dents de chiens, les plumes de coloration rouge vif, sont une représentation du Dieu de la guerre Kübâ’ilimoku, il fait partie d’un groupe de huit sculptures en plumes acquises lors du troisième voyage de James Cook à Hawaï, (assassiné lors de son retour involontaire) Les images en plumes étaient fichées sur un bâton et menées en procession en l’honneur des dieux lors des expéditions guerrières. Elles associaient forces vitales divines et revendications profanes du pouvoir. La toile rouge de Rothko est en parfaite résonance avec ce guerrier.
Par contre je n’ai pas trouvé de correspondance entre Mondrian et les sculptures malagan, est-ce à cause des codifications, cérémonies funéraires pour les uns, l’arbre pour l’autre ? Les Mumuye  du Nigéria avec leur coiffe de « Bécassine » sont en parfaite concordance avec la magnifique sculpture de Hans Arp et la toile de Fernand Léger.
Après avoir visiter cette nouvelle présentation, on ne peut rester indifférent à cet art. Je ne peux que vous encourager à vous précipiter pour cette exposition visible jusqu’au 24 mai 2009. Sans oublier l’exposition sur les Nagas au musée des cultures de Bâle jusqu’au 17 mai ni le Musée Tinguely qui présente le cabinet de curiosités de Ted Scapa : un mélange haut en couleurs d’œuvres d’art, d’objets artisanaux et d’objets curieux, jusqu’au 19 avril. L’ exposition Venise  à la Fondation Beyeler se termine le 15 février, 4 bonnes raisons pour faire un petit saut dans la ville de Federer, d’Erasme et de Holbein.
 Vous pouvez lire ici le billet plus détaillé de Détours des Mondes, mon amie Lyliana, spécialiste de l’art africain et océanien, ancienne élève et diplômée de l’école du Louvre, conférencière, qui m’a permis de bénéficier d’une visite guidée commentée par elle, avec force détails et brio.
photo 1 provenant du dépliant de la Fondation

 photo 2 de presse, ne concerne pas le guerrier

 photo 3 provenant du blog de Détours des Mondes

Moi je plagie ? Rassurez-vous, il n’y a pas eu d’enterrement. C’était une belle équipée, qui partait ce 22 janvier à la découverte des joies de la capitale de la brume. Cette fois je m’étais entourée de gardes du corps et du coeur. 
Pour nous mettre dans le bain, les grilles du métro se ferment, pour laisser sortir un nombre incessant de passagers et restent closes pendant un bon quart d’heure. Devant le flegme manifesté par les usagers nous en faisons autant et nous patientons. Ce qui nous fait arriver devant la Tate Modern avant l’heure.  Tout d’abord nous allons au 7 ème étage pour contempler la vue, sur la cathédrale St Paul, la Tamise, mais aussi les affreuses grues qui défigurent les paysages urbains du monde entier.
La foule est là, pour admirer la réunion de 16 toiles, qui avaient été commandées au nombre de trente pour des peintures murales destinées au restaurant les quatre saisons dans le Seagram Building de Londres. Mark Rothko en avait offert 9 à la Tate Gallery. Cela me permet de dire que j’ai apprécié davantage l’intimité de la Rothko room, plus sombre, moins facile d’approche, les toiles se méritent, il faut les laisser monter vers vous, les couleurs se révèlent au fur et à mesure, il faut y revenir sans cesse, passer et repasser, les considérer sous un autre angle, se rapprocher s’éloigner, le mystère demeure, le moment est intense.
Mark Rothko renonça à poursuivre et à terminer son travail. Ses peintures sont dominées par des pigments sombres, pétries de tragique. Sa palette décline le brun, le rouge, le noir, certaines toiles paraissent singulièrement éteintes si on les compare au jaune, bleu et rose, plus connues. Parfois le contraste avec le rectangle est à peine perceptible, ainsi on comprend ce que Dore Ashton a appelé « une expression sans dieu de la divinité » L’exploration au coeur des ténèbres se poursuit dans l’exposition avec les cycle Black-Form, les oeuvres sur papier Brown on Grey et son ultime série, Black and Grey.

En 2001, la Fondation Beyeler présentait, grâce aux liens tissés avec le fils Christopher une exposition intitulée « Mark Rothko – Union approfondie entre peinture et spectateur

En 2006, La Filature de Mulhouse à l’issue d’une conférence d’Isy Morgensztern, un film écrit et réalisé par celui-ci a été projeté sur la vie et l’oeuvre de Mark Rothko, intitulé : The Rothko Chapel Project. Depuis le film existe dans le commerce.
Un concert a complété idéalement cet évènement.

En hommage à son ami disparu Mark Rothko, Morton Feldman a composé une musique en se fondant sur les quatorze grandes toiles que Rothko avaient peintes pour « la Chapelle Rothko » (Houston, Texas), lieu de culte et de recueillement. De l’espace créé par la chapelle, dans laquelle le visiteur se trouve environné par les toiles, Feldman a retenu l’essence purement émotionnelle. Gualtiero Dazzi, sans imiter Feldman, mais en se donnant comme contrainte d’employer la même distribution, donne une autre lecture sensible du lieu : il rend à son tour hommage au peintre, en introduisant dans son écriture, l’ode magnifique du poète John Taggart, dédiée aussi à la Chapelle Rothko. Enfin, Georges Bloch s’attache à ce qui, dans la musique de Feldman, s’entend sans que cela y soit : une activité intense, fébrile presque, qui se dissimule derrière la lenteur et le pianissimo. Un seul concert, trois œuvres en écho, qui permettent de comprendre que dans la peinture comme dans la musique, c’est l’émotion qui est au centre de l’œuvre. Ce que les compositeurs proposent ici est certes un hommage au peintre, mais plus encore à sa volonté d’œcuménisme : un hommage au public. Gualtiero Dazzi est un compositeur cosmopolite et polyglotte, dont on dit « qu’il vous réconcilie avec l’art lyrique ». Loin de tout refuge idéologique réducteur, il bâtit son œuvre à partir des influences les plus diverses ou sur la base de rencontres avec d’autres disciplines artistiques. Ce fut un moment de pure émotion.

Ce fut une journée pleine de joie, de bonheur et d’amitié partagés, je regrette que vous n’ayez pas participé aux évènemens antérieurs à Beyeler et à la Filature.

Pour ceux qui sont allés à la National Gallery et à la Courtauld Gallery, et celle qui a été fouillée non seulement au corps, mais dans son bagage, qui a dû abandonner son entremets, qu’elle comptait déguster en attendant l’embarquement, par la sécurité sous mon oeil connaisseur, mais néanmoins intéressé,  je leur laisse la parole…

Je vous dis à bientôt pour une autre incursion dans le domaine de l’art.

photo n° 1 provient du site de la Tate, photo n° 2 de l’auteur

pour la diversité des polices je donne ma langue au chat … je plaide non coupable.