La Biennale Internationale de St Paul de Vence

Le thème de cette première édition est « média-terra ».
La Méditerranée, la terre et la mer, la migration nourrissent
cette inspiration. La sculpture se mesure au paysage de Saint-Paul
et s’intègre dans le patrimoine du lieu. Les remparts enserrent
les ruelles, le paysage est lié à l’art, le panorama grandiose.
En cheminant à travers les ruelles, abandonnant les boutiques de
mode et les galeries, pour peu qu’on s’éloigne de la foule des
touristes, la visite est grandiose.

Matisse, Braque, Chagall, Calder, Miró, Picasso sont passés
ou ont vécu là. La Fondation Maeght les a accueillis,
encouragés, soutenus. Ils y ont laissé leurs créations,
leurs empreintes.
Cet été, le charmant village de St Paul de Vence est un
haut lieu de rencontre pour l’art contemporain.
Car jusqu’au 31 août, les œuvres de 17 artistes forment
la première édition d’une Biennale internationale.
Deux raisons d’aller à St Paul de Vence, la Biennale
et l’exposition Jan Fabre à la Fondation Maeght

« La création est un muscle incontrôlé » selon Arik Levy.
Artiste multidisciplinaire, au cours des années il a créé un
langage plastique de représentation de notre environnement.
À travers l’exploration des codes sociaux,
des sciences et des
interactions entre l’espace et l’émotion, ainsi que des différentes
évolutions d’une nature imaginaire, tels ses célèbres « rocks »
(rochers) ou en expérimentant des jeux de reflets et visions,
Levy nous révèle à travers ses œuvres à différentes échelles,
les secrets de l’espace qui nous entoure en le rendant visible
à travers ses sculptures.

On peut l’associer à l’oeuvre de Vladimir Skoda pour
l’utilisation du matériau.
Il invite le spectateur à expérimenter son œuvre dans un mouvement
dynamique, du corps et de l’esprit. Les pointes en acier intitulées :
Une seule direction ? (2004-2009), dont une exposée pendant la
Biennale, fendent l’espace et désignent les hauteurs infinies du
cosmos. Elles offrent un contre-pied très « brancusien » aux sphères
de Skoda, qu’il nomme Sphère de ciel – ciel de sphères, ou encore
Horizon des événements.
Un trio dans l’utilisation de la matière simple et minimale :

Sur la place, la sculpture Rocking de Gabrielle Conilh de Beyssac
est performative, activée par le public, permettant d’inscrire
sa monstration dans l’espace qui l’ accueille mais aussi dans le temps,
mise en mouvement. Elle bascule tout au long de sa tranche et retrace
la ligne de sa silhouette sur le sol du fameux terrain de pétanque
de Saint-Paul de Vence en s’intégrant dans cette ambiance de
jeu conviviale et joyeuse.
La sculpture de Vincent Barré s’exprime en un large champ
de formes allant de l’abstrait au presque narratif.
Dans des thèmes qui empruntent souvent aux mythes,
à l’histoire de l’art occidental, ses formes sont porteuses
d’images, de sens, de symboles qu’il s’applique à
communiquer par des œuvres ayant une forte présence
dans l’espace.
Sa recherche s’est traduite, selon les circonstances,
dans des matériaux et des techniques contrastées :
bois, acier, verre, fonte de fer, fonte d’aluminium,
bronze à la cire perdue.
Les deux sculptures présentées à Saint-Paul de Vence,
sont réalisées en fonte d’aluminium, à partir de modèles
perdus découpés dans le polystyrène selon une technique
qu’il ne cesse de mettre en œuvre depuis 1999,
dans un registre de plus en plus minimal et épuré :
Colonne 3/4 (2010), à trois faces et quatre
éléments empilés évoque une architecture dont ne
subsisterait qu’un fragment, et Deux anneaux cannelés
(2009), larges pièces gigognes découpées dans le même
bloc, posées au sol.

Les sculptures et installations d’Antony Gormley témoignent
d’une recherche constante sur l’inscription du corps humain
dans l’espace. Prenant pour sujet son propre corps,
il confronte la perception intime et son inscription dans l’espace.
En décrivant la posture du corps comme

« la langue d’avant le langage », l’artiste invite le spectateur
à projeter sur l’œuvre une infinie variété d’émotions.
Le principal défi consiste à identifier le corps comme un lieu
de pensées ou de sensations, plutôt qu’un objet d’idéalisation
ou de représentation.

David Nash refuse de considérer la matière qu’il emploie
comme masse inerte. Ainsi, le bois lui fournit à la fois une
source d’inspiration et d’étude, une matière première et
un horizon. Torso (2011) est une pièce en bronze
représentant un large tronc (légèrement vrillé et très nervuré)
et à l’origine de ses deux branches radicales coupées,
joue avec les jeux d’évocation de la nature et de l’histoire
de l’art. Ce faux-tronc évoque effectivement les torses vrillés
et expressifs de la sculpture grecque dans sa période hellénistique
(peut-être une référence au Laocoon)
actuellement à la Fondation Fernet Branca.
La forme de l’arbre lui inspire aussitôt les courbes
sensuelles de la sculpture Renaissance, dont l’original
a ainsi été réalisé en bois, en un seul morceau d’arbre
taillé directement dans le tronc. À partir de cette sculpture
originale, Wang Keping fait fabriquer un bronze à la fonderie
Susse en 2010, exposé dans le jardin du Musée Zadkine la même
année, à l’occasion de l’exposition monographique
« La Chair des Forêts » qui lui est consacrée.
Les courbes voluptueuses de la sculpture évoquent le corps
’une femme. Sans chercher la ressemblance, Wang Keping en fait
naître l’essence, en utilisant les formes primitives du tronc,
ses nœuds et ses branches. Il aime à simplifier et mélanger l
es formes, une tête, un chignon, une nuque…
Ce travail en harmonie avec le bois permet à Wang Keping
de développer à travers une sculpture contemporaine,
un langage unique et singulier.

Henk Visch se met à la sculpture, dans les années 1980,
ses créations se 
situent dans l’esprit de ses dessins et dans
l’air du temps. Son intérêt pour la figuration anthropomorphique,
l’utilisation de la couleur et son choix de matériaux traditionnels
comme le bois et le bronze coïncident avec le climat post-moderne
de l’époque. Depuis, il alterne entre figuration et abstraction mais
il a préservé cette appétence pour la figure humaine. Le pouvoir
de l’image est grand et je ne suis pas étonné de la charge
politique de mon œuvre. Certainement à présent que je peux
porter un regard rétrospectif sur une œuvre étendue réalisée
en 35 ans, j’observe que ma fascination pour le conflit et la
répugnance des identités culturelles, idéologiques, stéréotypes
ne s’inscrivent pas tant dans un cadre psychologique (personnel),
mais résident dans un large lien social et politique.
Autrement dit, la démarcation entre l’existence privée,
individuelle et la vie publique n’a pas beaucoup de pertinence
dans mon œuvre, elles s’y chevauchent plutôt.
Je suis un artiste, un sculpteur, qui travaille dans l’espace et sur le
plan de l’image et de la représentation, je vois un lien direct avec
la réalité ; chaque sculpture témoigne de sa participation au monde,
d’appartenance à une communauté et du partage d’une langue,
sans interventions théoriques. Je tente d’éviter toute forme didactique
ou pontifiante.
​ Jean Pierre Raynaud expose Autoportraits (1980- 1986),
deux parallélépipèdes rectangles surmontés de deux carrés,
tout en faïence.
« L’autoportrait signifie pour moi : ne pas m’éloigner de moi »,
écrit Jean Pierre Raynaud en 1991.
Une œuvre autoportrait : Une maison comme double psychique
de son corps. La statue sous la forme de ses Autoportraits
s’inscrit dans le volume d’une stèle quadrangulaire, à peine
suggestive d’une structure anthropomorphe.
Raynaud construit de nouveau une architecture solide, nette,
hygiénique, d’une nudité totale à l’extérieur, polie comme un briquet.
L’œuvre de Raynaud est absolument autobiographique
et beaucoup plus proche du procédé du romancier et du poète
que du sculpteur. C’est la reconstruction d’un univers mental
au moyen des objets signes.

L’Homme qui porte la croix (2014) est une sculpture en
bronze représentant un homme faisant tenir une croix en
équilibre dans le creux de sa main.
« Croyons-nous en Dieu, ou ne croyons-nous pas ?
La croix qui tient en équilibre sur le bras de l’homme
cristallise cette question », avait déclaré Jan Fabre lors
de l’installation permanente de l’œuvre dans la cathédrale
d’Anvers. L’équilibre n’est jamais aussi beau qu’à son point
de rupture.
Le raisonnement est la petite monnaie de l’intelligence
Le cœur de l’œuvre de Simon Bérard-Lecendre
est une enluminure tirée du Petit livre d’amour, manuscrit
médiéval rédigé peu ou prou en même temps que la construction
des remparts. Un paysage fait écho à celui de Saint-Paul,
vallonné et ensoleillé, on y aperçoit la mer. Et au centre
il scie ; on ne sait pas très bien ce qu’est cette branche mais
l’issue ne saurait tarder, sans nul doute. On reste suspendu
dans cet avant- la-chute. Et il scie sans soucis, le sourire aux lèvres.
Autour, un drôle d’encadrement, mauvais simulacre d’une
marqueterie en bois d’olivier, évoque pêle-mêle des souvenirs
de l’art optique, une cible de fléchettes, un damier pour un jeu
inconnu.
Certaines oeuvres ont échappé à ma quête, par contre j’ai eu la chance
de croiser Olivier KAEPPELIN, Président de l’association B.I.S,
qui a aimablement échangé quelques paroles avec nous, mais aussi
se prêtant à une interview avec la journaliste de France 2,
Béatrice Benoit-Gonin
à combiner avec la visite à la Fondation Maeght pour
l‘exposition de Jan Fabre

Auteur/autrice : elisabeth

Pêle-mêle : l'art sous toutes ses formes, les voyages, mon occupation favorite : la bulle. Afficher tous les articles par elisabeth